THOSE WERE THE DAYS (2000)

La saga Young and Dangerous da para mucho y los productores de la franquicia, ni cortos ni perezosos, arremetieron con una serie de spin off's y precuelas para complementar el universo mafioso de la saga. Como he comentado anteriormente en el blog, dichos spin off's son incluso mejores que las entregas de la saga madre por su general tono directo y crudo además de acabar de rodear a los personajes de un aire trágico y casi nihilista. Ya analizamos la muy notable Young and Dangerous: The Prequel (1998), pero es que ahora toca una de las joyas de la corona; Those Were the Days (2000), spin off centrado en el mejor personaje del universo Young and Dangerous: Chicken.

El filme funciona como precuela a la vez de spin off y cuenta tanto la infancia como adolescencia de Chicken hasta que se une a la mafia de Hung Hing. Todo ello conectado con el romance que mantiene el joven junto a Gee, su vecina. Una muchacha responsable y aplicada que parece no encajar en tan desesperanzador barrio. Chicken se enfrentará a un gran problema y es que Gee odia todo lo relacionado con las tríadas ya que su padre se unió al grupo criminal años atrás.

Estrenada el 31 de marzo del año 2000, Those Were the Days narra todas las vicisitudes y dificultades del pendenciero y juerguista de Chicken. La cinta resulta verdaderamente notable, principalmente por rodear a su personaje definitivamente de un halo trágico y fatalista que sienta de fábula a toda la producción, rodeando a sus imágenes de un aura melancólica muy acertada. Es de recibo advertir que la presente Those Were the Days explota más el drama y el romance trágico que no la acción, encontrando un gran equilibrio entre el trasfondo mafioso y el drama humano intimista. Y es que el nexo principal en la trama es el gran amor de Chicken con Gee y como este va dando tumbos a lo largo de los años. De nuevo, la representación de los barrios donde conviven los protagonistas, siendo de lo más bajo de la moderna Hong Kong, resulta excelente. 

En ese sentido destaca el trabajo de su director, Wai-Man Yip (quien ya había dirigido en 1998 la muy recomendable Portland Street Blues, el spin off de "La hermana 13") y quien resulta muy hábil a la hora de crear imágenes sugerentes y de gran fuerza, rodeándolas de un aura meláncolica, como de un recuerdo lejano pasado. Destacan momentos tales como Chicken y Gee en la azotea del edificio donde viven (primero como niños y luego como adultos) o esos meses de exilio para Chicken ocultándose en un casa sobre un río, hogar de una pareja de hermanas. Jordan Chan está excelente en el filme y aún interpretando a su personaje en sus años de adolescencia sale airoso y no cae en el ridículo. Destacar además a su compañera de reparto, Gigi Leung, además de cameos de personajes de la saga como Nam, Fatty, la hermana 13 o Tai Fei.

Those Were the Days (2000) explota el drama y el romance en un contexto mafioso siendo una cinta más centrada en las emociones y el desarrollo de personajes que en la acción siendo definitivamente un muy notable homenaje al que es el mejor personaje de la franquicia, coronado además con un tramo final explosivo y que te rompe el alma.

YOUNG AND DANGEROUS: THE PREQUEL (1998)

El universo de Young and Dangerous no se quedó en la saga madre formada por 6 entregas, realizadas entre 1996 y el año 2000, sino que animados por el gran éxito en taquilla de la saga se realizaron toda una seguidilla de spin off entre otros productos que expandieran el mundo mafioso presentado en la serie central de películas.

Estrenada el 5 de junio de 1998, Young and Dangerous: The Prequel (1998), cuenta las andanzas de la tropa de protagonistas de Young and Dangerous en sus años adolescentes, momento en el que hacen sus primeros contactos en el mundo criminal y las tríadas para lo que empiezan a trabajar para el que sería su primer gran jefe y referente: Bee.

Como toda la saga, el filme viene dirigido por Andrew Lau y para mi gran sorpresa, Young and Dangerous: The Prequel se erige como una de las mejores entregas sino la mejor, del gran ciclo mafioso "joven y peligroso". Se trata de un filme que recupera el tono sucio, duro y violento que ya se apuntaba en la primera Young and Dangerous (1996), pero llevándolo un paso más allá, cosa que es de agradecer. 

