ORIENTAL PARADISO

miércoles, 28 de octubre de 2026

ASIAN FILM FESTIVAL 2026: RECOMENDACIONES (PARTE 2) by Mgda Inquieta

¡Los thrillers que echan fuego en el ecuador del AFFBcn! Nuevas recomendaciones

Pasamos ya el equinoccio del Asian Film Festival Barcelona (AFFBcn) pero ahora es realmente cuando se intensifica. Se dice rápido pero quedan 84 largometrajes que se proyectaran durante apenas cinco días. Una programación inabastable, pero en la que encontrarás toda la información de las películas, directores y trailers en la web del festival: https://asianfilmfestival.barcelona/2026/es/. Desde "Oriental Paradiso" resaltamos día a día los títulos más destacados de la programación. Esperamos echaros un cable para armar vuestra propia maratón de cine:

Miércoles 28 octubre:

Empezamos a las 10h con Measure in Love (2025, Hong Kong) de Kung Siu-ping, una ambiciosa sci-fi romántica, quizás más conceptual y poética pero ¿es posible que apetezca desayunar distorsiones gravitatorias?. A media mañana Delupi (2025, Bangladesh) de Mohammad Touqir Islam, un crudo retrato de la supervivencia social y política en una aldea devastada por inundaciones. Una anécdota: Anurag Kashyap la vio en un festival y quedó tan impactado que se involucró con el proyecto y la difusión bajo su sello. Después de comer proyectan, con presencia de la directora, Cinemartyrs (2025, Filipinas) de Sari Raissa Lluch Dalena. La cuota de intriga histórica y género la cubre de forma magistral, un drama que combina el cine dentro del cine con elementos de terror sobrenatural al despertar espíritus del pasado colonial durante el rodaje de una película. A media tarde apetece un poco de humor negro, Embers (2026, China) de Sun Aoqian. Una disparatada trama en la que una incineradora con una enfermedad terminal intercambia por error las cenizas de dos difuntos y se monta un viaje absurdo y conmovedor sobre la redención. Finalmente, Out (2026, Japón) ópera prima y que confirmaron también presencia del director Masashi Kawamata. Un adictivo thriller psicológico que atrapa inmediatamente al espectador donde un joven hikikomori no binario debe romper su encierro y salvar a una amiga virtual.

Jueves 29 octubre:

Nos chivan que a primera hora de la mañana estará el director de Baga: Tomorrow Belongs to No One (2026) de Ariff Zulkarnain. Un drama con desgarrador enfoque realista, una aldea costera conservadora entre el narcotráfico y el declive de las tradiciones locales. Media mañana nos vamos hacia el género, Zero Point Action (2025, Mongolia) de Aldar Enkhbayar, sci-fi sobre un tenso y adictivo bucle temporal donde el protagonista es asesinado una y otra vez al regresar a casa. Media tarde thriller de acción quizás más comercial, Under Current (2025) de Alan Mak. Una silly but entertaining con nostalgia, estrellas veteranas y intrigas sobre corrupción financiera que evoca el clásico espíritu de Hong Kong. El toque de humor negro e ingenio lo pone Performing Kaoru’s Funeral (2024, Japón) de Noriko Yuasa, que también vendrá al festival, transformando con su película el caos y los choques familiares de un velatorio en una comedia negra hilarante y profundamente conmovedora. Por último, si aun quedan fuerzas, The Accordion Door (2025, Corea del Sur) de Son Kyeong-su, producida por la academia KAFA, volvemos al género fantástico con una mezcla de drama adolescente, fútbol y sutiles metáforas de ciencia ficción que desdibujan la realidad de un joven escritor.

Viernes 30 octubre:

Empezamos el dia con Poultry Farm (2026, Irán) de Mohammad Reza Ardalan, que dicen que es como estar al borde del asiento. Thriller de suspense psicológico y abuso social en una remota granja de Teherán. Slow-burn de atmósfera es opresiva y angustiante, construyendo el miedo poco a poco. A primera hora de la tarde, gratis en ECIB, proyectaran Black Rabbit, White Rabbit (2025, Tayikistán), del aclamado Shahram Mokri, con una sorprendente estructura de rompecabezas temporal que convierte un hotel aislado en un laberinto psicológico adictivo. Seguimos en Asia central con tensión claustrofóbica Crickets, It’s Your Turn (2024, Kazajistán) de Olga Korotko con inteligente uso del espacio cerrado en una casa de montaña, incómoda, perversa sátira y humor negro muy afilado. ¡Esta sí! ¡Recomendadísima! Sicko (2025, Kazajistán) de Aitore Zholdakali que pasó recientemente por Sitges Film Festival 2026 y nos dejó ojipláticos. No lo podria describir mejor que en el tuit de @DomingoLopez72 “arranca a la coreana y termina en una salvajada al estilo del exploitation hongkonés de los 90 ¡Y qué final! Más de uno se tirará de los pelos, seguro!”. Para finalizar continuamos con thriller, esta vez del sudeste asiático. Silenced Nights (2026, Filipinas) de Lawrence Fajardo cierra la noche adentrandose en los códigos del thriller criminal más visceral e incómodo, sacudiendo al espectador a través de una densa atmósfera de secretismo e impunidad que no da tregua.

