THE YOUTH KILLER (1976)

La Art Theatre Guild tuvo una importancia básica para entender el cine independiente nipón de los años 60 y 70. La ATG fue fundada por diferentes artistas en 1961, se especializó en la distribución de filmes alternativos así como en la producción de cine autóctono de carácter arriesgado y rebelde como algunos de los trabajos de Shohei Imamura, Nagisa Oshima o Akio Jissoji. Si bien, pronto se denotó un cierto espíritu cerrado a este círculo de artistas. Un ámbito selecto. Un aspecto que se denotaba, por ejemplo, en las entregas de premios anuales que la misma ATG organizaba entre sus producciones y cómo siempre acababan repartiéndose los premios los mismos de siempre.

Si bien su importancia en el cine nipón es innegable y punta de lanza de producciones la mar de interesantes y que viajaban fuera de lo establecido con propuestas atrevidas y a veces incómodas para el espectador. La ATG acabo cerrando sus puertas en 1984.

The Youth Killer (1976), es una propuesta fascinante que camina del genero criminal, al thriller, al drama juvenil con espíritu punk realizado exquisitamente. La película está basada en un suceso real ocurrido en octubre de 1974 en la prefectura de Ichihara cuando dos padres fueron asesinados a puñaladas por su hijo adolescente por oponerse a su relación con la empleada de un sex-shop. Los cuerpos fueron arrojados al río Yoro y acabaron flotando hasta la bahía de Tokyo. El muchacho fue condenado a muerte diez años después y el suceso fue novelizado por el autor Kenji Nakagami. 

Dicha novela atrajo la atención del director Kazuhiko Hasegawa, quien con 30 años en aquel entonces, llevaba tiempo intentando realizar su primera obra como director. Hasegawa se convertiría en una de las voces imprescindibles de la nueva ola japonesa y de hecho dejó la universidad para trabajar bajo las órdenes de Shohei Imamura, abriéndose paso en la industria en la Nikkatsu como guionista o asistente de dirección, principalmente en filmes roman porno. Con el proyecto de The Youth Killer metido entre ceja y ceja, se dedica a investigar sobre el incidente real y, por fin, amparado por la producción de la Art Theatre Guild puede realizar su ópera prima.

El filme cuenta el asesinato del joven Jun a sus padres e incapaz de soportar el peso del crimen, éste inicia un camino hacia la autodestrucción acompañado de su novia Keiko. Como dos almas sin rumbo fijo, Jun y Keiko huyen dejando atrás el desastre hacia un destino incierto.

The Youth Killer recoge esa vertiente, dentro del cine japonés de la época, de espíritu combativo y contestatario frente a lo establecido, heredado de los movimientos sociales dados en los años 60. Así el filme recoge las ansiedades de la generación post-Vietnam, la generación víctima de la crisis mundial del petróleo, de esa generación participante en los movimientos sociales utilizando el crimen real en el que está basada la película para plasmar el estado de una sociedad con unos hijos furiosos y sin perspectivas, víctimas de las miserias y corrupción de sus figuras paternas. Otro ejemplo de este fresco de la realidad social nipona lo podemos ver como, en un elemento secundario en la trama, los personajes se encuentran cerca de las obras de lo que se convertiría el aeropuerto de Narita. Una construcción que levantó numerosas manifestaciones entre la población en contra de dicho aeropuerto.

The Youth Killer recoge la relación dependiente y tóxica entre una pareja de adolescentes con una situación familiar desamparada y complicada. Su protagonista tiene una relación de puro odio contra su padre y que finiquita con el momento del asesinato. Los primeros 45 minutos del filme son sublimes en su capacidad para saber transmitir asfixia y claustrofobia optando por centrar la acción en el pequeño apartamento de los padres de Jun, lugar donde se comete el asesinato. Poderosamente impregnado de un calor sofocante, este tramo de la historia, elaborado a base de una fluida sucesión de planos cortos y generales, la mayoría del tiempo cámara en mano y sin música, provoca una sensación de desaliento, de asfixia e incluyendo incómodas referencias incestuosas entre el hijo y la madre.

Unos momentos violentos y agónicos y que siguen con la huida hacia ninguna parte del muchacho junto a Keiko. Tsutomu Tamura (guionista de Oshima) adapta a guión la novela de Nakagami creando una estructura que se divide en dos partes separadas por un maravilloso enlace entre ellas (la escena de la playa). Una primera parte con el crimen de Jun y una segunda parte centrada en la locura y autodestrucción de su protagonista. En dicha escena de la playa, Hasegawa propone un atrevido y elaborado tratamiento en donde se opta por el uso de flashbacks y secuencias experimentales que hacen dudar de la realidad (el mismo Hasegawa aparece en dicha escena de la playa haciendo de padre de un niño, una decisión que creo, no es gratuita).

Keiko y Jun son dos jóvenes con situaciones familiares complicadas...

Jun tiene una relación complicada con su padre y éste no acepta su relación con la muchacha.

Una discusión acalorada que acaba en crimen...

Empieza así una huída hacia la autodestrucción.

Para la pareja protagonista, Hasegawa elige al cantante y actor Yutaka Mizutani (Jun) y a Mieko Harada (Keiko). A Harada la descubrí tras verla en el filme Lullaby of the Earth (1976) de Yasuzo Masumura y me dejó prendado con su interpretación de joven ciega enfrentada a las adversidades de la vida. The Youth Killer también incluye elementos de erotismo y que no resultan gratuitas siendo ejemplo de cómo trata el sexo esta nueva juventud nipona, a veces violento, tóxico, dependiente y otras como único punto de escape y tranquilidad, una burbuja ajena a los problemas que acontecen en el exterior. Es curioso que las escenas de desnudos fueron realizados por Harada siendo ella menor de edad, contando con 17 años. A la actriz la veremos posteriormente en Ran (1985) de Akira Kurosawa, con un papel estupendo.

El filme utiliza una adecuada banda sonora con presencia de temas de inspiración folk americano setentero. Cruda e impactante, The Youth Killer es toda una sorpresa que parece estar de tapadillo dentro del cine independiente japonés de los 70. Una pieza que no hace concesiones con sus personajes, presos de una furia y rabia incontenible, frustración fruto del ambiente del que viven y sabedores, por mucho que lo odien, que son herederos de los vicios y defectos de sus progenitores. Un trabajo pesimista y oscuro. El hogar y los valores tradicionales como fuente de terror y quiebra. La historia conjunta de una pareja en huída infructuosa por una libertad que carecerán. No future for you!

