CRÓNICAS DE SITGES 2026 (4/4)

Uno de los momentos más mágicos de esta edición del Festival de Sitges ha sido haber podido ver la restauración del clásico Lady Snowblood (1973), protagonizada por Meiko Kaji. Una de las mejores películas del cine japonés de los años 70. La madre de todas las cintas de venganzas. Una obra maestra muy influyente y referenciada. No hace falta nombrar la referencia de ella que hace Kill Bill vol. 1 (2003) de Quentin Tarantino en el que toma muchísimas cosas de Lady Snowblood. 

Se trata de un filme ingenioso en su narración y en su estilo visual y que presenta una inmortal interpretación de Meiko Kaji como heroína de acción en busca de venganza por la muerte de su familia. Una proyección mágica en la que contamos además con la presencia de la misma Meiko Kaji en la sala. La proyección finalizó con un pequeño Q&A. La actriz nos regaló, con 79 años, uno de los momentos más maravillosos que yo he vivido en mi vida cinéfila ya que uno de los presentes en la sala le propuso si podía cantar una estrofa de de la canción de la película, "Shura No Hana". Kaji advirtiendo que hacía cincuenta años que no la cantaba se arrancó a cantar el tema para todos nosotros y no solo eso, ¡la cantó íntegra! Un momento increíblemente mágico. 

A la tarde pudimos asistir a un encounter que tuvimos con Meiko Kaji en el que pudimos preguntarle varias cuestiones sobre su carrera cinematográfica. Me sorprendió conocer que Lady Snowblood la realizaron en poco más de 2 semanas (y así era el ritmo de producción nipón en aquellos años) a la vez que rodaba la segunda parte de Female Prisoner Scorpion. 

Sobre la primera entrega de Scorpion contó que "no estaba segura de si interpretar a la heroína de la película". Era un momento en el que su carrera estaba en un estado delicado y si fallaba con Scorpion ya podía despedirse de su carrera. Y propuso que aceptaba el papel si el personaje no hablaba. El filme fue un tremendo éxito. Y respecto al cambio de director en la cuarta película de la saga (se encargó Yasuharu Hasebe) fue la misma Meiko quien propuso como director a Hasebe. El director la había dirigido en varias películas en sus inicios como actriz y le quiso devolver el favor propusiéndolo como director para la cuarta Scorpion.

No faltamos a nuestra cita anual para ver lo nuevo del director japonés Takashi Mike. Esta vez se ha atrevido a hacer su propia versión de Teniente Corrupto tras las versiones de Abel Ferrara y Werner Herzog. Miike propone ésta Bad Lieutenant: Tokyo.

Cuando uno entra a ver una película de Takashi Miike uno ya sabe más o menos a que atenerse. su Teniente Corrupto es una película más bien discreta. Se agradece ver este retorno a los ambientes de los bajos fondos de Tokyo, a la ambientación en los barrios rojos como en Shinjuku... y que lo conectan con el cine Yakuza de sus inicios. Shun Oguri está notable como teniente drogadicto, pasadísimo de vueltas y putero. 

El problema de la película viene cuando intenta conjuntar dos tramas que no acaban de casar muy bien entre ellas. Por un lado tenemos la trama de un asesino Yakuza que acaba de salir de la cárcel y se dedica a hacer albóndigas de carne con todas sus víctimas. Por otro lado tenemos la trama de una killer americana que le gusta mortificar y masacrar a hombres grandes calvos y tatuados. La investigación y conjunción de estas dos tramas no acaban de empastar demasiado bien haciendo un resultado algo disperso y desparejo. Si bien la película es distraída pero simplemente correcta. En nuestro pase en la sala Tramuntana no habían subtitulado todas las partes en inglés de la película. Una maravilla, vamos, considerando que el inglés supone como una cuarta parte del metraje.

Habían ganas de ver lo nuevo de Adam Wingard tras dirigir sus dos mega-blockbusters: Godzilla X Kong (2021) y Godzilla y Kong: El nuevo imperio (2024). Sus divertidísimas entregas de Godzilla y King Kong para el Monsterverse de Legendary. Ahora ha querido hacer esta Onslaught, titulada en España como Aniquilación. Una producción de corte más independiente, de bajo presupuesto y con el que Adam Wingard pues ha querido desmelenarse y divertirse con un producto alejado de las grandes majors.

Aniquilación ha supuesto ser pues toda una sorpresa. Muy entretenida, muy divertida y que rezuma sabor y aroma a cine de videoclub por los cuatro costados. Presenta una trama de experimentos gubernamentales con supersoldados cibernéticos que atacan una pequeña comunidad en medio del desierto y en la que se encuentran con una ex marine, una madre coraje, que les hará frente. Una película muy disfrutable en el que tanto en la estética visual, que parece reflejar el mejor cine de John Carpenter hasta a los guiños a Terminator, refieren constantemente a ese cine lúdico de serie B de los 80. Incluso aparece en un pequeño papel Michael Biehn. Un filme entretenido, cortito y al pie y que no rechaza ponerse burra y violenta cuando lo necesita.

Otra de las películas más esperadas por un servidor en el Festival de Sitges era la película We are Aliens. Dirigida por el joven Kohei Kadowaki (es su primera peli con solo 30 años), quien hace un mes publicaba en su cuenta de X que habían gastado cinco años de su vida en la elaboración de esta película. Que lo habían invertido todo en la producción de esta película y que si no funcionaba se iban al garete... por suerte la película está siendo un moderado éxito y me alegro mucho por su director porque no es para menos.

We are Aliens es una película estupenda. Hecha con mucho mimo y con mucho corazón con una trama que sin duda sale de las entrañas. Presenta una relación de amistad entre dos niños y como ésta va evolucionando a través del tiempo desde que son niños, adolescentes y hasta la adultez donde vemos las consecuencias de ciertas decisiones vitales. 

Una película contada de una manera madura, adulta, sin artificios y sin exageraciones melodramáticas. Además, cuenta con una animación que utiliza la técnica de la rotoscopia realizada de una manera preciosa, bellísima y muy expresiva. Una película, como digo, estupenda. Un viaje emocional de los que te remueven por dentro.

