GREAT DECISIVE BATTLE! THE SUPER 8 ULTRA BROTHERS (2008)

Para 2008 nos encontramos en un momento especialmente critico para la Tsuburaya Productions. Desde el fracaso de Ultraman Nexus (2004) sumado a diversos problemas internos en la dirección, los líos judiciales con la tailandesa Chaiyo Productions además del poco interés de TBS... marcaron de muerte a la Tsuburaya. Ultraman Mebius (2006) fue concebida por sus implicados como una despedida de la franquicia así como un homenaje al personaje en su 40 aniversario. A pesar de las enormes limitaciones y de que la sensación de que diera igual el éxito que tuviera Mebius, no sería suficiente para dar continuidad a la franquicia, sus creadores lo dieron todo para crear una serie que rebosara cariño por sus personajes. 

Efectivamente, Mebius funcionó bastante bien, generando varias películas por el camino (aunque no evito la quiebra económica de la Tsuburaya y su posterior venta). Si bien, gracias a que Mebius gozó del favor del público se aprovechó su presencia para unos cuantos filmes como Ultraman Mebius & Ultra Brothers (2006), estrenada a mitad de la emisión de Mebius, siendo todo un éxito. El listón fue superado en 2008 con el estreno de Great Decisive Battle! The Super 8 Ultra Brothers.

8 Ultra Brothers explota la nostalgia del fan de la franquicia hasta sus últimas consecuencias ya que cuenta con el regreso de los actores originales que interpretaron a Ultraman, Ultraseven, Jack y Ace en la etapa clásica del personaje. Esto es fusionado con la etapa heisei en los 90, apareciendo el trío que interpretó las exitosas encarnaciones de Tiga, Dyna y Gaia con el joven Mebius como nexo conductor de todos ellos. 

Tenemos así una representación de las tres etapas del personaje, años 60-90 y presente creando una conjunción bastante bonita como es el traspaso a través de las generaciones de la antorcha del héroe.

El elemento más interesante de la película lo encontramos en su premisa, en su juego metareferencial y multitud de ideas jugosas que dan una cierta profundidad, agradecida en unos productos que por norma se reducen a la conjunción de batallitas entre monstruos. La película presenta un mundo en donde Ultraman no existe, siendo (como en nuestro mundo real) un producto televisivo de éxito en los 60. Dicho personaje marca las infancias de tres niños fortaleciendo sus sueños aunque, décadas después, estos niños son unos adultos que han abandonado dichas aspiraciones. 

Me parece muy acertada dicha perspectiva y cómo la figura de Ultraman (Mebius en este caso) viene a remover esos cimientos, desde un punto de vista psicológico, enseñándonos a no perder lo que fuimos de niños y no abandonar lo que en algún momento nos apasionaba. Cualquiera puede guardar a un héroe (niño) en su interior, agazapado y dispuesto a salir del adulto frustrado en el que nos hemos convertido. Un bonito paralelismo que va difuminándose a medida que avanza el metraje con secuencias de un humor algo sonrojantes (¿y ese baile hawaiano con el cast original? Por favor...pobres...) y decisiones visuales que empobrecen el conjunto. La secuencia en la que los actores vintage salvan a unos niños de ser atropellados está realizada de forma risible y la decisión de introducir esa cámara lenta en las batallas (con los frames renqueantes) ha quedado muy pasada de moda.

3 amigos de la infancia que han abandonado sus sueños...

Mebius llegará de otro universo rompiendo los cimientos de la realidad.

El joven Ultraman Mebius acabará derrotado...

Daigo tendrá que mirar hacia su niño interior y hacer salir al héroe que guarda en su interior... ¡Tiga!

Pero no vendrá solo...

El cast original recuperado para la ocasión.

Si bien, llama la atención cómo a pesar del reciente éxito de Mebius, no sea sino Tiga, y por lo tanto Daigo, el protagonista de la función, una muestra de lo que ha calado en el imaginario colectivo Ultraman Tiga, el reinicio exitoso del personaje en 1996. La verdad es que juntar a todo el cast de cada respectiva etapa de la franquicia es una gozada y un premio al fan. 

Emociona y más sabiendo la grave problemática del actor Hiroshi Nagano (Daigo) con su agencia de representación, empeñada en borrar cualquier relación del actor con el tokusatsu lo que ha provocado la prohibición de aparecer en más series de Ultraman (o igual de terrible, la eliminación del temazo Take me higher, cantada por el mismo Nagano, en los episodios de Tiga en el box set de Mill Creek). Siendo ésta, la última vez que el actor interpretará a Tiga...