ULTRAMAN DYNA (1997)

Tras 15 años de silencio televisivo en Japón, Ultraman volvió en 1996 por todo lo alto con la celebrada Ultraman Tiga. Su éxito, aceptación de la audiencia y premios obtenidos la convirtieron en una de las series más recordadas y valoradas de la franquicia del superhéroe plateado, algo que Tsuburaya Productions celebró con más series del personaje. A Tiga le sucedieron Ultraman Dyna (1997) y Ultraman Gaia (1998), tres series que se han convertido en una trilogía muy recordada por los fans por su buena calidad general y capacidad de renovación de su personaje a caminos nuevos y a veces hasta arriesgados.

Ultraman Dyna nos sitúa 7 años después del final de Tiga y presenta a una humanidad que ha logrado expandirse a muchos puntos del universo. Marte se encuentra en una primera fase de colonización y diferentes bases estratégicas se encuentran en varios planetas y satélites del sistema solar. Es lo que se conoce como el proyecto "Neo Frontier". La organización TPC ya no está solamente alojada en la Tierra y crea SUPER Guts, el nuevo grupo de héroes. Pero parece que dicha expansión humana está poniendo en peligro la estabilidad del universo y no está siendo bien vista por criaturas como los Sphere, una misteriosa entidad extraterrestre con capacidad para tragarse civilizaciones o planetas y crear monstruos brutales. Uno de los cadetes de SUPER Guts, Shin Asuka, es víctima del ataque de dichos Sphere. Tras ser propulsado de su nave, perdido en el espacio, es tragado por una luz extraña que lo convertirá a partir de entonces en... ¡Ultraman Dyna!

¡Woo, woo... Dyyyna!

Ultraman Dyna es una serie que cuenta con 51 episodios emitidos entre el 5 de septiembre de 1997 y el 29 de agosto de 1998. Si Ultraman Tiga fijaba su mirada en el pasado, las profecías y las consecuencias de los actos de la humanidad en el presente, Dyna se centra en el futuro, en los avances de la humanidad y su expansión hacia otros mundos... aunque dicha expansión traiga una contrapartida negativa siendo este aspecto uno de los elementos más interesantes de Dyna. La expansión sin freno de los seres humanos, su egoísmo, el creerse merecedores de colonizar otros mundos o el imparable avance tecnológico traerán consigo la aparición de monstruos gigantes y amenazas alienígenas desafiadas por ello. Otro aspecto interesante que se trata en algunas ocasiones es la progresiva militarización de la organización TPC, una organización que si en Tiga tenía una factor "desmilitarizado" y con las motivaciones científicas como eje principal, aquí la organización va tornándose cada vez más fascistoide en su afán por conseguir más y más logros y crear la arma más potente posible.

El súper equipo de héroes... los SUPER Guts.

Shin Asuka, el rebelde partenaire humano de Dyna

El partenaire humano de Ultraman esta vez es Shin Asuka, un héroe que se diferencia de los anteriores por tener un aire mucho más rebelde, desenfadado, cómico y bufón, algo que va en sintonía con el espíritu de la serie. Ultraman Dyna opta por ser, en general, una serie de carácter bastante más infantil que su predecesora, por desgracia. Un producto que prefiere llevarnos por terrenos bastante más ligeros y disparatados y es algo que también se denota en el resto de los miembros de SUPER Guts, los cuales siguen esta onda ya muy cartoon y casi autoparódica, que en determinados momentos resulta divertido y en otros no acaba de funcionar. Si bien, gran parte de los personajes acaban siendo bastante entrañables y simpáticos como la encantadora Mai, el delirante y duro a partes iguales capitán Hibiki o Koda, quien poco a poco irá tomando un papel más decisivo en el liderazgo del grupo.

Aún con su ego por las nubes (cosa que le provocará más que un problema), su ligereza frente a los problemas y aire payasete, Shin Asuka es un héroe que demostrará tener una valentía fuera de toda duda frente a momentos de crisis y tiene un fondo familiar muy interesante. Su padre fue piloto espacial y desapareció en un experimento (siendo Asuka un niño) cuando una extraña luz apareció en el espacio tragándose la nave en donde viajaba su padre. Este aspecto, la ausencia paterna y su desaparición, es una de las claves más jugosas de la serie. Otra de las dudas que asaltarán al héroe en varias ocasiones surge al cuestionarse porqué precisamente él ha sido el elegido para llevar la antorcha de Ultraman.

Ep. 12, Phantom Thief Himala

El nuevo Ultraman Dyna sigue el modelo de Tiga en el hecho de contener 3 formas diferentes dependiendo de las necesidades, añadiendo como novedad más llamativa la "Myracle Type", con poderes psíquicos. Cada forma viene acompañada de un color y diseño físico diferente en Dyna.

Dyna, la serie, tiene un potente inicio en el doble episodio 1 y 2, A New Light, ambientando gran parte de su historia en el espacio y en un Marte colonizado donde hay un primer encontronazo contra los malvados Sphere. Si bien, en los sucesivos episodios, enseguida se denota esta tendencia hacia un cúmulo de historias de carácter más irrelevante, de tono infantiloide y sin muchas pretensiones. Largos tramos de episodios con esta tendencia que hacen ver a la serie con algo de indiferencia.

Si bien en la primera mitad de Dyna podemos destacar algunos capítulos que suben un poco el nivel como es el caso del ep. 6, The Biggest Monster on Earth, el cual presenta a un hongo descomunal que se está apoderando poco a poco del planeta Tierra o el ep. 12, Phantom Thief Himala, bastante simpático y con una cinematografía cuidada, con un monstruo que embelesado por la belleza de diversos barrios en el momento del atardecer se dedica a hacerlos desaparecer y guardarlos en una cajita de madera.

Ep. 18, The Girls Who Call on Darkness

Se denota un intento por dotar a la serie de una gran variedad de premisas y escenarios para sorprender al espectador, en la linea de Ultraman Tiga, si bien creo que aquí los guiones no están tan afinados como aquella. Aún así hay ejemplos interesantes como el ep. 14, The Lord Who Sleeps on the Moon, donde descubren unas ruinas antiguas en la Luna. Al mover una tumba despiertan a un ser malvado destructor de mundos. O el tierno y entrañable ep. 20, The Alien Boy, donde la destrucción de un planeta provoca que un niño descubra que su origen es alienígena y que tiene que abandonar la Tierra y a sus amigos para buscar un nuevo planeta habitable para su pueblo. 