Y nos despedimos del Festival de Sitges con Blade of the Guardians: Wind Rises in the Desert, el nuevo mega blockbuster llegado desde China y dirigido por el maestro Yuen Woo-Ping, todo un referente absoluto en el cine de acción y el cine de artes marciales de China y Hong Kong. Toda una personalidad tremendamente influyente en el cine de acción occidental.

Blade of the Guardians resulta en un mega espectáculo de Kung-Fu lleno de espectacularidad y con un diseño de set-pieces de acción espectaculares. Hay una escena en concreto, que tiene lugar en medio del desierto y con una tormenta de arena que no tiene nada que envidiar a Mad Max: Fury Road (2014). Como digo una película de puro espectáculo, muy entretenida, con personajes carismáticos y simpáticos (ahí tenemos como protagonista al mismo Wu Jing). El problema de estas producciones y que siempre tengo yo es que hay tal carajal de personajes y de diversos clanes enfrentados unos con otros... que uno acaba teniendo cierta borrachera y confusión. Igualmente una notable cinta de acción y artes marciales que nos vuelve a demostrar el excelente estado del cine chino en materia de grandes producciones.

Y así termina un año más mi periplo por el Festival de Sitges. 21 años ya... Han sido unos días muy intensos en los que más allá de las películas, destaco los encuentros con amigos y conocidos cinéfilos y que hacen de este Festival algo muy especial. 

En concreto quiero volver a destacar la compañía de mi media-naranja cinéfila, Jesús Álvarez, mi gran compañero en Videoclub Paradiso (las cervezas siguen en la nevera). Me parece que nunca olvidaremos The Devils.

Gracias por la amistad, risas, cervezas, chorizos del infierno y monstruos gigantes de Octavio López y Josan García. Quien me diría hace 10 años que acabaría compartiendo escenario (y baños en el mar) para hacer podcasts en directo hablando del cine que más nos apasiona.

Y no me quiero dejar esa cerveza improvisada con Oriol y toda la cuadrilla de Autotracking Fest (el mejor festival de la galaxia), poder compartir Lady Snowblood con mi querido Pou del canal Cine Fórum, de poder ver a Felipe Múgica, Albert Calvo, Iván de Crónicas de Deckard... Y muchos más que se me olvidan...

Oriental Paradiso estará de una manera u otra el año que viene. Mantengase a salvo y... ¡alegría y mucho cine!

CRÓNICAS DE SITGES 2026 (1/4)

Se acaba el verano, las vacaciones, el relax y el descanso. La vuelta a la rutina, el dia a dia, hunde a cualquiera pero siempre hay motivos para la alegría y animarte un poco más con "la vuelta al cole". Es acercarse octubre y uno ya siente un cierto cosquilleo en el cuerpo. Un cosquilleo cinéfilo y cinéfago. 

Nuevo Festival de Sitges, en su edición número 59. Cifras de vértigo. Un servidor lleva 21 años acudiendo al festival -7 de ellos como acreditado con Oriental Paradiso- y en efecto produce vértigo ver el inexorable y demoledor paso del tiempo. El adolescente ávido de cine de terror y fantasía ha ido viendo y viviendo pérdidas familiares, dificultosos accesos al mundo laboral, paternidades... El tiempo pasa, efectivamente. Por eso la cita anual a un festival como el de Sitges, que parece inalterable a ojos de uno, es un refugio vital diría. Un oasis donde dar rienda suelta a la pasión y la sed por descubrir y vivir el cine.

Un párrafo quizás algo melodramático pero ya se sabe, hay que tener la filosofía de tomarse la vida contra menos en serio, mejor. Y así es cuando uno se adentra en los siempre singulares y disfrutables terrenos cinematográficos de la India, porque inauguro el festival de la mejor manera con Half. Producción llegada de la pequeña pero matona Mollywood -la producción es en idioma malayalam y su base está en el estado de Kerala, al sur de la India-.

Half presenta a dos hermanos mellizos que son sorprendidos en medio del desierto por un grupo de maleantes que les asesinan brutalmente y les roban todo lo que llevan encima. La sorpresa viene cuando descubrimos que los hermanos tienen poderes vampíricos y regenerativos, por lo que la venganza no se hará esperar.

Half ha resultado ser un disfrute total y absoluto. Un filme de acción híper salvaje y sangriento que va directo a la yugular y no permite momento para el aburrimiento. De entre los coordinadores para las escenas de acción hay equipo que ya trabajó en películas como The night comes for us (2018)... y se nota mucho. El feel a western fronterizo, de aire casi post apocalíptico, diría, beneficia a una película muy divertida, cañera y con una selección musical de puro ritmo. Toda una sorpresa, sin duda. Buena manera de empezar el festival.

Jane Schoenbrun es una joven directora que con pocos trabajos ha logrado llamar la atención de muchos con un estilo muy personal y que sabe canalizar las ansiedades y preocupaciones de la juventud actual. Desde el contacto y relación con las nuevas tecnologías y las redes sociales así como la propia identidad y sexualidad. Ejemplo de ello lo tenemos en filmes previos como We’re all Going to the World’s Fair (2021), una propuesta de terror tecnológica de lo más singular.

Su nueva película, Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma resulta en una nueva vuelta de tuerca al genero slasher, más concretamente a las sagas Viernes 13 o Campamento sangriento con un alto componente meta a la vez que aprovecha para reflexionar sobre la supuesta misoginia del género o la relación entre espectador y película como elemento esencial en el despertar sexual y construcción de la propia identidad. Y es que resulta muy curioso como un subgénero tan denostado como ha sido el slasher, tratado de basura en los años 80, hoy dia sea objeto de recuperación, reivindicación y fuente de análisis y reflexiones. La deliciosa Final Girls (2015) vendría a ser ejemplo de ello.

Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma presenta un enorme cúmulo de ideas y reflexiones en un principio la mar de interesantes. Qué lugar ocupa el slasher en nuestros días, franquicias del cine mortecinas que aguardan una nueva oportunidad, presentar a un serial killer queer -y que lo enlaza con la maravillosa secuencia final de Campamento sangriento (1983)-, el género como fuente de despertar sexual, el mirar y el ser mirado, la ficción como construcción de nuestra identidad... Un cúmulo de ideas que en un principio resultan interesantes, no solo en su planteamiento sino en la estética y look de la propia cinta con escenarios artificiosos maravillosos y una Gillian Anderson estupenda... Pero a medida que la cinta avanza todas esas ideas se agolpan unas sobre otras sin parecer encontrar un camino claro, habiendo un aturullamiento evidente y que te dejan con la sensación de que la cosa no va a ningún lado. Pese a ello, una cinta interesante y que despertará amplios debates a su paso. Lo que si puedo decir es que me han entrado muchas ganas de recuperar toda la saga de Viernes 13...