El cast adolescente que interpreta a las versiones juveniles de Nam, Chicken, Fatty... resultan hasta más acertados y "vivos" que las versiones adultas interpretadas por Jordan Chan, Eking Cheng... dotando a sus personajes de una gran simpatía y veracidad. En ese sentido, Nicholas Tse crea un Nam más apreciable, con más matices y que aparece mejor perfilado realizando un camino de crecimiento y madurez interesante. Al igual que Sam Lee, con su particular versión adolescente de Chicken, más inocente, enérgico y más caliente que el palo de un churrero. Como curiosidad, Jordan Chan y Sam Lee fueron co-protagonistas de la comedia Bio-Zombie (1998), estrenada el mismo año y que le añadía aún más cachondeo a la película. El filme, además, cuenta con la presencia de grandes estrellas como Shu Qi o Frankie Ng. Una delicia. Además de cameos de personajes de la saga que nos dan una idea de lo tremendamente bien guionizado de todo este universo mafioso ya que, en un momento accidental, aparece "La hermana 13", justo en un marco temporal que cuadra con un momento de Portland Street Blues (1998), el spin off de dicho personaje.

Resulta muy atractivo el universo social creado en la película presentando un barrio de lo más degradante en donde las posibilidades de futuro son nimias para los jóvenes que malviven allí. La fuerte presencia de las tríadas en el lugar genera una fascinación e idealización hacia el mundo criminal por parte de estos jóvenes y que los llevará a introducirse en bandas siguiendo estos sueños de rápida prosperidad, riqueza y éxito. Por supuesto, el camino no será nada fácil.

El filme resulta notable en esta plasmación social de los barrios pobres de Hong Kong, el uso de la cámara así como del grano en imagen ayudando al directo estilo visual de la cinta, eliminando estilizaciones y ganando en realismo y crudeza. Las escenas de acción también salen ganando y siguiendo el estilo más directo de la cinta éstas no son tanto a disparo limpio habiendo grandes reyertas y peleas a cuchillo o machete.

Young and Dangerous: The Prequel es una notable cinta que recupera las bases más crudas de la franquicia, recuperando bajeza y suciedad, eliminando estilizaciones y explotando aspectos únicamente perfilados en la primera Young and Dangerous y de una manera muy interesante. Toda una sorpresa esta historia, ambientada en los 80, de la odisea de unos pobres chicos con la cabeza llena de sueños para prosperar en el peligroso mundo criminal de su barrio.

LIKE GRAINS OF SAND (1995)

El cine japonés, a lo largo del tiempo, ha tenido una gran capacidad para filtrar las angustias adolescentes por medio del cine. Si en occidente la norma es envolver a la temática teen de una cierta frivolidad, con productos englobados en la comedia zafia y grosera, resulta enriquecedor acercarse a Japón y visionar filmes tan lúcidos como Typhoon Club (1985), Todo sobre Lily (2001), Linda Linda Linda (2005) o Ain’t no Tomorrows (2007), por citar algunos ejemplos.

Por otro lado, el cine nipón es un pozo sin fondo a la hora de descubrir directores o filmografías y así ha sido mi sorpresa al encontrarme con un filme como Like Grains of Sand (1995), de Ryosuke Hashiguchi, la cual logra adentrarse con gran habilidad en la temática adolescente y sus angustias vitales.

En el filme seguimos a un grupo de adolescentes que se desean, aunque ninguno de ellos sea correspondido. Ito es un chico que está perdidamente enamorado de su mejor amigo, Yoshida, y este a su vez cae rendido ante Aihara, una chica un tanto extraña que a su vez se siente atraída por Ito.

Like Grains of Sand se vale de una narración coral con diversos personajes, compañeros de clase y que les une o bien la amistad o el interés amoroso entre ellos y las consecuencias de ello. Ya hemos mencionado en la sinopsis el triángulo principal formado por Ito, Yoshida y Aihara pero hemos de añadir a Shimizu, responsable tutora de la clase y que vive engañada en una supuesta relación con Yoshida. O Fujita, amigo de Ito y Yoshida, que quiere conquistar a la chica superficial y atractiva de la clase que a su vez extorsiona a sus compañeros para conseguir dinero... 