Por último una mención especial fuera de competición que se proyectará en los cines Girona el Viernes, Sábado y Domingo. Hope (2026, Corea) de Na Hong-jin se estrenará en salas de cine gracias a BTEAM Pictures. Tras su paso por Sitges, la última película del reciente premiado Na Hong-jin gustó mucho, pero generó reacciones polarizadas. Es un espectáculo festivalero disfrutable; grandes actores, una puesta en escena impecable y sobretodo acción. Me quedé sobretodo con esta última parte, la de las persecuciones y escapar por los pelos de monstruos, que -si tengo que ser sincera- me generaba más intriga cuando no lo veía aun.

¡¿Demasiada información?! Cada año ando igual liada a seleccionar qué películas ver y leyendo recomendaciones de otros festivales. Aquí se resaltaron los thrillers, que parece que giran mucho entorno a lo psicológico y el crudo drama social, esto último tampoco extraña por la dirección del AFFBcn. Decir que la mayoría tampoco las he visto... así que ¡haced caso a medias! Lo mejor es pensar cuantas películas tenéis ganas de ver, que hueco le dedicáis y arriesgar. AFFBcn abre un sin fin de posibilidades de descubrir nueva filmografía que, por mayoría, rara vez nos llega a la pantalla grande. ¡Nos vemos por los cines Girona si os animáis!

martes, 27 de octubre de 2026

CRÓNICAS DE SITGES 2026 (4/4)

Uno de los momentos más mágicos de esta edición del Festival de Sitges ha sido haber podido ver la restauración del clásico Lady Snowblood (1973), protagonizada por Meiko Kaji. Una de las mejores películas del cine japonés de los años 70. La madre de todas las cintas de venganzas. Una obra maestra muy influyente y referenciada. No hace falta nombrar la referencia de ella que hace Kill Bill vol. 1 (2003) de Quentin Tarantino en el que toma muchísimas cosas de Lady Snowblood.

Se trata de un filme ingenioso en su narración y en su estilo visual y que presenta una inmortal interpretación de Meiko Kaji como heroína de acción en busca de venganza por la muerte de su familia. Una proyección mágica en la que contamos además con la presencia de la misma Meiko Kaji en la sala. La proyección finalizó con un pequeño Q&A. La actriz nos regaló, con 79 años, uno de los momentos más maravillosos que yo he vivido en mi vida cinéfila ya que uno de los presentes en la sala le propuso si podía cantar una estrofa de de la canción de la película, "Shura No Hana". Kaji advirtiendo que hacía cincuenta años que no la cantaba se arrancó a cantar el tema para todos nosotros y no solo eso, ¡la cantó íntegra! Un momento increíblemente mágico.

A la tarde pudimos asistir a un encounter que tuvimos con Meiko Kaji en el que pudimos preguntarle varias cuestiones sobre su carrera cinematográfica. Me sorprendió conocer que Lady Snowblood la realizaron en poco más de 2 semanas (y así era el ritmo de producción nipón en aquellos años) a la vez que rodaba la segunda parte de Female Prisoner Scorpion.

Sobre la primera entrega de Scorpion contó que "no estaba segura de si interpretar a la heroína de la película". Era un momento en el que su carrera estaba en un estado delicado y si fallaba con Scorpion ya podía despedirse de su carrera. Y propuso que aceptaba el papel si el personaje no hablaba. El filme fue un tremendo éxito. Y respecto al cambio de director en la cuarta película de la saga (se encargó Yasuharu Hasebe) fue la misma Meiko quien propuso como director a Hasebe. El director la había dirigido en varias películas en sus inicios como actriz y le quiso devolver el favor propusiéndolo como director para la cuarta Scorpion.

No faltamos a nuestra cita anual para ver lo nuevo del director japonés Takashi Mike. Esta vez se ha atrevido a hacer su propia versión de Teniente Corrupto tras las versiones de Abel Ferrara y Werner Herzog. Miike propone ésta Bad Lieutenant: Tokyo.

Cuando uno entra a ver una película de Takashi Miike uno ya sabe más o menos a que atenerse. su Teniente Corrupto es una película más bien discreta. Se agradece ver este retorno a los ambientes de los bajos fondos de Tokyo, a la ambientación en los barrios rojos como en Shinjuku... y que lo conectan con el cine Yakuza de sus inicios. Shun Oguri está notable como teniente drogadicto, pasadísimo de vueltas y putero.

El problema de la película viene cuando intenta conjuntar dos tramas que no acaban de casar muy bien entre ellas. Por un lado tenemos la trama de un asesino Yakuza que acaba de salir de la cárcel y se dedica a hacer albóndigas de carne con todas sus víctimas. Por otro lado tenemos la trama de una killer americana que le gusta mortificar y masacrar a hombres grandes calvos y tatuados. La investigación y conjunción de estas dos tramas no acaban de empastar demasiado bien haciendo un resultado algo disperso y desparejo. Si bien la película es distraída pero simplemente correcta. En nuestro pase en la sala Tramuntana no habían subtitulado todas las partes en inglés de la película. Una maravilla, vamos, considerando que el inglés supone como una cuarta parte del metraje.