Aquí somos mucho de películas con animales asesinos y monstruos gigantes. Siempre caen bien por lo que no podíamos perdernos Boiúna: La leyenda del Amazonas y que cuenta en su metraje con una anaconda de proporciones godzillianas y que actúa como dios de la gran selva. Ella decide quien vive y quien muere. Y así lo hará con un grupo de médicos voluntarios que se introducen en la jungla para ayudar a diversas tribus.

Una producción que me ha sorprendido personalmente siendo un filme de lo más distraído, que se beneficia de una ambientación seductora en el Amazonas con un peligro latente constante, no solamente por la anaconda de marras sino por insectos asquerosos, caimanes, arenas movedizas... Una presencia de la selva de lo más sofocante. 

Respecto a la serpiente gigante, sus apariciones están usadas y economizadas con inteligencia, utilizando los elementos del escenario -arbustos moviéndose, una presencia fugaz en el agua, el uso del fondo de plano- para creer que el monstruo se encuentra más presente de lo que realmente se muestra. Un acierto. Además la trama de la cinta se reserva algunos pequeños giros en lo que respecta a sus personajes -como los patéticos villanos iniciales- que benefician a la película. Una producción bastante distraída, como digo.

"Cosas de Monstruos" en directo con un especial sobre King Kong

Y tras la experiencia vivida el año pasado con el podcast "Cosas de Monstruos", con el que realizamos por primera vez un programa en directo en el Festival, se repitió la experiencia en el escenario del King Kong Area, bajo un dia estupendo y soleado y una afluencia de público bastante generosa. Si el año anterior, Octavio López, Josan García y un servidor -Adrián Roldán- desgranamos la filmografía de la tortuga Gamera, hemos hecho lo propio, esta vez, con el personaje de King Kong, emblema del festival. 

Un programa en directo en el que se repasaron por un lado las producciones clásicas del simio gigante desde su nacimiento en la maravillosa King Kong de 1933, sus remakes en 1976 -de la mano de Dino de Laurentiis- y 2005, con la visión del mito realizada por Peter Jackson. Tras un repaso a las aventuras japonesas del simio con King Kong contra Godzilla (1962) y King Kong se escapa (1967), se finiquitó el recorrido con el presente del personaje protagonizado por las sucesivas entregas del Monsterverse de Legendary. Una jornada maravillosa y de nuevo inolvidable, en la que pudimos ver a muchas caras conocidas y amigos. Coronada posteriormente con una hamburguesa a la sombra y un posterior baño en el mar que sentó de fábula. Podéis disfrutar del programa aquí.

NITS DE CINEMA ORIENTAL DE VIC: SESIÓN ESPECIAL FEBRERO 2026 by Mgda Inquieta

Film, remake, secuela y sorpresa en las Nits de Vic

Nos están malacostumbrando las Nits de @CinemaOriental de Vic y es que a todo lo bueno nos enganchamos pronto. Meses antes del festival empiezan a abrirnos el hambre con adelantos. Si esto no fuera poco lo acompañan con música, gastronomía y proyecciones difíciles de olvidar. Este año, 15 de febrero, durante la celebración del Nuevo Año Chino, realizaron una sesión especial. La proyección ¡¡¡en premier en España y en pantalla grande!!! de “The Shadow's Edge” (o “Escuadrón letal”), con la colaboración de @ypdistribution. Un éxito rotundo de acción y suspense que, con cinco nominaciones a los 44th Hong Kong Film Awards, nos cortó la respiración a más de uno.

Eye in the Sky (2007)

Como aquí lo que nos gusta es ver y hablar de cine, vamos a contextualizar a “The Shadow's Edge”. Primero, es una secuela. Continúa la historia unos años después del filme “Eye in the sky” (2007, Hong Kong) de Yau Nai-Hoy. Una película de culto en Hong Kong y con una gran impronta estilística del productor Johnnie To. Quizás también al revés. Y es que el director, Yau Nai-Hoy, es también el guionista de grandes filmes como “Election” (2005), “Throw Down” (2004) o “Drug War” (2012) de Johnnie To. La historia presenta el escuadrón de vigilancia “Ojo en el cielo”, un grupo de élite policial preparado para leer y recordar cada detalle. Dos bandos, ladrones y policías, se vigilan mutuamente mientras avanza el thriller. En un Hong Kong gris, descubrimos pistas, movimientos rápidos de cámara y grandes escenas de inicio a fin. Es un metraje intenso de 90 minutos que deja con ganas de más y es que consigue más con menos, dando mucho juego al thriller. La resolución de la operación finaliza en un filme redondo. No explico más por qué pasaría la línea del espoiler y el detalle de escenas. Sólo recomendaría que, si no la visteis, la apuntéis a la lista de películas pendientes.

Cold Eyes (2013), el remake coreano

Quizá por eso seis años más tarde aparecía el remake “Cold eyes” (2013, Corea del Sur) de Choi Ui-seok y Kim Byung-seo. Filme que también se exhibió en la 11ª edición del Festival Nits de Vic (2014). La versión coreana añadió 30 minutos, múltiples explosiones y un villano más crudo. Aunque Jung Woo-sung no tiene más clase que Tony Leung Ka Fai. La película trata sobre el sistema de vigilancia Argos, la metáfora sería un gigante de la mitología griega con cien ojos. El relato muestra los encuentros y desencuentros entre polis y cacos. Hay más efectos especiales, más persecuciones de coches y más actores atractivos a golpe de bisturí. Aunque mantuvo el mismo guionista, Yau Nai-Hoy, cuenta con notables diferencias de estilo. El thriller tiene una excelente ejecución, pero los personajes se sienten algo fríos. Quizás también fuera que no me podía sacar “Eye in the sky” de la cabeza.