La película guarda numerosos guiños a la franquicia. Así aparece el malvado Alien Hipporit y quien tal y como pasaba en Ultraman Ace, deja convertido en una estátua de piedra a Mebius. Los efectos especiales no están nada mal, aunque no deja de seguir la linea de la serie de televisión, con un poco más de mejora. Como episodio alargado para TV va sobrada pero como blockbuster para cines se queda algo justa. La introducción del CGI es abundante y muchos momentos han quedado totalmente desfasados, aunque se incluyen algunos momentos de gran fuerza especialmente en la gran batalla final con todos los Ultraman enfrentándose a la gigantesca amenaza.

El seguidor de la franquicia soltará alguna lagrimilla con esta imagen.

Lástima de la escena final, de vergüenza ajena de lo acaramelada que resulta con los personajes, los cuales han retomado las riendas de sus vidas, a bordo de un barco espacial que los llevará al espacio. Quizás, el mensaje de la película, si hubiera sido plasmado de una forma más sutil, hubiera tenido más fuerza pero al final se trata al espectador de tonto, exponiendo su mensaje de una forma tan explicita todo el rato coronándose con su final.

Si bien, Great Decisive Battle! The Super 8 Ultra Brothers, es uno de los ejemplos más destacables dentro del aluvión de películas de Ultraman. Es un entretenimiento aceptable, las ideas que planean alrededor de su premisa resultan atractivas y diferentes. Es todo un placer ver juntos a todo el cast más mítico de la franquicia (junto a sus partenaires femeninas y los hijos reales de algunos de ellos/as). 3 generaciones de héroes juntos. Si bien, hay mucha escena de humor que no acaba de funcionar, otras dan algo de "verguenzica", así como también muchas decisiones visuales de la película han quedado bastante desfasadas. Igualmente, concentra numerosos momentos que el fan de la franquicia disfrutará. En taquilla, la película fue todo un éxito, convirtiéndose hasta el momento en el filme sobre Ultraman más taquillero en Japón.

THE POOL (2018)

La tailandesa The Pool (2018) concentra un punto de partida muy atrayente de cara al espectador por lo estrambótico del asunto y que tiene su guasa.

Después de rodar un anuncio publicitario en una piscina olímpica de salto de trampolín que se encuentra abandonada, Day se queda para recoger y limpiarla un poco, pero mientras se vacía de agua se queda dormido en una colchoneta, cuando despierta se ha desaguado la mitad y no puede salir por no haber escalerilla, su novia embarazada acude a recogerle y sin darse cuenta también salta a la piscina golpeándose en la cabeza, así quedan los dos atrapados a seis metros de profundidad ya sin agua. Por si fuera poco grave la situación, un enorme cocodrilo se cuela por unos de los desagües...

El filme ofrece en su premisa un aspecto bastante explorado, pero siempre atrayente en la historia del cine, como es el de encerrar a sus personajes en un espacio muy determinado durante todo el metraje y enfrentarlos a una situación desesperada. Hay buenos ejemplos de ello, desde Náufragos (1944) de Hitchcock a Buried (2010) de Rodrigo Cortés. Si bien, gran parte de la gracia de The Pool resulta en ser un imposible survival que concentra una concadenación de situaciones increíbles que no hacen más que compadecerte por la tremenda mala suerte de su personaje protagonista. Al amigo Day (Theeradej Wongpuapuan) no le pueden pasar peores cosas: quedarse dormido en una colchoneta en la piscina mientras ésta se está vaciando, que su novieta se resbale en el borde de la piscina justo cuando parecía que iba a coger un teléfono móvil que les hubiera solucionado el entuerto, que un cocodrilo con hambre merodee por allí... En fin, los protagonistas con peor suerte de la historia.

Day y su novia embarazada quedan atrapados en una piscina abandonada. Mal plan veraniego.

Tendrán un acompañante poco recomendado.

¿Como saldrán de ahí?