Habían ganas de ver lo nuevo de Adam Wingard tras dirigir sus dos mega-blockbusters: Godzilla X Kong (2021) y Godzilla y Kong: El nuevo imperio (2024). Sus divertidísimas entregas de Godzilla y King Kong para el Monsterverse de Legendary. Ahora ha querido hacer esta Onslaught, titulada en España como Aniquilación. Una producción de corte más independiente, de bajo presupuesto y con el que Adam Wingard pues ha querido desmelenarse y divertirse con un producto alejado de las grandes majors.

Aniquilación ha supuesto ser pues toda una sorpresa. Muy entretenida, muy divertida y que rezuma sabor y aroma a cine de videoclub por los cuatro costados. Presenta una trama de experimentos gubernamentales con supersoldados cibernéticos que atacan una pequeña comunidad en medio del desierto y en la que se encuentran con una ex marine, una madre coraje, que les hará frente. Una película muy disfrutable en el que tanto en la estética visual, que parece reflejar el mejor cine de John Carpenter hasta a los guiños a Terminator, refieren constantemente a ese cine lúdico de serie B de los 80. Incluso aparece en un pequeño papel Michael Biehn. Un filme entretenido, cortito y al pie y que no rechaza ponerse burra y violenta cuando lo necesita.

Otra de las películas más esperadas por un servidor en el Festival de Sitges era la película We are Aliens. Dirigida por el joven Kohei Kadowaki (es su primera peli con solo 30 años), quien hace un mes publicaba en su cuenta de X que habían gastado cinco años de su vida en la elaboración de esta película. Que lo habían invertido todo en la producción de esta película y que si no funcionaba se iban al garete... por suerte la película está siendo un moderado éxito y me alegro mucho por su director porque no es para menos.

We are Aliens es una película estupenda. Hecha con mucho mimo y con mucho corazón con una trama que sin duda sale de las entrañas. Presenta una relación de amistad entre dos niños y como ésta va evolucionando a través del tiempo desde que son niños, adolescentes y hasta la adultez donde vemos las consecuencias de ciertas decisiones vitales.

Una película contada de una manera madura, adulta, sin artificios y sin exageraciones melodramáticas. Además, cuenta con una animación que utiliza la técnica de la rotoscopia realizada de una manera preciosa, bellísima y muy expresiva. Una película, como digo, estupenda. Un viaje emocional de los que te remueven por dentro.

Y nos despedimos del Festival de Sitges con Blade of the Guardians: Wind Rises in the Desert, el nuevo mega blockbuster llegado desde China y dirigido por el maestro Yuen Woo-Ping, todo un referente absoluto en el cine de acción y el cine de artes marciales de China y Hong Kong. Toda una personalidad tremendamente influyente en el cine de acción occidental.

Blade of the Guardians resulta en un mega espectáculo de Kung-Fu lleno de espectacularidad y con un diseño de set-pieces de acción espectaculares. Hay una escena en concreto, que tiene lugar en medio del desierto y con una tormenta de arena que no tiene nada que envidiar a Mad Max: Fury Road (2014). Como digo una película de puro espectáculo, muy entretenida, con personajes carismáticos y simpáticos (ahí tenemos como protagonista al mismo Wu Jing). El problema de estas producciones y que siempre tengo yo es que hay tal carajal de personajes y de diversos clanes enfrentados unos con otros... que uno acaba teniendo cierta borrachera y confusión. Igualmente una notable cinta de acción y artes marciales que nos vuelve a demostrar el excelente estado del cine chino en materia de grandes producciones.

Y así termina un año más mi periplo por el Festival de Sitges. 21 años ya... Han sido unos días muy intensos en los que más allá de las películas, destaco los encuentros con amigos y conocidos cinéfilos y que hacen de este Festival algo muy especial.

En concreto quiero volver a destacar la compañía de mi media-naranja cinéfila, Jesús Álvarez, mi gran compañero en Videoclub Paradiso (las cervezas siguen en la nevera). Me parece que nunca olvidaremos The Devils.

Gracias por la amistad, risas, cervezas, chorizos del infierno y monstruos gigantes de Octavio López y Josan García. Quien me diría hace 10 años que acabaría compartiendo escenario (y baños en el mar) para hacer podcasts en directo hablando del cine que más nos apasiona.

Y no me quiero dejar esa cerveza improvisada con Oriol y toda la cuadrilla de Autotracking Fest (el mejor festival de la galaxia), poder compartir Lady Snowblood con mi querido Pou del canal Cine Fórum, de poder ver a Felipe Múgica, Albert Calvo, Iván de Crónicas de Deckard... Y muchos más que se me olvidan...

Oriental Paradiso estará de una manera u otra el año que viene. Mantengase a salvo y... ¡alegría y mucho cine!

CRÓNICAS DE SITGES 2026 (3/4)

La llegada de Hope al festival iba a ser uno de los platos fuertes de la edición de este año. Na Hong-Jin es uno de los directores más potentes e interesantes de estos últimos 15 años de cine coreano. Y solo tiene 4 películas. Su debut, The Chaser (2008) fue un contundente thriller con asesino en serie. Una joyita. Continuó con la algo menor pero recomendable The Yellow Sea (2010). En 2016 nos impactó con la maravillosa The Wailing y que combinaba el terror con magia negra, el thriller y la comedia costumbrista con maestría. 10 años han pasado desde entonces y su regreso ha sido con ésta Hope, con una producción tremendamente ambiciosa siendo el filme más caro realizado hasta el momento en Corea del Sur. Con unos planes de convertir el proyecto en una trilogía (ya planteada por Hong Jin pero que necesita mucho tiempo para darle salida debido a lo grande y agotador de estos proyectos), Hope supone un tour de force espectacular, con una vocación claramente de blockbuster mainstream.