Todo este intríngulis amoroso, que en cualquier otra cinta podría haber caído en la banalidad o en la tontería más absoluta (para ejemplo los numerosos live action romanticones para adolescentes que asaltan las pantallas niponas cada año), finalmente resulta en una reflexión totalmente honesta y acertada sobre las confusiones, angustias, soledades o conflictos propios de la edad y el terremoto que supone enfrentarte a tu propia sexualidad. Es una telaraña de personajes que gracias a su narración pausada resulta absorbente en su capacidad para meter al espectador en las vidas de estos adolescentes, cada uno con sus propios problemas. Resulta muy acertado de qué manera se trata la homosexualidad, sincera y especialmente atrevida para tratarse de un filme japonés. En ese sentido, la pareja formada entre Ito y Aihara les lleva a una relación de entendimiento mutuo que resulta conmovedor arrastrando la incomprensión, referentes familiares ausentes y traumas sexuales que ambos cargan encima.

Además, el tratamiento visual de la cinta resulta notable, con un estilo visual de largos planos sin cortes, con largas conversaciones y una fotografía muy cuidada con el sonido ambiental tomando un gran protagonismo (la música apenas tiene presencia). El tercio final resulta excelente por salirse el filme de los espacios cerrados en los que se encuentran los personajes, en las aulas y domicilios, símbolos de represión, para huir hacia el exterior (el pueblo natal de Aihara), hasta llegar a una pequeña playa en donde los personajes se desnudan emocionalmente. 

Like Grains of Sand ha sido toda una sorpresa. Un filme delicado y honesto y que además cuenta con unas interpretaciones de lo más interesantes destacando a Ayumi Hamasaki, como Aihara, (que pocos años después se centraría en su carrera como cantante) y Yoshinori Okada (Kamikaze Girls, I am a Hero) como Ito. Su director, Ryosuke Hashiguchi, fue especialmente premiado por la cinta, destacando "Mejor guion" en los Mainichi Film Concours de 1996, el "Tiger Award" en el Festival internacional de Rotterdam 1996 y consiguiendo el galardón a "Mejor película" en el Torino International Gay & Lesbian Film Festival 1997.

ULTRA Q: LEGEND FROM THE STARS (1990)

La excelente Ultra Q (1966) vino a ser un maravilloso mix entre un "proto-Expediente X" o  The Twilight Zone con monstruos gigantes. Un antes y un después para la televisión japonesa con un éxito absoluto de audiencia para una serie muy influyente en el país y cuyas enormes virtudes quedaron algo tapadas por la siguiente creación de Tsuburaya Productions: Ultraman.

La serie no tuvo continuidad hasta que a finales de los 80 se intentó impulsar un proyecto para cines por parte de Shusuke Kaneko y Kazunori Ito (más tarde trabajarían juntos en la celebrada trilogía de los 90 de Gamera) que finalmente quedó en nada. La idea original era crear 3 historias independientes protagonizadas por monstruos clásicos de la serie y en formato largometraje. Tras caer dicho proyecto recogió el testigo un viejo conocido como Akio Jissoji. 

Lo hemos hablado asiduamente en el blog. Jissoji dirigió episodios magistrales para Ultraman (1966) y Ultraseven (1967), llenos de vanguardismo, riesgo y crítica social. Algo que explotó todavía más en su carrera cinematográfica como en la trilogía del budista (Mujo/ Mandara/ Poem). Tras su retorno a la ultrafranquicia con el muy recomendable largometraje The Men who Made Ultraman (1989), tomó las riendas de la que sería Ultra Q: Legend from the Stars (1990).

En el filme, tres periodistas investigan unas extrañas muertes donde los cadáveres aparecen rodeados de agua salada y unos extraños orificios en la cabeza. Da la casualidad que las muertes han tenido lugar en emplazamientos naturales y sagrados en donde empresarios querían levantar complejos de ocio. Poco después, un compañero de nuestros protagonistas, Hamano, desaparecerá en plena investigación. Su búsqueda adentrará a nuestros protagonistas en un mundo de leyendas y el descubrimiento de un misterioso clan alienígena que parece que aterrizaron en nuestro planeta siglos atrás.

Ultra Q: Legend from the Stars es un filme fascinante y verdaderamente interesante. Un trabajo ambicioso en sus ideas, como no podría ser de otra manera viniendo de su director y que trata de aunar la ciencia ficción más cerebral y sesuda con el pasado tradicional de Japón habitado por leyendas y dioses. Sin duda, todas esas pretensiones de tratar de hacer un estudio serio sobre la vinculación entre el folklore milenario de Japón y la visita a la isla de vida extraterrestre mediante las referencias a ello en la historia de Urashima Taro o la princesa Kaguya y las consecuencias o vestigios de ello en el presente de Japón, resultan sobresalientes. Por supuesto, muchas de las obsesiones habituales de Akio Jissoji están presentes como es la crítica social, el maltrato hacia la naturaleza del ser humano, las ansias de poder y la preservación de lo tradicional y natural frente a la modernidad.