Por supuesto todo está al servicio del espectáculo. Entretenimiento sin prejuicios y sin ninguna seriedad, ya que solo puedes acabar tomándote a cachondeo el cúmulo de fatales casualidades que ronda a la pareja de la película. Visualmente, el filme está bastante cuidado, si bien, el cocodrilo realizado a base de CGI funciona a medias. Aunque el animal cante en algunos planos, el efecto especial sigue siendo mejor que cualquier producción Asylum. Pese a lo endeble que acaba siendo en general la película no hay que negarle lo cuidado del conjunto y su capacidad para saber crear momentos de gran tensión y suspense. Ping Lumpraploeng dirige y guioniza el cotarro. Un personaje de sobrada trayectoria en Tailanda habiéndose encargado de vehículos románticos como Loveaholic (2006) o comedias aderezadas con terror como The Ugly Ghost (2014).

The Pool es un entretenido filme. Un divertido survival que no se hace excesivamente pesado gracias a su capacidad por mantenerte siempre distraído con sus nuevas y disparatadas ocurrencias de guión. Es lo mejor que se puede decir de ella.

ULTRAMAN TRIGGER: EPISODE Z (2022)

Y dos meses después del final de Ultraman Trigger, en marzo de 2022, nos llegó la película Ultraman Trigger: Episode Z, la cual pone punto y final (de momento) a Trigger y los personajes protagonistas que han acompañado la serie. El filme nos sitúa dos años después del final de la serie con, de nuevo, monstruos surgiendo para aterrorizar la población. A la vez, se están sucediendo misteriosos robos en ruinas antiguas de todo el mundo...

De Ultraman Trigger: Episode Z (2022), se agradece volver a ver a algunos de los protagonistas de Trigger. Akito o Yuna eran sujetos simpáticos y aquí, además, se les acompaña de un invitado especial como es la agradecida presencia de Hiroki/Ultraman Z. Si bien, este nuevo filme, aunque corto, de 70 min, resulta paliducho con un guión en exceso enrevesado, mal llevado y que deja mucho que desear. 

Evil Trigger

La película es experta en abandonar numerosos puntos interesantes que se quedan en nada. Un ejemplo. Yuna siente que Kengo no quiere volver de su prisión en el Eternity Core. Explorar los miedos del héroe y su temor a volver al mundo real es algo interesante que tan pronto se dice como se abandona. Las posibilidades de un personaje como Yuna y que daban para seguir evolucionando en el poder de la muchacha tampoco es demasiado aprovechado. 

El villano de la función es insoportable, aunque es una sensación cuyo culpable es más por el actor que lo interpreta que de tan histriónico y exagerado provoca rechazo. El actor se piensa que está interpretando a Shakespeare con un festival de caras, risotadas entre otras excentricidades. Dicho villano es aprovechado para hacer guiño de una de las mejores tramas de Ultraman Tiga (1996) como son los capítulos con Evil Tiga. Aunque el resultado palidece en comparación por el desapego emocional que nos produce la manera en que está conducido el embrollo.

Está bien, además, recuperar a Celebro (el malvado alienígena de Ultraman Z) pero la historia inmediatamente se somete a un cúmulo de batallas que acaban mareando en el que van sumándose a la fiesta Trigger, Dark Trigger, Z hasta llegar a la batallita final contra el malvado "Evil Trigger". Los escenarios, al estar mayoritariamente emplazados en un bosque tampoco es que luzcan mucho dejando los momentos de destrucción urbana principalmente en dicha batalla final del filme.

El histriónico villano.

Que tengamos a un Ultraman Z poseído por Celebro, la buena química entre los protagonistas y que logra ser aún mayor gracias a la presencia de Hiroki así como los correctos efectos especiales y maquetas hacen que Ultraman Trigger: Episode Z no sea una pérdida de tiempo pero es un producto bastante rutinario y que no aprovecha narrativamente sus momentos más potencialmente emotivos (el regreso de Kengo). 

La batalla final es vistosa con ese Evil Trigger creciendo hasta 5 veces el tamaño de un Ultraman y la despedida de los personajes es emotiva con un Kengo renacido como héroe. Un entretenimiento decente y que nos sirve como pasatiempo hasta la llegada de la nueva ultraserie: Ultraman Decker, la cual celebra el 25 aniversario de Ultraman Dyna (1997).