Hope es una monster movie que ante todo destaca por presentar unas escenas de acción adrenalínicas, extasiantes y agónicas que ocupan buena parte del metraje. La lección de dirección de Na Hong-Jin es clara con un planteamiento de las escenas absolutamente certero y que te dejan sin aliento. Al respecto quiero destacar la primera hora de la película, excepcional en su uso del suspense, de la tensión y donde esconden con sabiduría la aparición del monstruo.

A partir de aquí el desarrollo de la pelicula no deja de desbarrarse más y más hasta llegar a terrenos de lo puramente exagerado e irreales (me refiero a las hostias que se meten nuestros protagonistas). Quizás lo negativo de Hope es que sus 160 minutos pesan en el sentido que el filme acaba entrando en la reiteración, y ya en la enésima persecución o en el undécimo tiroteo se entra en una sensación bastante repetitiva. Una vez más, el mal del cine coreano, obsesivos con alargar hasta el máximo sus películas. Otro detalle es que los efectos CGI no acaban por estar del todo pulidos, dando la impresión de estar viendo una producción de hace 20 años.

Aún a pesar de su excesiva duración y sensación reiterativa Hope es un disfrute, un festival irresistible para ver con mucho humor y alucinar con sus escenas de acción, además aderezado por todos lados por ese humor costumbrista coreano, imprevisto, que a mi me entró a las mil maravillas, y que le da ese punto diferencial a una producción de este calibre.

Presentación de Asian Fantastic Magazine. De izda a dcha Albert Calvo, Felipe Múgica y Adrián Roldán (un servidor).

Corriendo de la sesión de Hope, esquivando en mi camino a personalidades como Alejandro G. Calvo, me dirigí hacia la carpa FNAC presente en las puertas del Auditori Melià para acompañar a Felipe Múgica en su presentación del número 5 de su fanzine Asian Fantastic Magazine, para el que colaboro con diversos artículos desde su primer número -#0- publicado en octubre de 2022. En una presentación, en la que junto a Felipe, se encontraba Albert Calvo -del blog Katanas y colegialas- y un servidor, contamos a los presentes el espíritu y las claves en las que se basa Asian Fantastic Magazine desde su publicación. Una conversación entre amigos en las que aprovechamos para hablar de las particularidades de la fantasía oriental, única y sorprendente donde las haya, además de comentar algunas de las películas que más "a cuadros" nos haya dejado en las fases de investigación de nuestros artículos. Con 6 números publicados, no hay más que reivindicar la existencia de un fanzine así, de espíritu rebelde y que sabe contagiar las ansías por investigar, por querer ir más allá y hacer arqueología en cinematografías tan lejanas y de difícil acceso.

11 es una co producción catalano-andorrano-argentina, una mezcla interesante. Nos presenta una trama en la que dos profesores de esplai se van de excursión a tierras andorranas con toda una clase de niños pequeños y allí, en medio del bosque, se encuentran con un niño que pronto acogerán. Pero el niño demuestra ser todo un psicópata.

Una película sencilla y con limitaciones pero que para mi sorpresa va mejorando levemente a medida que avanza. Cuenta con unas interpretaciones bastante discutibles por parte del reparto infantil -y del adulto- además de aspectos narrativos algo molestos, pero de obligación actual por lo visto como que la personaje femenina es la que se entera de todo lo que está pasando y es resolutiva... en contraste con el personaje masculino que es un atontado que no se entera de nada. Si bien dicha dinámica es aprovechada en la segunda mitad del metraje para crear una situación de conflicto y pulso emocional entre los personajes debido a que el personaje femenino se encuentra sola frente al peligro.

En definitiva es una película discreta pero minimamente aceptable co un niño asesino y malvado de lo más hostiable, que va mejorando en su tramo final, con un buen uso de los paisajes nevados andorranos y con una Mia Sala-Palau que destaca interpretativamente entre el conjunto.

Precedida por los excelentes comentarios cosechados por otros festivales en donde se ha proyectado, había muchas ganas de ver 5 minutos más. Guionizada por el gran Berto Romero y dirigida por Javier Ruiz Caldera (Anacleto, 3 bodas de más...) supone una muy refrescante aproximación a los bucles temporales.

El filme nos presenta a un matrimonio en crisis que va a pasar un fin de semana en una masia, allí un peculiar agente inmobiliario les enseña la casa hasta que se ven inmersos en un bucle temporal que se va repitiendo cada 5 minutos.

5 minutos más ha resultado ser una película estupenda. Inteligente, atrevida. Resulta maestra en muchos aspectos por su sorprendente guión a la vez de una marcada identidad visual y es que cada bucle temporal está rodado en plano secuencia, sin cortes, y perfectamente cronometrado a 5 minutos. Un aspecto que a medida que avanza la cinta es usado excelentemente para generar tensión y una creciente angustia.

Pero sin duda, todo el proyecto no sería lo mismo si no estuviera sustentado por un trio de ases actoral como es el mismo Berto (cada vez más Buenafuente), Belén Cuesta y un espectacular Javier Cámara.