Toda la trama está vehiculada a través de una investigación periodística que trata de esclarecer diversas muertes extrañas en lugares sagrados. Dicha investigación y este es el elemento que más se resiente en el filme, viene con muchas subidas y bajadas de interés con tramos densos y muy dialogados que lanzan sin ton ni son cientos de referencias a leyendas tradicionales del país. Si bien, todo está perfectamente compensado con el portentoso estilo visual de Jissoji, sin duda, realmente magistral con planos desde lugares insólitos o imprevistos, angulaciones extrañas, planos naturocentristas y un uso elegante y excelente del travelling.

Todo ello logra reforzar una atmósfera de ensoñación y extrañeza a todos los actos del filme, especialmente a la hora de contar esa civilización extraterrestre que llegó a Japón hace siglos y cuyos descendientes en el presente desean abandonar ahora el país, horrorizados por los maltratos del ser humano hacia la naturaleza y que desean escapar hacia un edén eterno. Por supuesto, la vinculación con el genero kaiju no se pierde, presentando a una deidad guardiana en la forma de un monstruo gigante llamado Nagira (con el rugido de Biollante), que los alienígenas invocarán para que destroze las poblaciones susceptibles de ser pasto de los codiciosos empresarios. El monstruo protagoniza un par de momentos de destrucción, nocturnos, de notable fuerza.

Ultra Q: Legend from the Stars, es toda una notable muestra de sci fi cerebral y cósmica que logra con éxito una trama de alienígenas misteriosos (esa extraterrestre que parece sacada de Metrópolis por su similitud a la Maria del filme) estableciendo un vinculo entre ellos y las bases de construcción del país. Este mix se adelanta unos años a lo que realizarían precisamente Kaneko e Ito en la trilogía Gamera de los 90. Aunque el ritmo se resienta en algunos tramos el filme se ve compensado por un estilo visual de gran fuerza y secuencias estupendas destacando el magistral clímax final con el ataque final de la bestia Nagira y el despegue de la nave espacial extraterrestre hacia un edén eterno. Un momento lleno de fuerza.

Como curiosidad, los nombres de los 3 periodistas, Jun, Ippei y Yuriko son los mismos que en la serie clásica de 1966. Y por otro lado, el trágico y misterioso personaje de Mayumi, viene interpretado por Mio Takaki, quien 6 años más tarde interpretaría a la capitana Iruma en Ultraman Tiga (1996). Destacaremos asimismo a Toshio Shiba, quien interpreta a Jun, y que aparecía en la alucinógena entrega de Godzilla; Hedorah, la burbuja tóxica (1971). Por otro lado, los 5 minutos iniciales de Ultra Q: Legend from the Stars son un regalo para el fan de Ultraman ya que aparecen multitud de cameos de actores como Susumu Kurobe o Akiji Kobayashi.

Por último señalar que la propuesta del presente filme me ha recordado poderosamente en tono a la muy notable August in the Water (1995) de Sogo Ishii y que también venía a ser una especie de modernización new age de Ultra Q.

SINGLE8 (2023)

Vista en el "Nits de cinema oriental de Vic 2024", Single8 (2023) se convirtió en una de las sensaciones del cine independiente japonés del pasado año, generando muy buenas recepciones en los diversos festivales occidentales por los que pasaba. El director es un viejo conocido como Kazuya Konaka. Enamorado de la ciencia ficción, bien conocido por su experiencia en el tokusatsu y en las ultraseries siendo una de las voces más notables de la etapa Heisei del personaje trabajando como director principal en series como Ultraman Dyna (1997) o Nexus (2004) y director de cintas como Ultraman: The Next (2004). Konaka es uno de los nuestros. Ahora realiza un viaje en el tiempo para relatar una historia muy personal y autobiográfica de sus años de adolescencia.

En plena fiebre de Star Wars, a finales de los 70, Hiroshi, un estudiante de instituto cinéfilo se asocia con tres compañeros de clase para realizar su obra maestra de ciencia ficción sin presupuesto para un proyecto de clase.