Con esa mezcla de sensaciones subía a Vic el 15 de febrero. Con gran expectativa por una película que giró por medio mundo en el 2025 y que los medios de comunicación la tildaban con "las mejores escenas de acción", a cargo de JC Stunt Team. “The Shadow's Edge” (2025, Hong Kong) de Larry Yang transcurre años después. Los policías chinos -mega cracks- vigilan Macao a través de Skieye, alta y última tecnología de seguimiento por cámaras. ¿Se termina aquí la trama? Claro que no. El hackeo del programa trunca la operación y se ven obligados a solicitar los servicios de Wong, un agente retirado experto en rastreo a la antigua usanza. Éste no es sino Jackie Chan. A golpe de música Lounge Jazz-Funk, introduce humor entre persecuciones y luchas aceleradas. Aquí los ladrones van por delante y la policía siguen sus pasos como pueden. Pero a menudo te preguntas: ¿quién vigila a quién? El juego del gato y el ratón gira la tortilla más de una vez. Nada es lo que parece y dentro de ambos bandos hay divisiones, envidias y marrones de los grandes. 

El guion sigue a tres personajes clave sin perder la dirección, la profundización y aumento de la tensión. Es más, añaden un color humano que equilibra con las escenas de pura acción. Jackie Chan con un papel entrañable pero implacable, Wendy Zhang como la nueva generación que se abre paso y Tony Leung Ka-Fai pletórico, de nuevo impecable como malvado aún más despiadado. El suspense y la acción se mantiene todo el filme, pero es que además se añade una batalla final adrenalínica, con música épica y en la que todo vuela por los aires. Por si aún quedaba algún rincón de tu cuerpo por extasiar. La última propuesta del sky eye está llena de ingenios, reflexiones sobre el “relevo” generacional e, incluso, puntos de coincidencia con el largometraje de 2007. Estas escenas son mágicas, conectando con el primer film; satisfaciendo la nostalgia y las ganas con las que nos habíamos quedado.

Si te perdiste esta pedazo sesión a mediados de febrero en pantalla grande en el Espacio Etc de Vic es un desconsuelo. Aun os sigue la fortuna porque "Escuadrón letal" está en las plataformas Movistar Plus+ Ficción Total y Rakuten TV online. Y lo que sí estáis a tiempo de ver en directo es la última noticia de las Nits de Vic!! El próximo sábado 11 de abril a 17h en Espai ETC de Vic habrá un adelanto de programación, el cartel del festival en primicia, un pequeño tentempié asiático y una proyección sorpresa. Nos han seducido con varias pistas irresistibles: "filme de 1996 que ha estado más de dos décadas fuera de distribución. Una joya recuperada que combina con pericia el realismo social, el compromiso feminista y la sensibilidad de la fábula". ¿Pero hace falta algo más para coger un billete hacia Vic?

Parafraseando a Carlos Vives: ¡somos tus consentidos y que lo sepa todo el mundo!

CRÓNICAS DE SITGES 2025 (4/4)

Es de sobra bien conocida mi pasión por los monstruos gigantes y el tokusatsu, palabra que engloba a esas producciones fílmicas japonesas donde el uso intensivo de efectos especiales tomaba mucho protagonismo y que más tarde pasaría a ser una etiqueta para englobar a toda la oleada de superhéroes nipones que surgieron a partir de los 60 en adelante con Ultraman, Kamen Rider, Super Sentai y demás a la cabeza.

En 2022 surgió un proyecto de lo más marciano. Rendir homenaje a la carrera y vida del artista surrealista japonés Taro Okamoto convirtiendo su obra en una serie de cortos tokusatsu que combinaba el más bizarro humor y poder alucinatorio con monstruos y héroes que se referian a la obra de Okamoto. El proyecto tuvo tanto éxito que ahora tenemos la película: Taroman Expo Explosion.

Taroman Expo Explosion es una experiencia radical, alucinada y alucinógena. Sin duda una de las películas más locas y bizarras de las que se han proyectado este año en Sitges. El filme propone un homenaje sincero y con mucho cariño a todo el tokusatsu televisivo de los 70 añadiendo muchísimo humor absurdo y surrealista combinado con un carácter visual que imita y refiere a las series de antaño. 

Hay un prólogo hilarante ambientado en la exposición de Osaka de 1970 y todos los tics visuales y gags se refieren a las series de Tsuburaya de aquel entonces (el 4/3, imperfecciones de la imagen, pausas publicitarias, personajes arquetípicos) para luego saltar la trama a un imposible viaje al futuro hasta 2025 acompañados de un cyborg. Explosiones de color, alucinantes momentos de musical, efectos especiales tradicionales con maquetas, disfraces y juguetes colgando de cables aderezado con pausas publicitarias y continuas referencias a la obra y frases del artista Taro Okamoto. Sin duda Taroman es una obra marciana e irresistible, muy imaginativa y una experiencia de lo más única y radical no apta para todos los paladares pero que ha supuesto toda una sorpresa.

El director Yuta Shimotsu sorprendió hace un par de años con Best wishes to all (2023) la cual supuso una bocanada de aire fresco para el J-Horror con un filme lleno de personajes bizarros, situaciones extrañas y un alucinante uso del espacio para generar terror e inquietud. Ahora Shimotsu nos trae su siguiente trabajo; New Group.

New Group no supera al anterior filme de su director pero si es un trabajo sin duda fascinante, bizarro e inquietante. Una premisa de lo más ácida y con mala baba, ya que la fuente del terror surge de cómo el poder de la masa y el "borreguismo" destruye todo atisbo de individualidad y la película lo representa desde los cimientos de la sociedad como es la escuela por medio de unas demostraciones gimnásticas increíbles y muy bizarras. Quien se niegue a formar parte de la enorme estructura piramidal es asesinado. Los protagonistas de la historia deberán defender su individualidad y luchar contra la masa que los oprime. 

El filme no es sutil en su mensaje pero supone un trabajo de lo más curioso, fácil de ver y fascinante ya que la inquietud en el espectador se genera a raíz de comportamientos imprevistos y la gimnasia extraña. A medida que el problema se acrecenta el terror es llevado casi a un punto cósmico. Es fácil ver una crítica hacia esa mentalidad de colmena y "todos a una" que transmite la sociedad nipona pero además esta idea se extrapola hacia el estado de nuestro presente con retos virales estúpidos y todos actuando como borregos a través de las redes sociales. Crítica social, terror bizarro y un tratamiento visual de lo más cuidado hacen de esta New Group un filme de lo más rescatable y curioso. Espero con ganas con que nueva locura nos sorprenderá Yuta Shimotsu en el futuro.