5 minutos más resulta excelente en su combinación de géneros y es que no es que la comedia tenga un peso predominante en parte del metraje sino que la trama nos va introduciendo en situaciones cada vez más turbias, agónicas o incluso coqueteando el terror. Como digo, 5 minutos más ha sido una sorpresa. Una película estupenda, que no solo se convierte en una de mis favoritas de la presente edición del festival sino en una de mis favoritas del año.

Sorprendido me hallo al conocer que Salmokji: Whispering Water se ha convertido en la cinta de terror más taquillera de toda la historia de Corea del Sur superando los 3.5 millones de espectadores (y superando así a la muy muy muy superior Dos Hermanas (2003)) convirtiéndose en un autentico fenómeno.

Y es que la cinta sabe aprovechar diversas leyendas urbanas y mitos en torno a un lugar muy viralizado como es el lago de Salmokji. Un lago creado artificialmente por el gobierno coreano a inicios de los 80, para lo cual se decidió cubrir con agua un pequeño poblado. Se dice que así hicieron tambien con el cementerio del pueblo para lo cual ni siquiera cambiaron de lugar las tumbas con los muertos... Así el lugar ha sido una fuente constante de historias paranormals y supersticiones. El interés por el lugar se ha triplicado desde que un reportaje realizado en 2022 por un Iker Jimenez coreano, haciendo un mapeo del lugar descubrió que en una de las fotos aparecía una presencia extraña...

Y así empieza Salmokji: Whispering Water, una cinta verdaderamente decepcionante y que no es sinó una más de las decenas de produccions de terror de baratillo con fantasmass que se estrenan en cines y plataformas de Corea del Sur (y de China tambien salen a cientas). Que haya sido un exito de taquilla que no os lleve a engaño en esta producción de bajo saldo, con personajes insoportables corriendo y gritando en la oscuridad, con momentos sonrojantes de supuesto terror (el walkie talkie que habla con fantasmas...) y apariciones fantasmales de tren de la bruja infantil. Un visionado que se ha hecho extenuante e interminable.

lunes, 26 de octubre de 2026

ASIAN FILM FESTIVAL 2026: RECOMENDACIONES (PARTE 1) by Mgda Inquieta

¡Ya está aquí el Asian Film Festival Barcelona 2026!

Un total de 114 metrajes de 25 países diferentes del 22 de octubre al 1 de noviembre. La película If on a Winter’s Night, que contó con la presencia de su director, el indio Sanju Surendran, abrió oficialmente la 14ª edición del Asian Film Festival Barcelona (AFFBCN) este pasado jueves, 22 de octubre de 2026. La película venía precedida de muy buenas críticas tras presentarse en el Festival de Busan (Corea del Sur). Y no solo la inauguración, este año tienen la selección Focus India. Doce largometrajes contemporáneos que muestran la diversidad actual del cine indio, películas que se alejan del modelo comercial de Bollywood. Se suma una Retrospectiva disponible en Filmin sobre la representación cinematográfica del continente indio hecha desde Occidente entre 1946 y 2023.

Menene Gras Balaguer, directora del festival, comentaba: «apostamos por un cine que nos acerca a la diversidad cultural de Asia». El AFFBCN apoya un cine independiente y de autor centrado en propuestas personales y artísticas; nuevas narrativas que arriesgan con lenguajes visuales diferentes. A menudo este circuito se relaciona con el drama, experimental y slow cinema —y no digo que no destaque—, pero también resalta el cine social, temáticas que reflejan realidades, conflictos y contrastes culturales. Es justo en este punto donde convergen y se mezclan otros géneros que sorprenden por su originalidad: thriller, ciencia ficción, fantasía y este año incluso terror.

Estos primeros días disfrutemos de relatos intensos y viscerales que exploran las devastadoras consecuencias del control, la violencia y la pérdida de la estabilidad humana ante situaciones límite. La primera Abang (Malasia, 2026) de Areel Abu Bakar, cine de acción puro de artes marciales desde el sudeste asiático que funciona como una precuela de su exitosa película de culto Geran (2019). Sábado tocó sesión doble de thriller psicológico. Wrangler (Corea del Sur, 2025) de Seo Eun-sun mezclaba thriller con suspense criminal de esos que juega con dos hermanas con un pasado traumático difuso, intriga, giros y consecuencias devastadoras. Con eso de no contar todo parece algo desdibujada, pero consigue también que le des vueltas a la trama. Y el día se remató con No Matter What, I Love You (2025, Japón) de Ryuichi Hiroki. El título no seducía pero si el nombre del director. Ryūichi Hiroki, prolífico director japonés que empezó con el Pinku Eiga, cambió a un cine de autor con su estilo minimalista y de observación del entorno y los personajes. El año pasado volvió con The Sickness Unto Love, como también se la conoce, es un drama existencial y crudo que se tuerce a un suspense turbio adolescente sobre la crueldad juvenil, la manipulación y un macabro juego de suicidio en internet. Aunque de estética juvenil tiene una atmósfera bastante tétrica y retorcida.