Sorprenden virajes como el del ep. 22, The Soldiers of Tsukuyo, hacia un formato de horror/fantasía con el descubrimiento de una pieza antigua que lleva a descubrir una historia milenaria de unos soldados y un monstruo devorador de miedos. El ep. 23, Fortress of Dreams presenta una base submarina que es destruida por una serpiente de mar muy dura de pelar matando en el camino a un buen amigo de Koda, de los SUPER-Guts. Son ejemplos de episodios, que sin ser excesivamente notables ni remarcables, si que resultan un mínimo entretenimiento. 

Si nos podemos quedar con un episodio que a mi particularmente me encandiló de este primer tramo de Dyna es el ep. 18, The Girls Who Call on Darkness. Toda una sorpresa que bien parece sacado de una película de terror satánico ambientada en institutos femeninos de las que se estilaban por la época en Japón como Eko Eko Azarak: Wizard of Darkness (1995) o Hanako of the Toilet (1998). En el episodio, unas adolescentes con ansias de revancha contra sus compañeras invocan a un demonio asesino para que se las quite de en medio. A destacar la batalla final del capítulo la cual, estéticamente, es una delicia.

Ep. 25, Krakov come to the surface Part 1

A nivel de efectos especiales seguimos teniendo que aguantar con paciencia el CGI chunguete que ya vimos en Tiga, si bien a medida que va avanzando la serie se va viendo una pequeña evolución al respecto consiguiendo cada vez una estética más espectacular en las escenas de destrucción y batallas. Como he apuntado, los guiños al público infantil son bastante más abundantes que en Tiga, que era una serie bastante más orientada a los young adult. Estos guiños se ejemplifican en el personaje de Hanejiro, una criaturilla voladora y dorada, casi un Pikachu de medio pelo, de origen alienígena y que forjará amistad con Asuka. Madre mía...

A mitad de Dyna tenemos un doble episodio en los número 25 y 26, Krakov Come to the Surface. Aquí se presenta un nuevo paso en el avance de la humanidad en el universo, con la construcción de un sol artificial situado en Júpiter y que proveerá de energía eléctrica a las diferentes bases escampadas por el espacio. Dicha nave es tomada por unos alienígenas, quienes la dirigen a estrellarla en el Polo Sur, lo que provocará un derretimiento del hielo dejando a la Tierra inundada. Un doble episodio notable con un adecuado uso del drama y la épica, aún a pesar del abuso de cancioncillas o la niñatilla de turno. El apunte más interesante de estos capítulos es que Asuka cree ver mientras está en el interior de Dyna... ¡a su padre desaparecido!

Algunos de los personajes de Ultraman Tiga hacen
acto de aparición en algunos episodios.

Como recompensa al fan de Tiga, Ultraman Dyna presenta varios episodios en donde la mayoría de sus personajes hacen acto de aparición. La guapa enfermera Mayumi tiene una presencia más o menos continua desde el ep. 19, The Phantom Bird. Un algo desconcertante (por innecesario) continuación al ep 15 de Ultraman Tiga, por mucho que me alegre reencontrarme con Mayumi, la cual sigue, años después, aún traumatizada por la muerte de su noviete motorista. Episodio entretenido y que presenta a un monstruo con un diseño de pájaro con cara de mujer inquietantemente acertado. 

Aunque los personajes de Tiga tienen su momento de gloria luchando codo con codo con los SUPER-Guts en los notables episodios 35 y 36, The Uncanny Smile. Aquí, la humanidad sigue expandiéndose al espacio y al llegar a Plutón encuentran una ruina en la superficie con la apariencia de una cara sonriente, pero resultará ser una trampa. A la nave (pilotada por Shoji) acabará agarrada una bestia que llegará a la Tierra dispuesta a arrasarlo todo. La bestia está relacionada con los Sphere y deja a Dyna fuera de combate. Una buena dupla con emocionantes dosis de acción, tensión y destrucción.

Ultraman Dyna no presenta demasiada continuidad argumental a lo largo de sus 51 episodios, dejando una mínima trama de fondo que se desarrolla en momentos puntuales. Si bien, se quiere marcar a un enemigo principal los cuales son los Sphere. La lástima es que esta discontinuidad argumental hace que dichos Sphere acaben por no tener una entidad definida, dejando muchas incógnitas en el tintero. Sabemos que puede que busquen el equilibrio del universo, viendo un peligro la expansión de la humanidad en el espacio y se dediquen a atacar planetas o transformando monstruos en bestias feroces... pero poco más.

Ep. 31, Battle to death! Dyna vs Dyna

Coqueteos con el noir en el ep. 33, Star of Peace

Por suerte, Ultraman Dyna comienza a animarse especialmente a partir del episodio 29 aproximadamente, (In the Light of Fate) el cual marca un pequeño cambio de paradigma con esta emocionante historia de padres e hijos. Aquí se nos presenta a Asuka quien viaja hasta la Luna para retomar la misión que provocó la desaparición de su padre. 

El entretenidísimo ep. 31, Battle to death! Dyna vs Dyna, aunque se aproveche del sobado elemento del impersonator de Ultraman, resulta irresistible con un guerrero alienígena retando a Dyna a un duelo en medio de la ciudad. De los mejores momentos de Dyna, con una buena calidad técnica y sentido de la espectacularidad. 

El ep. 33, Star of Peace, coquetea con el cine noir con un periodista muy crítico con las actitudes cada vez más militaristas de TPC y SUPER-Guts, a la vez que recibe el socorro de una adolescente que dice que sus amigos han cambiado de la noche a la mañana, sospechando que hayan sido poseídos por extraterrestres. Otro de los elementos que son recurrentes en la serie es el conflicto de tener que decidir sacrificar una vida para así salvar a millones. Un conflicto que sufren nuestros héroes en varias ocasiones (como el ep. 34, The Time of Decision) y cuyo concepto tendrá un papel clave para entender el desenlace de la serie.