Celebro con mucha alegría la fabulosa remasterización en 4K que han hecho de una de las obras más importantes de Mamoru Oshii como es Angel's Egg (1985).

El filme nos sitúa en una ciudad sumergida donde una niña cuida con devoción un gran huevo entre sus brazos, convencida de que pertenece a un ángel, hasta que aparece un hombre con un extraño artefacto al hombro y la sigue allá donde va.

Angel's Egg es uno de los trabajos fundacionales de un director que revolucionó el anime de los 80 y 90 gracias a obras como Patlabor (1989) o Ghost in the Shell (1995) y que con Angel's Egg propuso un trabajo suicida desde el punto de vista comercial. Un filme casi experimental de un muy marcado substrato católico (de hecho Oshii se enfrentó a sus propias creencias y religión y sus contradicciones en el presente filme de una manera muy personal) presentando una animación increíble de un detallismo fascinante, sin apenas diálogos y donde el significado en la imagen prevalece frente a explicaciones. Una experiencia mística, espiritual y donde la intuición como espectador es bien importante para que cada uno saque sus propias conclusiones. Una historia de proporciones bíblicas, apocalíptica y misteriosa. En resumen, un filme fascinante y que aún sigue provocando las mismas reacciones en el espectador que hace 40 años. Algunos espectadores distraídos salían de la proyección del Auditori Melià exclamando "no he entendido nada... ¡nada!". ¡Pero esto que es!, decía otro.

Uno de los grandes invitados del presente Festival de Sitges ha sido Enzo G. Castellari, todoterreno de la industria cinematográfica italiana y uno de los emblemas de lo que supuso la exploitation italiana en los 70 y 80. Uno de los motivos de su presencia en el festival fue presentar y participar en la proyección del documental Aquel último tiburón, nuevo trabajo de Victor Matellano y Ángel Sala los cuales rinden tributo al director italiano y a una de las películas más importantes de su carrera como fue L'ultimo squalo (1981) la cual se estrenó en España directamente como "Tiburón 3" haciéndose pasar como una continuación oficial de la saga "Jaws". El estreno del filme por todo el mundo y su éxito provocó una reclamación por plagio de la Universal, paralizando su estreno y prohibiendo su comercialización en Estados Unidos.

L'ultimo squalo es una de las grandes culminaciones y muestra perfecta de lo que supuso el fenómeno de la exploitation italiana de la época. Se trata de un filme de evidentes valores, aire muy divertido, salvaje y además eficiente a nivel de efectos especiales contando con un animatrónico enorme de un tiburón para las escenas en el agua. El documental explora la elaboración de dicho filme y la posterior polémica que suscitó aunque si bien echamos en falta una mayor chicha en ese sentido esperando, quizás, datos que no se conocían o que no se habían contado hasta ahora. No siendo así. 

Toda la polémica que suscitó la película ya era una historia bien conocida y el documental no aporta mucho más a ese sentido, teniendo por momentos un carácter de un audiocomentario de la propia película italiana del enorme escualo. Pese a la poca chicha a la que acuso al documental éste funciona más como reivindicación de un director esencial y una manera única de hacer cine en Italia. En ese aspecto el filme funciona. 

La proyección del documental se coronó con un Q&A magnífico acompañados de Victor Matellano, Ángel Sala, Fabiola Toledo y el mismo Castellari que con 91 años, ya de vuelta de todo, demostró estar por encima del bien y del mal. "Me encanta este Festival porque se come estupendamente. Hay otros festivales que me invitan y digo que no. Pero a éste siempre intento venir". Eso dijo la noche anterior en el Melià. Genio y figura.

Los blockbusters chinos han llegado a un nivel de producción y medios en estos últimos años verdaderamente encomiable. Ejemplos los hay como las dos partes de The Wandering Earth, Skyfire... Y es que con el gran estado de salud del cine chino y su respuesta en la taquilla es relativamente fácil poder invertir una gran cantidad de dinero en una producción si éste luego se va a corresponder con 500 millones o 800 millones de recaudación. Y da igual si sale o no allende las fronteras chinas. Que más da. Se ha recuperado sobradamente la inversión.

Cesium Fallout se enmarca dentro de esta serie de blockbusters chinos. Un producto marcadamente espectacular, con grandes estrellas y un ritmo trepidante.

En una planta de reciclaje de Hong Kong, un incendio masivo destapa una crisis de radiación causada por el contrabando ilegal de basura. Un asesor gubernamental, un ejecutivo y los bomberos se embarcan en una misión de alto riesgo para mitigar el desastre.

Algo tienen estas cintas de catástrofes y desastres que pese a que siempre te llevan por los mismos tópicos y lugares comunes (protagonistas con sus dramas familiares y personales, reuniones de despacho muy tensas y sacrificios finales) me resultan cómodas y reconfortantes en su visionado. Cesium Fallout remite a un suceso real como es la libre entrada sin revisión de mercancías en el puerto de Hong Kong. En este caso es un cargamento no revisado que provoca una crisis derivada del esparcimiento de materiales tóxicos y radiactivos provocando un incendio sin fin y el peligro de convertir toda Hong Kong en un lugar inhabitable. Un cementerio provocado por la radiactividad. 

Las escenas de desastre y efectos con fuego están realizadas con el suficiente nervio y espectáculo y además el ritmo de la película está bien balanceado sin demasiados bajones que te aparten la mirada de la pantalla. El protagónico de la súper estrella Andy Lau (inmortal él) como gran experto en crisis de emergencia lleva con soltura la narración manteniendo eso si, los momentos lacrimógenos, el melodrama de sobremesa y todos los tópicos anteriormente comentados inherentes al presente subgénero. A pesar de ello Cesium Fallout resulta una cinta de lo más entretenida y espectacular, recomendable para los amantes del cine de catástrofes y emergencias nacionales.