¡Sigue con nosotros! Desde "Oriental Paradíso" te haremos avances de estas cinematografías de género insólitas y narrativas fascinantes desde Asia Central hasta el Sudeste Asiático que van a pasar esta semana que viene en el AFFBcn en diferentes salas de Barcelona, especialmente en los Cinemes Girona. Se viene:

· Domingo 25 octubre:

Roid (Bangladesh, 2026) de Mejbaur Rahman Sumon, uno de los realizadores más comerciales y exitosos de Bangladesh que destaca por su estilo intenso, visual y estructura narrativa de misterio. Viene con una trama de suspense tensa y llena de giros en una espiral hacia la obsesión y la criminalidad.

· Lunes 26 octubre:

They Loved Me (2023, Irán) de Mohammad Reza Rahmani: una crisis médica se convierte rápidamente en un thriller de trauma familiar cuando los análisis revelan por sorpresa un secreto, con una estructura clásica del cine de intriga psicológico y social iraní.

Si buscas algo de tensión criminal pero con un enfoque más realista o de autor: Hani (2024, China) de Hou Dasheng, donde la falta de recursos, lleva al protagonista a tomar un camino criminal violento e irreversible, de la que destacan su crudeza social.

· Martes 27 octubre:

La Herencia del Mal (Marama) (2025, UK-Nueva Zelanda) Taratoa Stappard: sí! También terror! Calificada como Maori Gothic Revenge Horror con una estética espectacular ambientada en la época victoriana (1859) en unos páramos desolados. Visiones ancestrales, un oscuro misterio familiar, tensión sobrenatural que aseguran una experiencia inmersiva y de suspense clásico. Pasó por la sección Panorama de Sitges Film Festival con presencia del director.

Tenéis toda la programación e información en: https://asianfilmfestival.barcelona/2026/es/. Este solo un avance, buceas en su web encontrarás un sinfín de propuestas más y a partir del miércoles se intensifica aún más si cabe la oferta. Estad atentos que os iremos contando más!

jueves, 15 de octubre de 2026

CRÓNICAS DE SITGES 2026 (2/4)

Indonesia es un país con una fuerte tradición por el cine de horror. Un cine anclado a su rico y tenebroso folklore local -vease Mystics in Bali (1981) o Queen of Black Magic (1981)- y en estos últimos años diversos directores del país siguen insistiendo en mantener viva la llama del género. Uno de ellos es Joko Anwar, quien gran parte de su filmografía está entregada al terror y no solamente como director sino como guionista. Una de sus cimas al respecto es una cinta como Impetigore (2020) que sorprendió enormemente a un servidor con una muestra impecable de atmósfera muy mal rollera en una trama con asesinatos y magia negra.

Para Sitges 2026 nos llega Ghost in the Cell, cuyo guiño en el título a un clásico del anime japonés de los 90 ya nos da buena cuenta del cachondeo que impregna la película en todo momento. Y es que Ghost in the Cell presenta un concepto bien interesante como es el de una presencia fantasmal que acompaña a un recluso sin que él sea consciente y se dedica a hacer buena cuenta de otros presos (aunque solo a aquellos que tengan energía negativa). Todo lo referente a este espíritu malvado resulta de lo más conseguido con unos asesinatos que lo acercan al gore surrealista -y que me recordaron a Historia de Ricky tanto por la brutalidad como por la ambientación carcelaria-.

El filme resulta en general una gozosa cinta de horror que en ningún momento parece querer tomarse en serio a sí misma, pese a lo truculento de las acciones de ese ente fantasmal capaz de cometer las más brutales muertes, Anwar parece más empeñado en lo lúdico de la propuesta creando un conjunto claramente festivalero pero que se pasa de frenada en el componente humorístico, con una sobredosis de chistes, gags y humor físico que en ocasiones resulta simpático en otras resulta cargante. Toda esta profusión a la comedia hace que acabe perdiendo fuerza la trama del ente maligno cuya presencia se va desinflando a medida que avanza el metraje. Pese a todo una cinta simpática, que incluye un poco de crítica hacia la corrupción de su país y con el que el fan del gore disfrutará en determinados momentos.

Sitges ha vivido la visita de un Kevin Bacon bien acompañado por su mujer -tambien actriz- Kyra Segdwick y su hijo -metal singer- Travis Bacon. No solamente el Festival les ha galardonado con el Premio Honorífico tanto a Kevin como a Kyra sinó que venían a presentar Family Movie. Filme realizado en familia con el único objetivo de relajarse y divertirse y que ha sido hasta grabado, en gran parte, en la granja donde viven.

El filme sigue a un director de cine cutre -Kevin Bacon- el cual intenta por todos los medios realizar una última película junto a su familia, una producción de terror. Pero en una jornada de rodaje su mujer acaba accidentalmente con la vida de su vecino. No solamente la familia intentará ocultar todo rastro del cuerpo sino que más cadáveres irán acumulándose...

Family Movie ha resultado ser un filme bastante blando y anodino. Uno entiende que la familia Bacon ha querido darse el gustazo de hacer una película todos juntos y para divertirse pero el resultado, aunque ocasionalmente simpático, no acaba por atinar de ninguna de las maneras. Una propuesta que puede despertar simpatías pero que una vez se ve, rápidamente se olvida. Así que haced caso a Kevin Bacon, pasad más tiempo con vuestra familia y ahorraos la película.