El regreso de Akio Jissoji en el ep. 38, Monster Drama

Siguen los momentos felices en Ultraman Dyna con el retorno de nuestro querido Akio Jissoji (director esencial en las originales Ultraman y Ultraseven), quien tras su retorno a la franquicia en Tiga, realiza aquí un nuevo episodio. El número 38, Monster Drama, es otra fascinante muestra del arte de su director. Una pieza extraña, de angulaciones bizarras y atrevidas con un argumento misterioso que parece reincidir en el concepto del ep. 40 de Tiga donde los sueños eran capaces de crear monstruos. Ahora es lo propio con la alquimia medieval y un guión teatral como forma de creación de terrores abominables. Un juego de espejos entre el escenario-realidad de la vida e imágenes impactantes como esa Torre de Babel cayendo desde los cielos y trayendo la pura destrucción (plagas bíblicas incluidas) y que presenta una batalla final con Dyna fascinante.

En la recta final de la serie aún seguimos viendo momentos bastante notables como el del ep. 41, We Want to See Our Earth, de premisa muy interesante, presentando a la primera generación de niños nacidos en el espacio y que ahora son llevados a la Tierra por primera vez, aunque en el viaje una polilla gigante espacial los ataca inseminando en el interior de la nave unas larvas asesinas. Toque a Alien, decisiones difíciles sobre el hecho de dejar morir a unos pocos para salvar a millones (de nuevo dicho conflicto)… El ep. 43, Captain Long-Legs, centrado en el capitán Hibiki, también es bastante notable. Sigue a una adolescente que vive en un orfanato y que idolatra a un desconocido el cual cada año le envía por navidad cartas y ayudas monetarias para el centro (el mismo Hibiki). Ahora una erupción volcánica lo pone todo patas arriba junto al regreso de un remodelado y salvaje Golza (monstruo salido de Tiga).

En el ep. 42, A Vanishing Dream aparece... ¿Gundam?

Pero el mejor, más hilarante y sorprendente capítulo de Dyna lo encontramos en el ep. 42, A Vanishing Dream. Ya aquí me pillaron desprevenido. Una locura total de tono onírico (todo es un sueño de Asuka) que se atreve a cachondearse de éxitos del anime como Mobile Suit Gundam o Capitán Harlock con Mai y Asuka en un viaje imposible hacia Marte. El tono a space opera, que parece rememorar los clásicos de Ishiro Honda como Battle from outer space (1959) o The Mysterians (1957) se suman a un tono delirante e imprevisible y que vuelve a contar con la presencia de varios personajes de Tiga como la añorada Rena. Divertidísimo.

El final de la serie lo compone un arco de tres episodios que chocan totalmente con lo visto anteriormente por optar hacia una óptica mucho más seria, dramática y por momentos, hasta desoladora. Pese al atropellamiento que supone el primero de ellos, ep. 49, Final Chapter I: A New Shadow, ya que presenta una gran multitud de ideas muy potentes que son resueltas en 10 minutos cuando podrían haber dado para bastante más. El hecho de que la propia TPC, en sus ansias militaristas, deseen robar la energía de la luz para crearse su propio y controlado Ultraman como arma definitiva de la humanidad (un paso más allá de lo que contaban los episodios de Evil Tiga en Tiga), resulta un tema muy jugoso... pero pronto el cacharro falla al ser, este Ultraman, poseído por los Aliens Sphere haciendo que Dyna tenga que solucionar el entuerto.

Dyna dispuesto a enfrentarse a la terrible amenaza final en el ep. 51, Final Chapter III: To Tomorrow...

Si bien, en los dos episodios finales, Final Chapter II: Destruction of the Solar System y Final Chapter III: To tomorrow... la cosa mejora y mucho con Asuka, perdido en Marte, fuera de combate y siendo recogido por un personaje muy importante de la anterior Ultraman Tiga... Mientras, un enorme agujero negro (un Sphere definitivo) se está tragando el Sistema Solar entero, planeta a planeta, en dirección imparable a nuestra Tierra, como una mano ejecutora divina frente a los abusos de la humanidad. Un villano interesantísimo y que pone en verdaderos aprietos morales a nuestros héroes y donde sale a relucir de nuevo el conflicto principal de la serie. ¿Sacrificar una vida para salvar a la humanidad? Un final de serie que culmina en una decisión insólita hasta el momento. Una conclusión valiente y triste. Sin duda, la escena final de Dyna es de una belleza acongojante, de una potencia dramática maravillosa. Y sin duda choca por el carácter ligero que la serie ha tenido en gran parte de sus 51 episodios. Dicho final hace acabar la serie con un buen sabor de boca, a pesar de todo.

Ultraman Dyna, por desgracia, está un escalón por debajo de la celebrada Ultraman Tiga optando por un tono bastante más ligero e infantiloide que a momentos molesta, resultando en unos largos tramos de relleno y con episodios bastante irrelevantes. Si bien, se sigue agradeciendo que la serie intente sorprender al espectador con una gran variedad de premisas, queriéndote llevar a episodios que bailan del terror, a la fantasía, la comedia surrealista o hasta los entramados político-militares a lo Gundam o Space Battleship Yamato. Aún así, encontramos algunos tramos de episodios verdaderamente notables y que si saben dar en la tecla suponen una gran divertimento, hasta confluir en un final muy emocionante y sorprendente.

Como es costumbre, me gusta comentar las canciones de la serie. Aquí seguimos en buena racha con un opening muy pegadizo, de carácter más baladístico y de título Ultraman Dyna, interpretado por Tatsuya Maeda. Aunque me ha encantado el ending presente durante la primera mitad de la serie. Un tema rock, tremendamente pegadizo y de título Kimi Dake o Mamoritai, cantado por Fumiaki Nakajima. 

Dyna ha vuelto a aparecer en muchos productos de la franquicia, desde películas como Ultraman Tiga & Ultraman Dyna: Warriors of the star of light (1998) o Ultraman Tiga, Dyna & Gaia: The Decisive Battle in Hyperspace (1999). Este 2022 se está celebrando su 25 aniversario con la entretenida Ultraman Decker, la cual hace homenaje.