Y hasta aquí el Festival de Sitges 2025. Gracias por haber leído hasta aquí las humildes crónicas de este blog. Unos días estupendos, donde siempre me encuentro con conocidos y amigos del medio pero que como es habitual pasan en un suspiro. Estos días también he estado participando con mis queridos amigos del canal Cine Fórum, realizando algunas video reviews de las películas visionadas. Las tenéis disponibles en su canal de Youtube. 

Nos vemos el año que viene. Oriental Paradiso seguirá ahí. Gracias y tengan cuidado ahí fuera.

ASIAN FILM FESTIVAL BARCELONA: RECOMENDACIONES (PARTE 2) by Mgda Inquieta

Asian Film Festival Barcelona y sus thrillers (2a parte)

Dado el talante del Asian Film Festival Barcelona (AFFBcn) hacia dramas, cine independiente y experimental, las cintas orbitan en lo que es el género thriller social, donde el suspense se usa para mostrar opresiones creadas por la desigualdad social. Este subgénero utiliza características de ambas categorías en favor de la trama. Por un lado, la crítica de problemas con una trama realista y creíble, a veces basada o inspirada en hechos reales, por otro lado, tropos del cine negro que aumentan la tensión y la sensación de terror. Por un lado, un protagonista o protagonistas que son afectados por alguna causa y luchan contra una injusticia del sistema, por otro lado, un antagonista poderoso o también una institución o grupo social influyente.

El suspense sirve para llamar la atención sobre abusos de poder, la corrupción o los privilegios de clase, a menudo con un tono oscuro y pesimista cercano al cine social. De hecho, no pocas de estas películas del AFFBcn se encasillan en el drama social, con el centro en la crítica a la sociedad cínica y corrupta, nuestra participación por desconocimiento o complicidad y las situaciones generadas.

Desde Oriental Paradiso continuamos detallando aquellos largometrajes de la recta final del AFFBcn de Casa Asia. En los últimos cuatro días (6 al 9 noviembre) es donde se concentra el mayor número de películas de la programación. Desde las 10h hasta las 22h hay proyecciones casi non stop, así que si os apetece hacer una maratón del AFFBcn es vuestro momento.

Jueves 6 de noviembre a 10h ya hay la primera película a recomendar. ‘Pooja, Sir’ (2024, Deepak Rauniyar) del Nepal. La inspectora Pooja es enviada a una ciudad fronteriza para resolver el secuestro de dos niños. Se mezclan en la investigación un ambiente de misoginia, protestas sociales y inestabilidad política que le añade tintes sociopolíticos a este drama policíaco. La película se centra en todo lo que hace la protagonista para resolver el caso, a la vez que se adentra en la discriminación social imperante. Recuerda a ‘Secretos de un crimen’ (2024, Sandhya Suri), estrenada el año pasado, o ‘Sherni’ (2021, Amit Masurkar) de India, esta última con un brillante guion intrincado de Aastha Tiku que apenas dejaba respiro.

En este thriller de Asia del Sur, el director Deepak Rauniyar se inspiró en unos hechos reales del sur de Nepal durante las protestas de 2015. Asiduo a festivales europeos como Berlinale, Róterdam, Locarno, Venecia, apenas se han estrenado aquí sus anteriores filmes, Highway (2012), Sol blanco (2016) o Windhorse (2023). La marcamos en nuestra selección.

Seguido puedes pasar a Asia occidental para ver ‘The witness (Shahed)’ (2024, Nader Saeivar) de Irán. Esta vez la protagonista es un testigo. Tarlan, una profesora de danza jubilada es testigo del asesinato de su amiga en manos de su marido, una figura importante del gobierno. Emprendiendo una lucha contra la presión política y social en nombre de la justicia. 

Con coguionista a Jafar Panahi, quizás tire más al drama que al thriller. Recopilar información sobre películas que aún no vi es siempre arriesgado, no estoy del todo segura hacia donde tira. La incluí porque se llevó el premio del público en Venecia y también por mostrar la valentía de Tarlan en la denuncia del feminicidio, en honor a todas las personas de y en Irán que no se callan ante una injusticia, pese al alto precio de revelarse.

La última del día es la séptima y última película de Donnie Yen como director. Totalmente diferente a las anteriores que citábamos, ‘The prosecutor’ (2024, Donnie Yen) es una película judicial y de acción hongkonesa. Es realmente una película con mucho drama y diálogo legislativo, ya que es la inspiración libre en un caso de narcotráfico de 2016. Pero Donnie Yen le da un añadido con una trama que bascula entre la ley y las hostias bien dadas. 

Director y también protagonista, comienza con una escena de redada y tiroteos que te deja high level. Después de la batida no está cansado por los moratones de la pelea, como estaríamos el resto de los mortales, sino por ver que los delincuentes quedan libre pronto. Ahí es cuando decide estudiar para sacarse la carrera de fiscal, debate con sus compañeros y mantiene su objetivo. El primero es un caso alargado y lleno de negligencias en las que un joven es acusado de narcotráfico injustamente. Para ello no solo tocará discutir en los tribunales, sino que también entrar en altercados con la red criminal y sus intereses. ¡La película que quieren todos! 

En el Festival Nits de Cinema Oriental de Vic salimos maravillados, rememorando la pelea en el metro. Una escena alargada, pero es impresionante, con varios personajes y armas diferentes, donde Donnie Yen lo da todo. Así que no hubiera importado si duraba algo más, porque estábamos alucinando. 

Bajamos de las nubes para continuar con propuestas de otros confines y estilos. Viernes 7 noviembre tenemos ‘Deep in the mountain’ (2025, Li Yongyi) de China. Uno de los peores sitios donde desaparecer sin duda y no por la fiereza de los vecinos de la remota aldea de Maniao River. La historia pasa en la década de los 90. El camionero Yang Zhaowei y su camión desaparecen en un paso de montaña, su hija reclama sin mucho éxito ayuda en el puesto de control más cercano. Menos Yao Sichen, un agente de un puesto de control, que decide ayudarla en la búsqueda. Se adentran en la montaña donde hay un espeluznante restaurante local y una comunidad con muchos jefes y supervisores que no reconocen la autoridad de Yao Sichen. 