Single8 es una enternecedora, honesta y preciosa película que logra trasmitir a la perfección al espectador esa pasión por el cine que sienten unos personajes entrañables y por los que sientes interés desde el principio por sus desventuras. El cast resulta bastante acertado con Yu Uemura haciendo de Hiroshi/Konaka, destacando además la presencia de Akari Takaishi, muy en boga últimamente por los filmes de Baby Assassins. Takaishi interpreta a Natsumi, ex compañera de Hiroshi en el club de fotografía y el interés romántico del muchacho. Natsumi acabará protagonizando el cortometraje de Hiroshi creándose un bonito vínculo entre ellos.

El montaje tan certero, la manera de representar una determinada época así como las altas dosis de cinefilia resultan irresistibles. Desde los guiños a Star Wars, Ultraman y el cine kaiju hasta esas divertidísimas escenas en las que se muestra la elaboración tan casera de los efectos especiales. Los niveles de comedia y drama están muy bien balanceados destacando la honestidad y verdad que transpiran los personajes principales. Decisiones visuales como introducir ciertas grabaciones en 8mm tanto en grabaciones espontáneas del pasado como de los trabajos audiovisuales resultan otro acierto.

Single8 es una notable cinta que habla de nuestras primeras pasiones con gran amor y sin aspavientos. De nuestra pasión por el cine, los sueños de ser cineasta, de nuestro primer amor y que culmina con una guinda deliciosa como es la decisión de Kazuya Konaka de mostrarnos, durante los créditos finales, sus primeros cortos reales tal y cómo se corresponden con lo que hemos visto antes en la película. Una pequeña gema y uno de mis filmes preferidos de 2024.

YOUNG AND DANGEROUS 6: BORN TO BE KING (2000)

Desde que se estrenara en 1996, es evidente que estrujaron el éxito de Young and Dangerous hasta sus últimas consecuencias. 6 entregas de la saga, spin offs, precuelas... Pero la taquilla respondía. Para el año 2000 se decidió dar carpetazo final a la saga madre con Young and Dangerous 6, tambien conocida bajo el título de Born to be King.

El filme da comienzo con la mafia taiwanesa San Leud instando a casar a Chicken con la hija de un jefe yakuza, Ichio Kusaraki, para reforzar sus lazos con dicha mafia. Dicha unión no será bien vista por Akira Kusaraki, el hijo adoptivo de dicho jefe, que intentará jugársela a Chicken para destronarle. La familia mafiosa de Chicken acudirá desde Hong Kong para ayudar a su amigo.

Estrenada el 21 de julio del 2000 en Hong Kong, Born to be King resulta atractiva para el fan que ha seguido la saga desde el principio y ve el estado de los personajes tras tantas entregas. Su evolución desde jóvenes con ansias de prosperidad hasta lo que vemos aquí, en unos puestos de poder altos y bien establecidos, siendo un aspecto bastante atractivo. Otro de los puntos más jugosos de la presente entrega es que recuperamos a Chicken (tras su ausencia en la 5a entrega) y además como eje principal de una trama que nos lleva hasta Japón y los lazos estrechos entre la yakuza y el amigo “pollo”. Este gran protagonismo de Chicken, el cual debe vérselas con rencillas y los engaños típicos de la saga, deja a Nam y al resto de personajes a un plano secundario, como un complemento vistoso. Es un placer volver a ver a Jordan Chan en el papel de Chicken y la cinta incorpora a un titán como Sonny Chiba interpretando al jefe yakuza, Ichio Kusaraki, “padre” de Chicken.

Si bien, Born to be King no resulta uno de los momentos más felices de una saga que ha ido perdiendo poco a poco parte de su frescura. Un metraje demasiado alargado y un conflicto principal algo rancio como es que la sumisa y servicial nueva esposa japonesa de Chicken es violada por un miembro de su “familia” yakuza. Dicha afrenta al honor debe arreglarse con violencia y venganza por parte de Chicken. Sub-tramas como Nam viendo a una doble de Smartie, su antiguo amor (asesinada en la 3a parte) intentando acercarse a ella, lo que provoca los celos del personaje de Shu Qi... tampoco es que resulte muy interesante Para colmo, el estilo visual utilizado por Andrew Lau para la ocasión se diferencia radicalmente del resto de la saga, con unas decisiones de forma "videocliperas", con cámaras rápidas y lentas, muy propias de los 2000 y que ha quedado totalmente desfasado y hortera. Nada que ver con las anteriores entregas que en ese sentido aguantan perfectamente el paso del tiempo.