EL DEMONIO (1978)

Desde mediados de los años 60 el cine japonés comenzó a experimentar una lenta pero preocupante decadencia traducido en una disminución en el número de espectadores que acudían a las salas. Uno de los motivos fue el gran auge de la televisión en los hogares nipones. Dicha decadencia provocó que los estudios idearan nuevas maneras de atraer al público. Esto se tradujo en un aumento del cine erótico (como hizo la Nikkatsu con sus Roman Porno) o un creciente nivel de violencia en ciertos géneros, por ejemplo, los yakuza-eiga. Pese a ello, es una época llena de joyas sorprendentes. La década de los 70 en Japón alumbró la que fue una de sus obras más interesantes, perturbadoras y rompedoras: El demonio (1978).

El filme da con una premisa ya de por si llamativa. La antigua amante de un hombre se presenta un día en casa de éste y de su actual mujer, con sus tres hijos y desaparece, abandonando así a los tres niños. Para ella, es una venganza y una forma de darle una lección a este hombre que considera irresponsable. Esta situación inesperada no le gusta nada a la esposa legítima, que empieza a sentir un odio incontrolable hacia los niños y piensa hacerlos desaparecer del todo...

Distribuida por la Shochiku, El demonio (1978) es un drama psicológico perturbador y que logra incomodar al espectador gracias a unas decisiones de guión que ponen en verdaderas tesituras morales a su turbio protagonista. La película pone sobre la mesa temas como el maltrato infantil, las relaciones tóxicas, la irresponsabilidad de unos padres con los niños pagando las consecuencias de sus actos, manipulaciones conyugales...

El planteamiento del filme es siniestro y éste va avanzando de forma brillante llevándote hacia terrenos cada vez más negrizos. Aquí destaca el papel de la pareja del filme. Takeshita, el marido, interpretado por Ken Ogata, de abultada filmografía (La venganza es mía (1979) o La balada de Narayama (1983) de Shohei Imamura) mientras que Shima Iwashita, interpreta a Oume, su esposa. Las dos interpretaciones resultan muy notables en su representación de seres sin escrúpulos. En el caso de Iwashita clava el personaje de esposa tóxica y manipuladora hasta llegar a niveles tétricos, mientras que Ogata resulta sobresaliente en el papel de marido pusilánime y perdedor. Punto y aparte son los niños de la película, que resultan sobrecogedores en su interpretación transmitiendo muy bien al espectador lo que les está sucediendo.

Takeshita es sorprendido un buen dia por una antigua amante.

Como venganza dejará en casa a sus hijos en casa de Takeshita y su esposa.

Su presencia causará el desequilibrio mental de la pareja.

Llegando a límites insospechados...

El filme está rodado de forma elegante y aunque hay vestigios de los tics habituales del cine japonés de los 70 (el uso de los zooms, por ejemplo), resulta imaginativa y trabajada. A la dirección está Yoshitaro Nomura, otro de los grandes nombres de la nueva ola japonesa, director de trabajos tan interesantes como la desafiante Zero Focus (1961) o El castillo de arena (1974). Sin duda Nomura consigue una plasmación macabra de la nueva familia japonesa así como la aceptación o no de la responsabilidad de cuidar a hijos que no son de tu sangre. Nomura consigue una atmósfera oscura y claustrofóbica en la película y llega a su cenit con imágenes tan sobrecogedoras como esos primeros planos de Oume, la esposa, casi sacados de una J-Horror o aquel momento culminante en el acantilado con Takeshita acometiendo o no cierto crimen...

El demonio (1978) es una de las mejores películas japonesas de la década de los 70. Una obra que logra incomodar con un guión potente y asfixiante que pone el foco en los seres menos pensados como son un grupo de niños inocentes, víctimas de la irresponsabilidad y maldades adultas. Aquí no se salva ninguno de los adultos, desde la amante que es capaz de dejar a sus propios hijos a su suerte por una venganza, a una esposa capaz de pensar en el crimen de unos niños hasta llegar al marido putero y manipulable. Una obra que desafía inteligentemente al espectador y que logra mantenerse en el recuerdo.

El filme logró un buen número de premios en su momento destacando los galardones de la Academia de Cine japonés de 1979 para "Mejor actor" (Ken Ogata) y "Mejor Director" para Nomura. Repitiendo mismos premios en los Blue Ribbon Awards 1979. Los galardones para la interpretación de Ogata se repitieron en los Kinema Junpo Awards o en los Hochi Film Awards.

DEAD FRIEND (2004)

Como se indicó en el análisis de Phone (2002), los primeros años 2000 fueron una etapa de esplendor del cine de terror asiático. Una fiebre que se originó tras el megaéxito de The Ring en Japón y que ocasionó la aparición de cientos de imitaciones que abarrotaron y agotaron el mercado rápidamente. La fiebre se extendió de Japón a Corea, de Hong Kong a China, a Tailandia... En Corea del Sur hubieron varios ejemplos de cine de terror cuya calidad se elevó sobre la media. Uno de estos casos es Dead Friend (2004).

Min Ji-won es una estudiante universitaria que está en tratamiento médico tras sufrir un accidente. Padece de amnesia y de una grave enfermedad cardiaca, y acude semanalmente a la consulta de un psiquiatra sin experimentar ninguna mejoría. Agobiada por la enfermedad y por la compañía de una madre dominante que la espera cada día en una casa sórdida y tétrica, la joven se plantea comenzar una nueva vida en el extranjero. Lo único que le pesa es tener que abandonar a su nuevo compañero de facultad, el único que le apoya y le ayuda a recuperar paulatinamente la memoria de lo sucedido. Al mismo tiempo, algunas de sus antiguas compañeras de instituto están falleciendo en extrañas circunstancias...

Dead Friend no es una gran película de terror, precisamente, pero está cargada de numerosos elementos que la llenan de una gran diversión. No se deja ni uno de los lugares comunes del género, desde la trama enrevesada, en forma de puzzle y que gira en torno a la amnesia de su protagonista, la fantasma melenuda, la ambientación de instituto, el bullying, venganzas de ultratumba y el final sorpresa que nunca te hubieras esperado.

Aún con ello, el filme se hace lo suficientemente entretenido como para aguantar su visionado sin un pestañeo. El reparto es mayoritariamente juvenil y éstos hacen lo que pueden. Un conjunto de caras bonitas pero con poco talento para la actuación que no hacen sino aumentar las dosis de diversión del conjunto.

Min Ji-Won padece de amnesia.

Sus antiguas compañeras de instituto están muriendo en extrañas circunstancias...