Ahí la trama se lía a unos niveles inauditos; debatiendo, apresando, liberando, volviendo a apresar, confrontando y hasta una tregua para una comitiva festiva. La investigación continua con mil y un obstáculos hilarantes que sacan más de una risa. Del debut del director Li Yongyi destacaría un guion enzarzado, los personajes cómicos de la remota aldea y el gran trabajo de montador. Y es que Li Yongyi es montador de cine desde 2007 y obtuvo el premio al Mejor Montaje en la 15ª edición de los Premios del Cine Asiático por Cliff Walkers. Detalles que se notan y se disfrutan en Deep in the mountain.

El penúltimo día trae una película noir con pinta algo enigmática. Ríos de metrajes provenientes de Asia se han dedicado a la venganza y parece que el leitmotiv tiene larga vida. ‘Silent city driver’ (2024, Janchivdorj Sengedorj) de Mongolia. 

El suspense se cierne en una ciudad donde reinan la corrupción, los escándalos y la injusticia. Myagmar, un expresidiario, vive marcado física y emocionalmente por los años en la cárcel. Todo cambia cuando empieza a trabajar como conductor de coches fúnebres y conoce a Saruul, un monje budista, y a la hija de un fabricante de ataúdes. Cuando Saruul es víctima de acoso mediático, Myagmar se embarca en una búsqueda de venganza, decidido a llevar la justicia a un mundo fracturado.

Premio Grand Prix a la Mejor Película en el Festival de Cine Black Nights de Tallin (PÖFF) 2024, Silent city driver mezcla muchos elementos. Al thriller de venganza se le suma la ética budista, ciudad como infierno en vida y una redención inalcanzable. Extensa y a un ritmo pausado, quizás no apta para todos los públicos.

Último día y última película del festival nos vamos con un director asiduo al AFFBcn y los festivales alrededor del mundo. ‘Moor’ (2024, Adilkhan Yezhanov) de Kazakhstan. Después de Ulbolsyn, Yellow Cat, Goliath y Steppenwolf llega esta vez con un western urbano. 

Un veterano de guerra regresa a una ciudad llena de corrupción y delincuencia. A lo “Rambo kazajo” ese curtido ex-soldado llega sin nombre, ni dolor, ni misericordia. Una misión, proteger su familia. En contra, muchos enemigos vengativos. Solo una elección: matar o ser asesinado. Adilkhan Yezhanov procurado darle al largometraje un estilo elegante, todo para crear a una atmósfera cruda y desenfadada. 

Leímos por ahí en alguna crítica que “el villano principal es un cretino carismático”, creando escenas espectaculares cuando se topa con el protagonista. Un humor y forma de llevar la acción un tanto peculiar, este es el último thriller del AFFBcn2025.

Otras películas con suspense serían: ‘6 AM’ (2024, Mehran Modiri) de Irán, donde la policía irrumpe en una fiesta de despedida y la trama escala a una persecución por callejones y edificios, ‘Teach me’ (2023, Shyam Fernando) de Sri Lanka en la que un padre elabora un plan estrambótico para cambiar el sistema educativo que acaba con persecuciones policiales en medio de la montaña y ‘The song suskhotin’ (2024, Jhusnora Rozmatova) de Uzbekistán, sobre un funcionario que decide interponerse en una comunidad para hacer justicia por una violación. Más hacia el drama social o thriller social, estas u otras películas, el AFFBcn cuenta con una extensa filmografía a explorar.

Más información en: https://asianfilmfestival.barcelona/2025/es/

CRÓNICAS DE SITGES 2025 (2/4)

Ya lo advirtió Ángel Sala unos días antes. Desde Hong Kong, The Furious prometía ser una de las mejores cintas de artes marciales de los últimos años. Un espectáculo de puro frenesí. Y efectivamente así ha sido. En estos últimos años hemos tenido diversas cintas que han revolucionado el genero de acción y de las artes marciales. Por un lado, Gareth Evans y su dupla de cintas de The Raid o Timo Tjahjanto con su memorable The night comes for us, por citar varios ejemplos. The Furious se puede unir sin ningún problema, es más casi está por encima, de ese ya legendario grupo de películas.

Rainy, hija del experto en artes marciales Wang Wei, es secuestrada por una red de tráfico de menores. En un frenético intento de recuperarla, el padre se lanza a la guerra, enfrentándose a numerosos obstáculos mientras lucha contra criminales y policías corruptos. En el camino conoce a Navin, un periodista en busca de su esposa desaparecida. Ambos despliegan sus habilidades de combate mientras aprenden las virtudes de la confianza mutua.

The Furious es la Capilla Sixtina del cine de tullinas. Es “El padrino” de las artes marciales. Lo que logra Kenji Tanigaki (director pero además director especializado en las escenas de acción, ahí está su magnifico trabajo en Twilight of the Warriors) es por un lado crear una cinta que no da ni un minuto de respiro con una seguidilla de escenas de acción de aúpa que orbitan alrededor de una trama simplificada al máximo pero efectiva. La excusa del secuestro de la hija del protagonista y su posterior rescate es la excusa perfecta para unas escenas de artes marciales con unos coreografías salvajes y una planificación adrenalínica.

Acompañado de Xie Miao. Muy simpático.

Desde hostias que arrancan cabezas, peleas en una furgoneta en marcha, todos contra todos, peleas con bicis... El festival de tullinas es agotador y extenuante pero en el mejor de los sentidos. Entre el reparto encontramos a varias caras conocidas de los filmes de The Raid o The night comes for us como es el estupendo Joe Taslim y Yaya Ruhian. Y de protagonista tenemos al mítico Xie Miao (o Tse Miu) como artista marcial mudo. Miao lleva trabajando desde niño y cuenta con trabajos como La leyenda del dragón rojo (1994) con Jet Li.

Sin duda The Furious es una de las cimas del género de acción y de artes marciales. Una cinta tremendamente gozosa, salvaje y adrenalínica. Ni un segundo de aburrimiento te ofrece la cinta. El pase en un Auditori Melià a reventar con toda la audiencia gozando con la película fue algo inolvidable.

Bastante expectación había por Good Boy y la verdad es que la premisa a primera vista, sobre el papel, parecía curiosa y atractiva como era el de presentar la clásica historia de casa encantada, con sus fantasmas y aparecidos pero visto desde el punto de vista de un perro.