Train to Busan (2016) fue un éxito a todos los niveles y un verdadero soplo de aire fresco al subgénero de los zombies/infectados en una cinta de foco espectacular y entregada a la acción adrenalínica. Aunque dentro de la filmografía de Yeon Sang-Ho soy más fan de su vertiente en la animación para adultos -las increíbles The King of Pigs (2011) y The Fake (2013)-, Train to Busan es un caramelo.

10 años después de encerrarnos en un tren de alta velocidad, Sang-Ho retoma a los infectados y ahora nos encierra en un rascacielos -referenciando a otro clásico como es el Zombie (1978) de Romero- en un filme de nuevo de corte espectacular, que no da tregua al espectador desde el minuto 1 y que además se permite darle una pequeña vuelta diferente a todo el concepto de estos infectados, estos zombies contorsionistas olímpicos, que los une una mente colmena con la que compartir información. Dicha mente colmena pondrá en un buen aprieto al pequeño grupo de supervivientes protagonista a la hora de encontrar la vacuna humana a la infección y salir del edificio con vida.

Al respecto comentar que la cinta presenta un villano absolutamente memorable, manipulador y “cabrón absoluto” interpretado por Koo Kyo-hwan. También fue un agradable sorpresa ver que la cinta viene protagonizada por Gianna Jun y a la que hacía tiempo que no veía. Una de las grandes estrellas del país y que aparecía en las clásicas Il Mare (2000), My Sassy Girl (2001) o Assassination (2015).

En definitiva un divertimento de lo más cuidado y entretenido, que sabe manejar a la perfección las situaciones de tensión, suspense y acción en un desarrollo que se va desbarrando a cada minuto hasta llegar a un clímax espectacular y que hace acabar bien arriba la producción.

Sin duda, no vamos a olvidar esta sesión. Una de las proyecciones más memorables que hemos vivido en la historia del festival ha sido con la tremenda restauración en 4K del filme The Devils (1971). Filme maldito donde los haya, obra de un Ken Russell que se volvió loco desafiando las convenciones de los bienpensantes con esta provocativa, obscena y blasfema cinta que se sitúa históricamente en el primer caso de posesión documentado por la Iglesia católica allá por 1630. Si bien, nada es lo que parece y dicha posesión tiene ramificaciones más políticas de lo que parece.

Una cinta sensacional, soberbiamente filmada por Ken Russell, con un Oliver Reed que nunca ha estado mejor, en un asfixiante uso de los escenarios, con angulaciones aberrantes y un espíritu de teatro alocado con emociones desatadas y personajes de frenopático. Sin olvidar de su ingeniosa, irónica pero demoledora crítica hacia la institución católica. No puedo imaginarme lo que debieron pensar las audiencias de 1971 al ver la película, porque en pleno 2026 seguro que a más de uno el visionado le habrá resultado un cortocircuito radical. The Devils llega lejos, muy lejos. Ninguna de las nunsplotations posteriores, ni ningún Jesús Franco, llega tan lejos como en algunas de las escenas de The Devils. Escenas como la orgía sobre el cuerpo de Cristo o las torturas que los párrocos realizan a las monjas mediante enemas para exorcizarlas y vomitando fluídos.

The Devils fue censurada, muchas escenas fueron eliminadas o manipuladas para rebajar su contenido y no fue hasta 2002 que dichas escenas, que se creían perdidas, fueron recuperadas. Hemos tenido que esperar hasta 2024 para que diera inicio la restauración en 4K de dicho montaje definitivo con un resultado excepcional. Esperando su edición en Blu-Ray.

miércoles, 14 de octubre de 2026

CRÓNICAS DE SITGES 2026 (1/4)

Se acaba el verano, las vacaciones, el relax y el descanso. La vuelta a la rutina, el dia a dia, hunde a cualquiera pero siempre hay motivos para la alegría y animarte un poco más con "la vuelta al cole". Es acercarse octubre y uno ya siente un cierto cosquilleo en el cuerpo. Un cosquilleo cinéfilo y cinéfago.

Nuevo Festival de Sitges, en su edición número 59. Cifras de vértigo. Un servidor lleva 21 años acudiendo al festival -7 de ellos como acreditado con Oriental Paradiso- y en efecto produce vértigo ver el inexorable y demoledor paso del tiempo. El adolescente ávido de cine de terror y fantasía ha ido viendo y viviendo pérdidas familiares, dificultosos accesos al mundo laboral, paternidades... El tiempo pasa, efectivamente. Por eso la cita anual a un festival como el de Sitges, que parece inalterable a ojos de uno, es un refugio vital diría. Un oasis donde dar rienda suelta a la pasión y la sed por descubrir y vivir el cine.

Un párrafo quizás algo melodramático pero ya se sabe, hay que tener la filosofía de tomarse la vida contra menos en serio, mejor. Y así es cuando uno se adentra en los siempre singulares y disfrutables terrenos cinematográficos de la India, porque inauguro el festival de la mejor manera con Half. Producción llegada de la pequeña pero matona Mollywood -la producción es en idioma malayalam y su base está en el estado de Kerala, al sur de la India-.

Half presenta a dos hermanos mellizos que son sorprendidos en medio del desierto por un grupo de maleantes que les asesinan brutalmente y les roban todo lo que llevan encima. La sorpresa viene cuando descubrimos que los hermanos tienen poderes vampíricos y regenerativos, por lo que la venganza no se hará esperar.