Da comienzo un viaje a los recuerdos para tratar de desvelar el misterio.

Uno de los puntos fuertes de Dead Friend es su capacidad para saber dosificar los tiempos y tramos de la misma logrando marear e intrigar al espectador de una manera inteligente. Los momentos de terror son eficientes aunque muchos de ellos son a base de utilizar la imagen sobadisima de la fantasma vengadora de pelo largo. Si bien, hay momentos para el recuerdo como esa vomitera de agua incesante de uno de los personajes que culmina con resultados capilares... 

El desarrollo, basado en como su protagonista, Min Ji-Won va descubriendo el porqué de su amnesia y empieza a cabalgar entre sus propios recuerdos logra momentos interesantes destapando lo que fue un caso de bullying y el posterior suicidio de la joven Su-In, cosa que ha provocado la maldición fantasmal. Aunque no todo es lo que parece... Si Dead Friend sobresale por encima de la media es gracias a su sorprendente (pero de verdad) giro final de guión que la convierten de una pasable cinta de terror en algo más. Un giro final que a mi me pilló totalmente desprevenido y que aplaudí.

Dead Friend no se sale de la linea de otros productos similares cumpliendo punto por punto todos los lugares comunes del género de maldiciones fantasmales, pero es un filme realizado de forma eficiente, con un desarrollo interesante y que logra sobresalir gracias a su final. Un correcto filme de terror salido de Corea del Sur, que aún con su ocasional torpeza, interpretaciones dudosas, algunos efectos de forma que han quedado anticuados... es un ejemplo destacable del terror manufacturado en cadena en Corea para aprovecharse de la moda de las melenudas de ultratumba.

MIRRORMAN (1971) (TV)

Tras la muerte de Eiji Tsuburaya, su hijo, Hajime, nuevo presidente de la productora Tsuburaya Productions, se las vio y se las deseó para poder sacar adelante la compañía frente a las reticencias y desconfianzas de todo el sector. El resultado fue Return of Ultraman (1971), convirtiéndose en todo un éxito en medio Japón, originando un boom por los monstruos gigantes y los héroes en la televisión nipona. Con el regreso del héroe plateado triunfando todas las semanas, Tsuburaya Prod. se enfocó en la elaboración de una nueva serie que insistiera en la fórmula del superhéroe gigantesco aunque con unas señas de identidad propia muy marcadas y que lo apartaran de lo ya visto en Ultraman. Nació así Mirrorman (1971).

Con 51 episodios emitidos entre el 5 de diciembre de 1971 y el 26 de noviembre de 1972, Mirrorman puede parecer un exploit más de nuestro Ultraman. Otra serie lanzada al calor del éxito de éste para aprovechar dividendos. En parte es así, pero que este hecho no os aparta de ver la serie. Mirrorman es una joya del tokusatsu televisivo de los 70. Una serie que opta por ser un producto adulto repleto de drama, situaciones límite, violencia y terror. Una óptica que por suerte logra ser coherente de principio a fin.

El equipo de héroes: SGM (Science Guard Members)

La serie nos sitúa en 1980, una raza alienígena de nombre "Invasores" planean conquistar la Tierra y para ello lanzan una serie de monstruos gigantes entre otros planes maquiavélicos. La organización SGM (Science Guard Members) tratará de evitarlo pero contarán con ayuda extra. El profesor Mitarai, líder de SGM, revelará un secreto a su hijo adoptivo Kyotaro: él es el hijo de un padre alienígena y una madre humana (ambos desaparecidos). Y no solo eso, ¡su padre era Mirrorman! un superhéroe de la segunda dimensión, y Kyotaro ha heredado sus poderes...

Pese a discurrir por elementos comunes como el súper equipo de defensa, el héroe transformable, las criaturas gigantes... Mirrorman consigue unos muy interesantes valores gracias a un drama de fondo interesante y que va desarrollándose a lo largo de la serie. Unos agradecidos elementos dramáticos y terroríficos que la acercan a un producto algo más adulto. Es habitual encontrarse episodios de horror o momentos algo inquietantes protagonizados por estos "Invasores" los cuales son una amenaza constante y asfixiante para nuestro héroe. 

Kyotaro será un héroe sufridor.

Hay grandes hallazgos como el de presentar a un héroe, Kyotaro, que falla en numerosas ocasiones y que inicialmente reniega de su obligación de defender la Tierra ya que sufre por su condición medio alienígena. Kyotaro ni siquiera es merecedor (por lo menos hasta la mitad de la serie) de formar parte del equipo de élite SGM debido a su sangre caliente y algunas malas decisiones. Todo un hallazgo que le otorga varias capas a lo que solían ser, hasta el momento, héroes planos e impolutos. Otro elemento bastante resultón es la naturaleza y habilidades del propio Mirrorman con Kyotaro transformándose en el héroe gracias a los reflejos de los espejos, metales o charcos de agua, atravesando de un punto a otro a través de una segunda dimensión en el que corre el peligro de quedarse atrapado para siempre (si se queda allí más tiempo del debido) tal y como le pasó a su padre.

Kyotaro utilizará los espejos para poder transformarse en Mirrorman.

El primer episodio, Mirrorman is Born, dirigido por Ishiro Honda, es una buena presentación de todos estos elementos y que continua con propuestas con sabor a terror como el ep. 2, The Invaders are Next Door, con los "Invasores" instalándose en apartamentos altos, matando a quien esté viviendo allí, para así estar en sitios estratégicos de ataque a Tokyo. O el muestrario de relaciones tóxicas y conflictos con la ley como el que propone el ep. 4, Terror of the Cobalt 60. El drama familiar de Kyotaro es abordado en varias ocasiones, por lo general en episodios de grandes resultados como el ep. 6, A Graveyard in the Mirror, el cual aborda las relaciones entre padres e hijos o el sobresaliente ep. 8, Revenge of the Steel Dragon Iron, con Kyotaro mostrando su resentimiento hacia su madre desaparecida por el hecho de haberse emparejado con Mirrorman y haber tenido a un freak como es él mismo. Una debilidad que los "Invasores" aprovechan. 

Ep, 16, Chase Kinder: The Doll Master!