Born to be King resulta una entretenida cinta pero no es el mejor cierre que merecían estos personajes, los cuales nos han acompañado durante tantas entregas. Por otro lado, la propuesta de salir de la zona de confort de la saga y llevar la acción a un ambiente diferente como es en Japón y en los terrenos de la yakuza resulta un atractivo cambio de aires. Young and Dangerous tendría un remake en 2013: Young and Dangerous: Reloaded.

YOUNG AND DANGEROUS 5 (1998)

Young and Dangerous 4 (1997) fue una entrega bisagra para la saga. Por un lado cerraba algunas tramas (como la de Chicken) y cimentaba todo el abanico de personajes de la Sociedad Hung Hing para dejar en bandeja la llegada de spin offs sobre los mismos. Así mientras Portland Street Blues (1997) o la precuela de la saga aterrizaban en los cines de Hong Kong, Young and Dangerous 5, estrenada el 22 de enero de 1998, continua con las andanzas de Nam y compañía.

En esta nueva entrega, Nam se enfrenta a una nueva amenaza. Un tal Zseto Ho Nam, de la sociedad de Tung Sing quiere controlar Causeway Bay y comienza a importunar los bares controlados por nuestro protagonista, Chan Ho Nam. Por otro lado, un hombre de negocios de Malasia engaña a Nam y a otros miembros de Hung Hing en un complot empresarial falso para hacerle caer del trono. Para colmo, las actividades mafiosas de Nam serán investigadas y perseguidas por el teniente Lee y sus agentes de policía.

Young and Dangerous 5 se encuentra un escalón por debajo de lo visto hasta el momento. La historia se antoja ya repetitiva perdiendo gran parte de la frescura que rodeaba el universo de la saga. Y es que los continuos engaños y trampas que los villanos de turno realizan al pobre de Nam resultan ya un poco cansinas. Por otro lado, el filme comete el error de hacer desaparecer al personaje de Chicken (el mejor y más carismático de la saga, con mucha diferencia) dejando todo el peso de la trama al bueno de Nam, que aunque Ekin Cheng intenta hacerlo lo mejor posible, siempre ha sido un personaje por lo general bastante sosete. La película, por otro lado, sigue maravillando a los fans del cine de Hong Kong haciendo nuevas incorporaciones estelares entre el cast como la de Danny Lee, como teniente de policía (como no) o la hermosa Shu Qi, quien es el nuevo interés romántico de Nam. 

Young and Dangerous 5 se encuentra innecesariamente estirada, llegando a las 2 horas para una historia que no necesita tanto. Aunque el filme intenta mantener el interés quitándose de en medio a algún que otro personaje principal o un clímax final con un combate de boxeo entre Nam y el enemigo de turno, el filme acaba por ser rutinario. Pese a todo ello, la presenta secuela sigue teniendo una estética conseguida, trabajada y fiel al estilo de la saga combinando con habilidad la violencia y la acción con los momentos intimistas aunque con menos fortuna que en anteriores títulos.

ZONE FIGHTER (1973)

La época dorada del tokusatsu, ese maravilloso subgénero televisivo protagonizado por superhéroes, se tradujo en los años 70 en toda una explosión de decenas y decenas de series que epataron las retinas de los infantes de la época. Toda la producción de Tsuburaya Productions con sus ultraseries y derivados, los henshin heroes, con Kamen Rider a la cabeza, súper escuadrones de Toei, las Baron Series... El éxito entre la audiencia estaba claro y aún faltaba alguna productora por querer apuntarse el carro y llevarse parte del pastel. Estamos hablando de la mismísima Toho, uno de los mayores y más respetados estudios cinematográficos de Japón, famoso entre el aficionado por traernos las películas de la saga Godzilla y que decidió a principios de los 70 intentar triunfar con producción televisiva centrada en el tokusatsu. ¿Les salió bien la jugada?

La producción en el género por parte de Toho, en general, estuvo marcada por un evidente tufo a exploit de las series exitosas de la época, si bien una de ellas resulta importante de comentar, aunque no precisamente por sus valores artísticos. Zone Fighter, también conocida como Meteor Human Zone, emitida a través de Nippon TV, canibaliza las claves de las ultraseries de Tsuburaya añadiendo invitados imbatibles en algunos de sus episodios como nuestro querido Godzilla.