Half ha resultado ser un disfrute total y absoluto. Un filme de acción híper salvaje y sangriento que va directo a la yugular y no permite momento para el aburrimiento. De entre los coordinadores para las escenas de acción hay equipo que ya trabajó en películas como The night comes for us (2018)... y se nota mucho. El feel a western fronterizo, de aire casi post apocalíptico, diría, beneficia a una película muy divertida, cañera y con una selección musical de puro ritmo. Toda una sorpresa, sin duda. Buena manera de empezar el festival.

Jane Schoenbrun es una joven directora que con pocos trabajos ha logrado llamar la atención de muchos con un estilo muy personal y que sabe canalizar las ansiedades y preocupaciones de la juventud actual. Desde el contacto y relación con las nuevas tecnologías y las redes sociales así como la propia identidad y sexualidad. Ejemplo de ello lo tenemos en filmes previos como We’re all Going to the World’s Fair (2021), una propuesta de terror tecnológica de lo más singular.

Su nueva película, Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma resulta en una nueva vuelta de tuerca al genero slasher, más concretamente a las sagas Viernes 13 o Campamento sangriento con un alto componente meta a la vez que aprovecha para reflexionar sobre la supuesta misoginia del género o la relación entre espectador y película como elemento esencial en el despertar sexual y construcción de la propia identidad. Y es que resulta muy curioso como un subgénero tan denostado como ha sido el slasher, tratado de basura en los años 80, hoy dia sea objeto de recuperación, reivindicación y fuente de análisis y reflexiones. La deliciosa Final Girls (2015) vendría a ser ejemplo de ello.

Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma presenta un enorme cúmulo de ideas y reflexiones en un principio la mar de interesantes. Qué lugar ocupa el slasher en nuestros días, franquicias del cine mortecinas que aguardan una nueva oportunidad, presentar a un serial killer queer -y que lo enlaza con la maravillosa secuencia final de Campamento sangriento (1983)-, el género como fuente de despertar sexual, el mirar y el ser mirado, la ficción como construcción de nuestra identidad... Un cúmulo de ideas que en un principio resultan interesantes, no solo en su planteamiento sino en la estética y look de la propia cinta con escenarios artificiosos maravillosos y una Gillian Anderson estupenda... Pero a medida que la cinta avanza todas esas ideas se agolpan unas sobre otras sin parecer encontrar un camino claro, habiendo un aturullamiento evidente y que te dejan con la sensación de que la cosa no va a ningún lado. Pese a ello, una cinta interesante y que despertará amplios debates a su paso. Lo que si puedo decir es que me han entrado muchas ganas de recuperar toda la saga de Viernes 13...

Aquí somos mucho de películas con animales asesinos y monstruos gigantes. Siempre caen bien por lo que no podíamos perdernos Boiúna: La leyenda del Amazonas y que cuenta en su metraje con una anaconda de proporciones godzillianas y que actúa como dios de la gran selva. Ella decide quien vive y quien muere. Y así lo hará con un grupo de médicos voluntarios que se introducen en la jungla para ayudar a diversas tribus.

Una producción que me ha sorprendido personalmente siendo un filme de lo más distraído, que se beneficia de una ambientación seductora en el Amazonas con un peligro latente constante, no solamente por la anaconda de marras sino por insectos asquerosos, caimanes, arenas movedizas... Una presencia de la selva de lo más sofocante.

Respecto a la serpiente gigante, sus apariciones están usadas y economizadas con inteligencia, utilizando los elementos del escenario -arbustos moviéndose, una presencia fugaz en el agua, el uso del fondo de plano- para creer que el monstruo se encuentra más presente de lo que realmente se muestra. Un acierto. Además la trama de la cinta se reserva algunos pequeños giros en lo que respecta a sus personajes -como los patéticos villanos iniciales- que benefician a la película. Una producción bastante distraída, como digo.

"Cosas de Monstruos" en directo con un especial sobre King Kong

Y tras la experiencia vivida el año pasado con el podcast "Cosas de Monstruos", con el que realizamos por primera vez un programa en directo en el Festival, se repitió la experiencia en el escenario del King Kong Area, bajo un dia estupendo y soleado y una afluencia de público bastante generosa. Si el año anterior, Octavio López, Josan García y un servidor -Adrián Roldán- desgranamos la filmografía de la tortuga Gamera, hemos hecho lo propio, esta vez, con el personaje de King Kong, emblema del festival.

Un programa en directo en el que se repasaron por un lado las producciones clásicas del simio gigante desde su nacimiento en la maravillosa King Kong de 1933, sus remakes en 1976 -de la mano de Dino de Laurentiis- y 2005, con la visión del mito realizada por Peter Jackson. Tras un repaso a las aventuras japonesas del simio con King Kong contra Godzilla (1962) y King Kong se escapa (1967), se finiquitó el recorrido con el presente del personaje protagonizado por las sucesivas entregas del Monsterverse de Legendary. Una jornada maravillosa y de nuevo inolvidable, en la que pudimos ver a muchas caras conocidas y amigos. Coronada posteriormente con una hamburguesa a la sombra y un posterior baño en el mar que sentó de fábula. Podéis disfrutar del programa aquí.