Hay agradecidos momentos que exploran el crecimiento del héroe así como las consecuencias de sus errores. En uno de los momentos más sobresalientes de este primer tramo de la serie, el ep. 14, Defeat King Zaiger!, aparece una criatura aberrante y poderosa la cual los "Invasores" utilizan para crear una reacción en cadena de erupciones volcánicas que provocarán la destrucción de Japón. Una situación que empeorará debido al exceso de confianza de Kyotaro, quien piensa que vencerá a la bestia sin problemas... Así, el planteamiento de la serie se basa en las putadas y trampas, cada vez mayores, que los "Invasores" hacen a Mirrorman, el mayor obstáculo para la conquista de la Tierra. También es bien habitual (tanto que llega a hacerse un poco molesto) el típico episodio de busca y captura del científico de turno que está elaborando una herramienta o arma peligrosa para dichos "Invasores". Una premisa que se repite lo menos diez veces en la serie...

En esta primera mitad de Mirrorman seguimos con buenos momentos como el del ep 16, Chase Kinder: The Doll Master!, un muy inquietante capítulo ayudado por la presencia de un payaso que va acompañado de una malrollera muñeca viviente y cuyo plan es apropiarse del plan de un científico que pondría en aprietos a los "Invasores". En Mirrorman is Ensarned in a Trap, ep. 17, presenta otro pérfido plan de los extraterrestres: hacer culpar a Kyotaro de un crimen no cometido, siendo encarcelado e impedido para transformarse y detener una catástrofe nuclear. Un capítulo bien rodado y con buen uso de la tensión. El sólido y con sabor cinematográfico, Dinosaur Aroza Rises from the Dead, ep. 18, presenta a los "Invasores" reviviendo a un monstruo prehistórico que derrota a Mirrorman a la primera de cambio lo que carcomerá a Kyotaro en todo el episodio. 

Ep. 18, Dinosaur Aroza Rises from the Dead.

También la serie se preocupa por dedicar episodios centrados en algunos de sus personajes secundarios para tratar de dar un poco más de profundidad a cada uno de ellos. Es el caso del ep. 11, Blast Zailas the Holocaust Mutant, donde conocemos más sobre el capitán Murakami y su trauma personal. O un episodio donde Yasuda (el cero a la izquierda de SGM) tiene su momento de gloria en el notable y tenso ep. 44, The Devil’s Rescue Operation, donde un Ovni se estrella contra un edificio dejando atrapada a una niña pequeña. El rescate se efectuará a contrarreloj por el propio Yasuda y un Mirrorman en segundo plano, aguantando agónicamente unas vigas para que el edificio no quede destruido con la niña en su interior. Aún con dichos esfuerzos ninguno de los personajes secundarios acaba por resultar interesante siendo, al final, estereotipos andantes. Hay excepciones como ese magnético profesor Mitarai, valedor del secreto tras la identidad de Kyotaro, actuando de maestro, mentor y protector pero siendo un personaje misterioso, a veces oscuro y duro pero otras veces bondadoso. Un acierto.

Los "Invasores" haciendo una operación explosiva a Mirrorman en el ep. 26, Mirrorman Annihilated!

Si bien, parece que esta mezcla de drama adulto con mix de terror y ciencia ficción estaba teniendo problemas de audiencia lo que ocasionó que a mitad de la misma aplicaran varios cambios para hacer reactivar el interés por ella. Unos cambios, que si, la hicieron parecer algo más a una típica serie de Ultraman pero que paradójicamente provocó una subida de calidad espectacular ayudada por sus guiones, llenos de situaciones límite y desesperadas para nuestro héroe y la intensidad de los mismos. Estamos hablando concretamente del tramo comprendido entre los episodios 26 y 37. Estos cambios pasaron por hacer que el equipo de SGM tuviera un papel más activo en las batallas, colaborando con Mirrorman, e incluso en ocasiones siendo más poderosos que el mismo héroe o un "girito" con los "Invasores" insertando una bomba en el interior de Mirrorman, la cual explotará si el héroe gasta demasiada energía. Una vuelta de tuerca al "Color Timer" de Ultraman pero dotado de un plus de tensión que le sienta muy bien.

El doble ep. 26 y 27, Mirrorman Annihilated! / Total Attack! SGM, marca el inicio de este cambio para la serie. El cuartel de SGM queda destruido con todos los protagonistas dentro… Kyotaro se enfrenta solo a los "Invasores" pero acaba atrapado y éstos le introducen una bomba en su cuerpo que explotará si consume cierto número de energía… Más tarde descubriremos que el equipo de SGM sigue vivo y está oculto en una nueva base secreta. Da comienzo así a una lista de episodios de nivel encomiable que no hacen sino subir el grado de intensidad. El ep. 28, Challenge from Killer Monster Killergon, presenta a un  Kyotaro desobedeciendo las órdenes para ir a enfrentarse a un monstruo, Killergon, que es utilizado por los alienígenas para provocar y humillar a Mirrorman. 

Ep. 30, The Great Mirrorman Rescue Operation.

En My Friend! Phoenix, ep. 29, nuestros protagonistas quedan atrapados bajo tierra, junto a un volcán, dentro de la nave Phoenix. Con el tiempo a contrarreloj, da inicio la misión de rescate. Y el siguiente, The Great Mirrorman Rescue Operation, ep. 30, continúa con el monstruo del anterior episodio, Mayasaurus, quien expulsaba una ceniza blanca altamente tóxica, sintiendo, Kyotaro, las consecuencias de ello en su cuerpo. Al enfrentarse de nuevo con la bestia caerá en una trampa siendo encadenado por los "Invasores". Como guinda del pastel, a partir de dicho episodio se añade una canción en los créditos finales que realza el sentir épico y dramático de los capítulos, con una pieza que parece sacada de un spaguetti western. La banda sonora de Mirrorman está efectuada por un habitual de las series de Tsuburaya como es Toru Fuyuki.

Ep. 32, Save you Now! The Sea of Death.

En el ep. 32, Save you Now! The Sea of Death, los alienígenas pretenden contaminar todos los mares del planeta en un capítulo lleno de creatividad visual, sabor a cine de espías y un clímax final espectacular sacado de Los diez mandamientos, con Mirrorman luchando en un boquete creado en medio del océano. 