Como digo, Good Boy parte de una premisa bastante curiosa pero que a los 5 minutos de película ya ves que se queda en eso; en un experimento. Desde aquí quiero destacar enormemente la pericia y entrenamiento del perrete Indy, verdadera estrella de la cinta y que contó con una preparación de casi 2 años por parte del director, Ben Leonberg. Pero, pese a ello o al evidente gran trabajo de iluminación de la película y el uso de las luces y sombras... pese a todo ello la cinta se antoja sosa y bastante aburrida en general. 

Simplemente porque repite los mismos clichés y sustos ya vistos muchas veces en el último cine de fantasmas pero ahora los sufre un perro. Además, dichas apariciones o forma de crear el terror tampoco es que resulte muy apasionante siendo algo más blandito y con poca chica. Todo ello hace que sus a priori agradecidos 70 minutos se hagan muy pero que muy largos. Una cinta curiosa como digo, loable en sus aspiraciones destacando aspectos técnicos (aún habiendo costado 900.000 dólares la producción) pero se queda en un experimento bastante soso y con poca chicha.

Desde Noruega nos llega una de las propuestas más divertidas y gozosas de este Festival de Sitges 2025. La hermanastra fea retuerce la clásica historia de La Cenicienta centrándose en su hermanastra malvada Elvira y el camino que ha de recorrer para ser una mujer perfecta y así conquistar al príncipe del reinado.

La hermanastra fea, al igual que hizo el año pasado La sustancia (con aún mayor fortuna, hay que decir) disecciona, muestra y critica con salvajismo y mucha comedia negra las exigencias físicas a la que son sometidas las mujeres a lo largo de su vida. La pobre Elvira es sujeta a diversas operaciones, transformaciones y prácticas discutibles para alcanzar el físico exigido y así ser digna del rey. Todo ello está realizado con unas intenciones salvajes pero a la vez empapadas de mucha acidez y comedia negra. 

No solamente el filme se queda en el festival de momentos extremos sino que además presenta un nivel de producción encomiable. Con un exquisito gusto a la hora de plasmar el aspecto visual de la cinta con unos decorados y vestuario muy notables. Con algún sorprendente y visceral momento sexual explícito (ese momento en el granero con Cenicienta), un ritmo bien dosificado, una elegante plasmación formal y secuencias extremas que despiertan el aplauso del respetable, La hermanastra fea resulta una muy gozosa propuesta de género la mar de recomendable.

En Sitges llevamos unos cuantos años encadenando varios filmes japoneses independientes con las paradojas y los bucles temporales como premisa principal. Ahí están las muy simpáticas Beyond the infinite two minutes (2021) o River (2023), ambas de Junta Yamaguchi para atestiguarlo. Exit 8, basada en el videojuego “The Exit 8”, lleva un paso más allá la temática de los bucles ofreciendo además una relectura llamativa del terror japonés.

El filme sigue a varias personas anónimas las cuales se encuentran atrapados en una estación de metro. D este bucle constante solo pueden avanzar de nivel cuando detectan una anomalía en el lugar y seguidamente vuelven sobre sus pasos. La única manera de escapar es llegar hasta la salida 8....

Exit 8 es un filme curioso, que traslada literalmente el mundo y reglas del videojuego en el que se basa al medio cinematográfico. En ese sentido gran parte del filme se antoja reiterativo y repetitivo pero digamos que ahí radica la gracia del asunto. Ver atrapados en un metro a un salary man o a un joven frustrado, típicos japoneses que ya de por sí, su día a día ya resulta una constante repetición (casa-trabajo-casa...) pues tiene cierta gracia. Es remarcable además la capacidad inmersiva de la cinta invitando al propio espectador a buscar junto a los protagonistas las posibles anomalías del espacio.

El terror se introduce poco a poco y la inquietud radica en las pequeñas diferencias del espacio en el que se mueven los protagonistas o los extraños personajes que realizan un mismo ciclo sin cesar. En ese sentido el filme resulta extraño, misterioso y remarcable a la vez que realiza una reflexión sobre los temores de la paternidad en donde se centra (para variar) en las dudas y miedos de un joven que recién se entera que va a ser padre (y su pareja es la preciosa Nana Komatsu nada menos, quien realiza unos breves cameos). Así Exit 8, no pasará a la historia pero si es una muy curiosa cinta que supone una pequeña bocanada de aire fresco para el terror japonés.

Ojo al proyecto. Filme de Singapur y con producción multi-internacional viéndose mezcladas la misma Singapur, Indonesia, Japón y el Reino Unido (ni el G8, oye). Filme ambientado en los últimos años de la II Guerra Mundial y que viene a ser una coctelera entre Infierno en el Pacífico (1968), un poco de drama bélico, un poco de survival y mucho de monster movie con pinceladas de Predator. Esto es Orang Ikan (2024), o Monster Island, para los amigos.

El filme se ambienta en el Pacífico, en 1942. Un soldado japonés y un prisionero de guerra británico se encuentran varados en una isla desierta, perseguidos por una criatura mortal. Dos enemigos acérrimos deben unirse para sobrevivir a lo desconocido.

Monster Island parte de una premisa muy potente. Introducir el contexto de la II Guerra Mundial con 2 soldados enfrentados teniendo que sobrevivir en una isla con un primo de La criatura de la laguna negra. Pese a lo potente de la premisa el filme peca de una realización bastante torpona en el que inexplicablemente encontramos algunos fallos de continuidad entre planos, saltos de eje además de un exceso de movimiento de planos en los momentos de diálogo innecesarios. Eso si no hablamos de lo justo de las interpretaciones de la pareja protagonista.

Aún así el filme me ha resultado bastante simpático. No solamente la trama y el conflicto planteado resultan sugerentes llevando la historia del trauma de la guerra a los relatos de marineros sobre criaturas misteriosas sino que además se tiene el suficiente mimo para que la criatura esté realizada a la vieja usanza; con un hombre disfrazado. Aunque sus escenas no sean para tirar cohetes el filme nos regala algunas gozosas y sangrientas secuencias de muertes que levantaron algún que otro aplauso.

Monster Island resulta una cinta entrañable y simpática. Una coctelera divertida (aunque torpe) entre el cine de explotación (veo un poco del Cirio H. Santiago de La bestia ha vuelto (1987), también con un hombre pez) con el cine más serio como el bélico.