NEO ULTRA Q (2013)

En Japón, nunca había habido nada similar a Ultra Q (1966). La serie fue un exitazo de audiencia además de ser un entretenimiento irresistible. Esta especie de The twilight zone y pre-Expediente X poblado de monstruos y bestias gigantes estrambóticas, repartidas en 28 episodios, resulta entrañable y llena de diversión, sentando las bases para el tokusatsu televisivo que llegaría después. Todo un triunfo para Eiji Tsuburaya y su equipo. Con el éxito de Ultraman y sus continuaciones, Ultra Q ha quedado un poco en el limbo, tapada por el tremendo impacto del superhéroe galáctico. Aún así, ésta ha ido teniendo diferentes revisiones o continuaciones. Tuvimos en 1990 un largometraje para cines de título Ultra Q The Movie: Legend of the stars (1990) y que contaba en el guión con Akio Jissoji, director de episodios míticos de Ultraman y Ultraseven y una de las figuras más influyentes del tokusatsu nipón. En 2004 se lanzó una especie de reboot en forma de miniserie de 26 episodios con resultados algo dispares como Ultra Q: Dark Fantasy. Coincidiendo con el 50 aniversario de la creación de la Tsuburaya Productions se realiza Neo Ultra Q (2013), nuevo reboot y que viene a rememorar e intentar repetir las claves que hicieron de la original un éxito.

Neo Ultra Q nos presenta un mundo donde la población está bastante acostumbrada a la presencia de criaturas extrañas. La serie sigue a un trío de personajes los cuales servirán como mínimo nexo de unión entre los diferentes episodios. Tenemos a Jin (Seiichi Tanabe), un psicológo. A Emiko (Rin Takanashi), periodista de lo paranormal y a Shohei (Hiroyuki Onoue), amigo común y barman exclusivo. A pesar de ser un intento por ofrecer un producto algo más adulto de lo acostumbrado e incidir en ciertos temas sociales que invitan a la reflexión, en general nos encontramos ante una serie envuelta de frialdad. Un tono lacónico que impide una mínima conexión de cara al espectador, una lástima. Es una sensación que planea por la mayoría de los 12 episodios de la serie, envueltos éstos de unas tramas, en general, bastante pobres e incluso chorras y que te invitan a pensar: ¿De verdad los guionistas no pensaron en nada mejor? 

Ep. 2, Laundry Day.

El trío protagonista, a excepción de la periodista, de atributos muy interesantes ella, no despiertan excesivas simpatías, siendo muy sosos. Se suma, además, que hay episodios en que ni siquiera salen el trío o si aparecen, su presencia es más bien breve, dificultando aún más tener algún nexo empático con el que conectar. Rin Takanashi, quien interpreta a Emiko tiene el honor de haber protagonizado un filme de Abbas Kiarostami: Like someone in love (2012).

No todo es malo, por supuesto. De lo contrario le habría dado una peor nota. El aspecto social de muchos de los episodios se aprovecha para abordar temas como la xenofobia, la crítica hacia el propio pueblo japonés o temas más peliagudos y arriesgados como la exploración de las fisuras del sistema democrático o el fascismo inherente al gobierno nipón. Se incide mucho en la inocencia de los monstruos (prácticamente la mayoría son seres inofensivos) frente a la brutalidad del ser humano. En algunas ocasiones dicha critica social resulta burda, en otras ocasiones resulta brillante.

Ep 6, The extremely smelly island.

Ep 4, Pandora's Hole.

El primer episodio de la serie, Quo Vadis, tiene como protagonista a una criatura informe, similar al tronco de un árbol, que en su camino de vuelta al bosque sufre el odio de los ciudadanos quienes pagan sus frustraciones personales y vitales contra la bestia. En el cachondo segundo episodio, Laundry Day, una criatura similar a Pigmon regenta una lavandería de gran éxito en el barrio gracias a los poderes de limpieza del bicho. Al final, el propio gobierno le pedirá ayuda para luchar contra la contaminación del planeta. Hay momentos muy interesantes como el presente en el episodio 4, Pandora's Hole, repleto de oscuridad y pesimismo con un ser humanoide de color negro, representante de la maldad y que intenta manipular a un científico para abrir una especie de "caja de pandora". Un episodio agrio y con imágenes pesadillescas lastrado por el ritmo habitualmente plomizo y frío de la serie. Hay hallazgos simpáticos como el ep. 6, The extremely smelly island, con una muchacha que tras un naufragio llega a una isla habitada por una criatura gigante de fétido olor pero cuyos jugos serán utilizados como base para una colonia que triunfará entre las féminas niponas. Desgraciadamente, la intolerancia y ansias de destrucción del ser humano estropearán la relación entre la joven y la criatura isleña.