Los hermanos Zone

La serie contó con 26 episodios emitidos entre el 2 de abril y el 24 de septiembre de 1973 y su sinopsis reza así. El malvado Garogas planea conquistar la Tierra con su ejército de bestias gigantes. Encontrará resistencia por parte de la Zone Family, llegados de un planeta llamado Peaceland, el cual fue destruido por el tal Garogas. El hijo mayor de la familia, Hikaru, tiene la capacidad de transformarse en el gigante Zone Fighter.

Zone Fighter hecha mano de todos los lugares comunes, no solo de Ultraman, sino de series similares sobre kyoday hero aunque proponiendo algún que otro cambio al respecto como que Zone Fighter, aunque solo pueda luchar en la Tierra unos minutos, podrá recargarse a mitad de la batalla con la ayuda de sus hermanos. La serie sigue a una familia alienígena que está disfrazada en nuestro planeta como una familia japonesa normal, los Sakimoris. El padre, Yoichiro, trabaja en una fábrica de juguetes y sus tres hijos, Hikaru, Hotaru y Akira tienen la capacidad de transformarse en Zone Fighter, Zone Angel y Zone Junior, respectivamente. Solo Zone Fighter puede llegar a crecer a tamaño XXL. Se tenía planeado que Zone Angel, la hija de la familia, también lo hiciera, pero la idea fue finalmente descartada. De entre el reparto, por lo general un cast joven e infantil sin mucho a comentar, destaca Shoji Nakayama, quien era el capitán de la Ultra Guard en la magnífica Ultraseven (1967) y que aquí es papá Fighter. Se introducen algunos personajes secundarios como el del misterioso Takeru Jo, el cual parece saber bastante sobre Garogas. Un personaje bastante repelente y cuya continua energía e hiperactividad me ponían nervioso.

Ep 4, Invasion! The great Garoga Army – Enter Godzilla

El rodaje y filmación de los efectos especiales de la serie comenzó en febrero de 1973, muy poco después de finalizar Gorgo y Supermán se citan en Tokyo (1973). Teruyoshi Nakano y el, por entonces, recién llegado Koichi Kawakita se encargaron de los diversos efectos de la serie con la ayuda de Yoshio Tabuchi y Shinichi Kamisawa. Su trabajo está mermado por el bajo presupuesto destinado a la serie aunque aún así hay un esmero por intentar captar momentos espectaculares a pesar de las limitaciones y en donde destacan las angulaciones o el uso de la escala para los monstruos.

Si bien, uno de los alicientes de Zone Fighter es ver a invitados estelares del kaiju pasearse por la serie. Godzilla aparece de manera ocasional en algunos episodios, 5 en total, para ayudar al héroe protagonista, siendo su primera aparición en el episodio número 4, Invasion! The great Garoga Army – Enter Godzilla. Hasta la Zone Family le ofrece al saurio radiactivo una cómoda cueva para que pueda vivir tranquilamente. Es el gran intento de Toho por adherir al saurio radiactivo a la retahíla de superhéroes televisivos de la época. También King Ghidorah y Gigan aparecen durante la serie como acólitos de Garogas. Algunos episodios estuvieron dirigidos por Ishiro Honda y Jun Fukuda, realizando 8 y 6 capítulos, respectivamente. Sobre los disfraces utilizados, como curiosidad, se rescató el disfraz original de Ghidorah para ser utilizado una última vez.

Ep 5, Shoot down King Ghidorah!

Así, Zone Fighter se hace perezosa en general recurriendo a los tópicos habituales del tokusatsu de la época aunque con un empaque algo más pobre de lo habitual. Ningún episodio resulta notable o inolvidable siendo los episodios en donde aparecen Godzilla y compañía los más distraídos del conjunto, y con diferencia. Así, el ep. 1, Destroy the Terror-Beast Missile!, es un inicio bastante atropellado y que impide seguir la trama con un mínimo de orden. Esta apertura viene dirigida por Jun Fukuda. Se recomienda especialmente el ya citado ep. 4, Invasion! The Great Garoga Army – Enter Godzilla, dirigido por el maestro Ishiro Honda, y que cuenta con un joven, amigo y amor de Hokuto, la hermana Fighter, el cual dice haber sobrevivido a la matanza de Peaceland, antiguo hogar de los héroes. ¡Pero todo es un engaño! Al ataque de unos juguetes vivientes en la casa de la Zone Family se unen 2 monstruos gigantes. La súbita aparición de Godzilla convierte el episodio y la batalla final del mismo en un must see.