Pero si hay dos episodios a visionar si o si, son el doble ep. 34 y 35, S.G.M vs Mirrorman / S.G.M Special Attack Operation. Aquí los "Invasores" planean una artimaña de lo más cabrona haciendo un juego psicológico con Kyotaro que lo hará enfrentarse con sus aliados de SGM. Una batalla en la que nuestro Mirrorman acabará muerto... La continuación a este entuerto (ep. 35) ya me pilló totalmente por sorpresa. Una obra maestra que explora la muerte de Mirrorman, con Fujimoto (de la SGM) sintiéndose culpable por haber matado al héroe y que provocará su desquiciamento e intento de suicidio al final. Hay un enorme nivel en este capítulo sustentado por las interpretaciones, efectos especiales y ese tono religioso que se le da a Mirrorman utilizando una dramática música con coros de iglesia y el milagroso revivir del héroe obra de los rayos del sol.

Ya había influencia católica en Ultraman (originado del catolicismo de Eiji Tsuburaya) pero en Mirrorman es llevado al paroxismo a lo largo de la serie. Son evidentes dichas influencias si atendemos los orígenes paternos y maternos del héroe (la madre humana emparejándose con el padre, un ser sobrenatural siendo éste una figura ausente pero que aparece en determinados momentos desde los cielos para ayudar a Kyotaro), la idea de sacrificio...

La muerte de Mirrorman en el imprescindible ep. 35, S.G.M Special Attack Operation.

Ep. 40, Invader Immigration Operation

El buen nivel sigue con el doble ep. 36 y 37, Monster Army Assaulting Mirrorman / Hitting Mirrorman into the Sun. Siguen las putadas para nuestro amigo Mirrorman, ahora los "Invasores" lo encierran en un cohete y lo envían al espacio en dirección al Sol. Aunque el héroe será salvado en el último momento por los Androsaurus, monstruos que recibieron la ayuda del héroe en el ep. 23. Esta dupla de episodios están coronados por un conmovedor y triste final con mamá Androsaurus muriendo en la batalla y Mirrorman frente al atardecer tratando de contener las lágrimas... ¡Malditos invasores!

El último tramo de episodios de la serie no consigue mantener el mismo nivel (extraordinario), algo lógico por otra parte, pero seguimos encontrándonos con buenos momentos que nos van encaminando hacia el final de la serie. El doble ep. 40 y 41, Invader Immigration Operation / Mistery of the Diferent Dimension Monster propone un interesante viraje hacia el puro terror con los "Invasores" infiltrándose cada vez más entre la población. La escena final del ep. 40 lo protagoniza un autobús y es puro horror. Su continuación en el ep. 41, tiene un componente algo más de acción e investigación con gotas de terror y ofrece luz en torno a los motivos de la invasión alienígena con éstos clamando que los humanos no son conscientes de la belleza del planeta Tierra (la crítica medioambiental está muy presente) y que por eso quieren conquistarla.

Ep. 46, Ringing Bell of Love in the City of Death

El ep. 46 es otra pequeña obra maestra. Ringing Bell of Love in the City of Death, plantea la aparición de una “Invasora” con intenciones benignas y que desea vivir en el planeta Tierra para aprender a vivir como un ser humano normal (la actriz, una estupenda Kaori Okano, que luego veremos en Ultraman Leo). La chica será perseguida por su hermana quien intenta matarla ¡con una guitarra que lanza rayos! Un episodio donde se abordan temas como la desconfianza de la humanidad hacia lo diferente (el tratamiento de inmigrante que se le hace a Kyotaro y a la muchacha es interesante) y cuyo desarrollo se tornará especialmente triste con la "Invasora" muriendo poco a poco lo que le otorgará más fuerza a su conmovedora ilusión por vivir.

El esperado final de Mirrorman nos lleva al doble episodio 50 y 51, The Last Day on Earth / Farewell Mirrorman. Los "Invasores", hartos ya, deciden que puestos a que no pueden conquistar la Tierra pues no será para nadie y deciden desviar la órbita de su propio planeta, “el planeta oscuro” para que colisione contra la Tierra. Los seres humanos idean un plan para detener dicho desastre mientras el caos se adueña del planeta. El gran final viene lleno de elementos interesantes: el deseo de Kyotaro de vivir como un ser humano normal, el descubrimiento de su secreto por parte de Asami (la hija de Mitarai es el interés romántico de Kyotaro), de nuevo el elemento religioso en la trama, los diferentes desastres asolando el planeta (via stock footage) y la batalla final de un Mirrorman al borde de la muerte...

Despedidas en el ep 51, Farewell Mirrorman.

Un final que encuentra en la relación entre Kyotaro y Asami una muy bonita culminación sobretodo en esa despedida frente al mar y al atardecer aunque no está exento de cierta amargura. Kyotaro es prácticamente obligado por su padre a dejar la Tierra (de nuevo la idea de sacrificio) y seguir su lucha en el mundo de las 2 dimensiones.

Mirrorman (1971) es un triunfo del tokusatsu. 51 episodios que en general mantienen un buen nivel, encontrando tramos sencillamente brillantes. Un nivel ayudado por la profundidad de sus guiones, cargados de dramatismo, terror, violencia y situaciones límite para un héroe, en ocasiones no tan poderoso y que suele fallar en sus decisiones. Por contra, si que podemos encontrar tramos de episodios algo más asépticos y repetitivos en la presentación de sus conflictos, el poco interés de sus personajes secundarios o la dudosa plasmación de la mayoría de los monstruos, la mayoría bastante bufonescos, los cuales casi arruinan el tono solemne del conjunto. Un hecho que demuestra que aquí no había tanto presupuesto pero sí grandes ideas. Pese a todo, he quedado encandilado por Mirrorman. Un personaje que no ha tenido mucha continuidad en el futuro, por desgracia. Algunos de sus personajes volverían en Jumborg Ace (1973), otra de las series de Tsuburaya.

Algunos de los episodios tuvieron pase por cines, concretamente en el Toho Champion Festival en sesión especial junto a algún título de la saga Godzilla. Es el caso de una reedición del primer episodio de la serie así como del ep. 18. Como curiosidades. En el ultra-filme Ultraman Zero The Movie: Super deciding Fight! The Belial Galactic Empire (2010), aparece un personaje llamado Mirror Knight, que no es sino un homenaje a nuestro Mirrorman. El personaje tuvo una reinvención en 2006, con Mirrorman Reflex, con una senda más oscura de lo habitual, en la forma de 3 episodios directos a DVD y que contaban con el regreso de algunos de los actores originales de la versión de 1971.