Si bien, hay un episodio que marca un antes y un después en el devenir de la serie. El ep. 9, The Tokyo Protocol, parece referenciar la aparición del monstruo Balloonga de la Ultra Q original para realizar unos brillantes 20 minutos llenos de acidez y con crítica al gobierno nipón adornado con unas muy espectaculares y conseguidas secuencias con las criaturas. Un episodio que es casi un precedente de Shin Godzilla (2016) en tono y narrativa, y con aún más mala uva. Capítulo que una vez visto logra realzar el sabor general de la serie. Los momentos felices en Neo Ultra Q continúan en un episodio tan arriesgado como el 11, Argos Democracy, donde un grupo terrorista (defensores de los derechos de los Kaiju) secuestran un edificio donde una ministra del gobierno está dando una charla. Frente al secuestro de rehenes aparece una entidad extraterrestre que propone un dilema a los ciudadanos. Deben votar entre la vida de los rehenes o la del primer ministro japonés. Un episodio desafiante y que debate sobre las fisuras del sistema democrático.

Ep 9, The Tokyo Protocol.

Ep 11, Argos Democracy

Dicho debate se le da la vuelta en el ep 12 y final de la serie, Hominis Dignitati, la cual aborda con pesimismo y tragedia el fascismo y mentalidad de colmena del tejido social nipón. El inusual final sigue a un grupo de jóvenes internos en un hospital y sujetos a un experimento peculiar: han sido unidos junto a un parásito que les proporcionará la juventud eterna. En esta asfixiante mezcla de La invasión de los ladrones de cuerpos y 1984, una adolescente intentará conseguir la libertad y luchar por su individualidad como ser humano. Un episodio de final ambiguo y misterioso. La joven protagonista es la actriz Hana Sugisaki, convertida en la actualidad en uno de los nuevos rostros más conocidos e interesantes del panorama juvenil japonés gracias a sus apariciones en filmes como Her love boils bathwater (2016) o 12 suicidal teens (2019).

Ep 12, Hominis Dignitati

Neo Ultra Q (2013) navega por una general frialdad y tono nada complaciente. El limitado presupuesto hace mella en la plasmación de sus historias coronado además por un trío protagonista nada carismático y de presencia bastante justita en la trama. Una sensación de sopor general que se despeja especialmente en el tercio final de la serie con unos episodios que logran realzar el conjunto y hacerla ver con otros ojos. 

Así, una serie curiosa pero que desgraciadamente no llega ni por asomo al nivel de la original Ultra Q pese a sus ocasionales momentos inteligentes y desafiantes. Esperaremos mientras tanto a un nuevo reinicio algo más atinado.

UNA ESPOSA SACRIFICADA (1974)

El espectador tiene donde elegir sin duda. Hasta 1.200 Roman Porno realizó la Nikkatsu entre 1971 y 1988. Estas películas explotaron el pinku eiga (cine erótico nipón) dentro del público mayoritario y triunfaron (al menos durante los 70) con unas producciones muy baratas y rápidas de realizar las cuales aglutinaban todas las filias posibles. Frente a tal aluvión de producción hay que despejar el grano de la paja ("ja ja") y destacar las mejores producciones (¡que las hubo! Y bastantes de interesantes). 

De entre esta concadenación de polvos convertidos en filmes de 60-70 minutos, el roman porno también destacó por tener su propio star system, con sus estrellas tanto delante como detrás de las cámaras. Uno de los directores más destacados fue Masaru Konuma, realizador de algunos de los filmes más conseguidos y exitosos del género en los 70 como Flower & Snake (1974), Erotic Diary of an office lady (1977) o Wife's sexual fantasy before husband's eyes (1980). Muchos de ellos son títulos que explotaban el sadomasoquismo o el kanbuki (el arte de atar). 

Una esposa sacrificada (1974) es uno de los clásicos imprescindibles del roman porno de la época. Rodada a toda prisa para aprovechar el éxito que proporcionó Flower & Snake (1974), la cual juntaba al tándem Konuma junto a Naomi Tani, una de las reinas del género. Flower & Snake funcionaba como adaptación de las historias de Dan Oniroku, centradas en el citado kanbuki y que lograron cimentar la iconografía de esta arte sexual, aunque la vuelta depravada y perversa que ofreció Konuma en sus filmes provocaron el enfado del escritor. Una esposa sacrificada viene a multiplicar el grado de incorrección y depravación en un trabajo que se salta a la torera cualquier política moral... Cosa que nos parece refrescante e irresistible. Por supuesto, este tipo de filmes los tienes que entender y enfrentarte a ellos con madurez y cachondeo lo que proporcionará una fuente de diversión sin límites.

El filme presenta a Naomi Tani en el papel de una mujer secuestrada por su ex-esposo. Será llevada a una casa de campo abandonada donde sufre diferentes agonías sexuales. Después formará un duo con el hombre y se dedicarán a someter a una pareja de jóvenes que son capturados en cuanto iban a cometer un doble suicidio.

Una esposa sacrificada es quizás el mejor filme de Masaru Konuma. El filme disfruta de un diseño primoroso el cual aprovecha al máximo la pura iconografía del kinbaku. Hemos comentado que estas películas eran productos rápidos de realizar, pero esto no quiere decir que sean toscos ni mal realizados. Al contrario. Una de las señas de identidad de mucho Roman Porno, es que gran parte del equipo técnico y artístico pasó de la noche a la mañana a trabajar en estos filmes eróticos cuando anteriormente trabajaban en películas de samurais o los yakuza eiga que realizaba el estudio. Algo que sin duda da un sello de calidad en estas producciones con una fotografía adecuada y una elección de planos de perspectiva alternativa y expresiva, como es el caso del filme que nos ocupa.

El filme es un festival sin tregua de perversiones sexuales con el sadomasoquismo como punta de lanza teniendo ya como punto álgido el uso de las lavativas y las defecaciones. Uno de los momentos estrella de Flower & Snake fue una escena con enemas, un momento tan recordado entre los espectadores que hizo que todas las siguientes producciones del estilo tuvieran un momento similar. Aquí, tras pasar mil tropelías, pasadas más o menos con entereza, Akiko, la esposa interpretada por Naomi Tani encontrará su talón de aquiles al enfrentarse a una lavativa. Otro culmen de este fetichisimo por las heces y el acto de defecar en las mujeres llega cuando Tani es llevada a un cobertizo para hacer sus necesidades y Konuma rueda el acto con un primer plano del excremento aflorando.

Akiko es secuestrada por su ex-marido.

Se verá sometida a toda clase de perversiones sexuales y a un poco de gimnasia extrema.

La juerga continúa cuando Akiko y su ex secuestran a una pareja para seguir con sus perversiones.

Como veis este filme es un plato para paladares muy selectos. Si bien, uno de los aspectos más inquietantes e incorrectos de la cinta es la muy tenebrosa relación que mantiene el ex-marido con una niña pequeña, su sobrina y que también mantenía secuestrada como vemos en el inicio del filme. Aunque según presenciamos, la niña parece no tener ningún problema con su tío echándose de menos el uno al otro durante el metraje hasta llegar a un alucinante reencuentro final. Delirante, sin duda.

Una esposa sacrificada (1974) conjuga una serie de elementos que la convierten en uno de los clásicos del Roman Porno de la época. Contar con uno de sus rostros más reconocibles y magnéticos como Naomi Tani en una trama que consigue algunas de las dosis más pervertidas, perversas y depravadas del genero en su mezcla de bondage, sumisión, abuso y demás perversiones sexuales. El arte del kinbaku filmado casi desde un prisma religioso, mostrando Konuma en sus personajes las marcas de las cuerdas en las muñecas como muestra de afiliación y entrega a dicho acto. Si valoramos a estas producciones por sus dosis de locura incorrecta, inaceptable hoy día, esta producción estaría, a opinión personal, entre los 3 mejores Roman Porno de la Nikkatsu (junto a I love it from behind! y Beautiful Girl Hunter). Un filme que para colmo cuenta con unos muy aceptables valores artísticos y un ritmo ligero y entretenido.

Como curiosidad. La joven secuestrada de la película es la actriz Terumi Azuma y por lo visto existía una gran rivalidad entre ella y Naomi Tani fuera de las pantallas hasta el punto de que Azuma le robó el novio a Tani. La Nikkatsu aprovechó esta rivalidad para juntarlas en más películas como en Black Rose Ascension (1975).

A BETTER TOMORROW (1986)

El cine de Hong Kong ha maravillado a generaciones desde el esplendor del cine de artes marciales con la Shaw Brothers o la Golden Harvest a la cabeza hasta esa explosión del cine de acción balístico de los años 80 y 90. Si hay una película clave y fundacional de lo que es la acción "hongkonesa" esa es sin duda A better tomorrow (1986) o “Un mañana mejor” en su traducción. En 1985, Jackie Chan abrió un poco la veda en este sentido tras el tremendo éxito de su primer Police Story, el cual llevaba las artes marciales a la gran ciudad siendo un mix con el género policiaco muy fresco y que tuvo una siguiente evolución con el clásico de John Woo y que sirvió tanto como marca de estilo de Woo como también de lo que es el heroic bloodshed.

En el filme, Ho y Mark pertenecen a las tríadas, y Kit, el hermano pequeño de Ho, es policía. Este último no sabe que Ho forma parte de la mafia, y cuando éste es detenido y su padre asesinado, será no sólo un shock para él, sino que le impedirá ascender. Cuando tres años más tarde Ho sale de prisión, se encuentra a Mark haciendo chapuzas en un garaje, a su hermano que no quiere oír hablar más de él y, además, a un nuevo jefe de las tríadas que quiere volver a hundirlo.

A better tomorrow (1986) es una reinvención del género. Sienta las bases del heroic bloodshed, o derramamiento de sangre heroico y que tuvo un aluvión tremendo de imitaciones en los años consecuentes en un magnifico ciclo de películas donde destacan Full contact (1993) o Tiger on the beat (1988). A better tomorrow encuentra en la trama melodramática con unos hermanos enfrentados y en bandos morales diferentes en contraposición a unos lazos de amistad más fuertes que los familiares en un concepto casi homo erótico de la lealtad masculina y en el que es todo un homenaje de los códigos del western. Se suma además el estilo tan característico de su director a la hora de plantear las escenas de acción en una planificación que roza la danza. Las cámaras lentas, los elementos expresivos naturales como la lluvia o las palomas así como incidir en el ritual del arma... dan una visión estilizada de la violencia y de los tiroteos que marcaron época. Como curiosidad, A better tomorrow no es sino un remake de otra cinta de Hong Kong de 1967 de título Ying Xiong Ben Se de Kong Lung.

Kit, es policía, pero no sabe que su hermano mayor trabaja para las tríadas.

Algo que provoca mucha tensión una vez su hermano Ho sale de la cárcel.

Mientras Ho y Mark empiezan a hacerse de oro.

Pero la propia mafia acabará en su busca y captura.

Chow Yun-Fat, quien interpreta a Mark, se convirtió en todo un icono tras el éxito de la película, erigiéndose a partir de entonces como estrella absoluta del género y apareciendo en multitud de películas similares gracias a su siempre arrollador derroche de carisma. Yun-Fat fue escogido por John Woo curiosamente porque no tenía aspecto de héroe de acción. De hecho, la decisión de aparecer en el filme provocó preocupación, ya que si bien el actor era popular gracias a la TV, sus apariciones anteriores en el cine habían sido un fracaso, considerándose todo un "veneno para la taquilla". El resto del reparto está repleto de caras míticas como Ti Lung (The Duel (1971), La furia del tigre amarillo (1971), La leyenda del luchador borracho (1994)...), quien interpreta al sufrido Ho y su hermano policía, Kit, viene interpretado por nada menos que Leslie Cheung (Una historia china de fantasmas (1987), Inner Senses (2002)...). El corazón de la película, como es la tensa y moralmente conflictiva relación entre los dos hermanos resulta interesante llegando a momentos conmovedores. El clásico juego de bandos entre policías y ladrones encuentra aquí una vuelta más cínica en donde no todo es blanco o negro. Ni los policías acaban siendo los buenos de la función ni los mafiosos los verdaderamente malos.

A better tomorrow (1986) aún concentrando algunos tramos algo toscos o torpes en su narrativa o montaje, si que es definitivamente todo un clásico indiscutible del cine de Hong Kong y del propio género. Un filme mil veces repetido e imitado. De una gran influencia en el cine de acción posterior (no solamente asiático sino también en el occidental) y que resulta espectacular en su plasmación de la acción balística como también emocionante en su conflicto entre hermanos, el cual descansa en la trama principal. El filme fue todo un éxito en su país de origen siendo durante años la película más taquillera de la historia de Hong Kong.

La saga continuó con la inferior (aunque de tramo final absolutamente explosivo) Honor, plomo y sangre (1988) y una tercera, A better tomorrow III (1990), ya sin John Woo a los mandos. La película contó con un remake realizado en China en 2018 además de otro realizado en Corea del Sur en 2010.