Ep. 10, Annihilation! Zone Fighter!,

El doble ep. 5 y 6, ambos dirigidos por Jun Fukuda, también tienen su miga, Shoot down King Ghidorah! / Ghidorah’s countterattack!, y como rezan los títulos cuentan con la aparición del famoso dragón tricéfalo. Aquí, la creación de un artilugio que reduce la polución de la tierra provoca la furia de Garogas el cual hace enviar al querido King Ghidorah a destruirlo. Es una dúpla entretenidilla, con bastante acción, batallas y que contiene secuencias remarcables como aquel en donde Ghidorah oculta el sol o esa lucha final en Venus. Como curiosidad, Ghidorah muestra sus poderes gravitatorios, algo que solo se había visto en su filme de presentación de 1964.

El ep. 10, Annihilation! Zone Fighter!, no está mal. Presenta la aparición de una sombra que posee a Zone chupándole toda la energía. La luz hará descubrir a un monstruo de lo más estrambótico tras dicha sombra. En el pasable ep. 11, Just in Time - The Roar of Godzilla!, el malvado Garogas utiliza a Gigan para atacar a la familia Zone. Hay una subtrama de Hikaru, el héroe, que nos enseña su hobby de conductor de coches de carreras, el cual no interesa nada pero un Gigan tan cabrón como siempre y un Godzilla dispuesto a luchar hacen que el episodio valga la pena. Al final Zone se carga al pobre Gigan dramáticamente y en explosivas circunstancias.

Ep. 11, Just in Time - The Roar of Godzilla!

En el ep. 15, Submersion! Godzilla, Save Tokyo, se presenta de nuevo a Godzilla haciendo team-up con Zone Fighter para enfrentarse a un monstruo bastante duro de pelar con la intención de hacer hundir Tokio. El ep. 21, Invincible! Godzilla Charges, va un paso más allá con este Godzilla televisivo, viviendo éste en una cueva y entrenando con Zone Fighter. Entretenido capítulo si logras hacer de tripas corazón tras ver a Godzilla convertido en un súper héroe histérico, mascota de la familia Fighter. Fuera de estos episodios con invitados especiales kaiju, resulta entretenido el núm. 22, Counterattack! Defeat Super Jikiro, con Jikiro, el monstruo del primer episodio, ahora modificado y mejorado poniendo en un verdadero aprieto a Zone Fighter. Una batalla en el mar y pinceladas de romance coronan un capítulo que no está mal.

Ep. 26, Pulverize! The Garoga Gamma-X Operation

Debido a las malas audiencias de la serie ésta fue prematuramente finalizada en su ep. 26, Pulverize! The Garoga Gamma-X Operation, la cual deja su trama de fondo contra el malvado Garogas sin resolver. Dicho capítulo está planteado como un episodio más de la semana con los malvados dejando ciego a un niño para chantajear a su padre.

Zone Fighter intenta concentrar numerosos elementos de interés para el espectador de la época. Héroes gigantes, mechas, vehículos imposibles y monstruos gigantes bien conocidos por el público. Se consiguen momentos de acción, en ocasiones llenos de energía y dinamismo. El nivel técnico y artístico es competente teniendo en cuenta las limitaciones a las que se vieron sometidos el equipo de efectos especiales. Todo esto no evita encontrarse con una serie en general algo acartonada, bastante estándar y con desarrollos simplones. Jun Fukuda pareció no acabar muy contento con la experiencia ya que rechazó hablar de Zone Fighter en entrevistas.

YOUNG AND DANGEROUS 4 (1997)

Tras 10 meses desde el estreno de la última entrega, Young and Dangerous 4 (1997), también conocida como Young and Dangerous 1997 llegó a las pantallas de Hong Kong un 28 de marzo de ese mismo año. De nuevo y como las anteriores con Andrew Lau en la dirección. Con 3 entregas realizadas hasta el momento y con un éxito inamovible y contundente, no se lo pensaron 2 veces en seguir exprimiendo todo el jugo posible a la saga y de seguir avanzando en las andanzas de Nam, Chicken y compañía.

El filme da comienza con Nam y los demás jefes de zona viajando a Tailandia para convencer a Tin Yeung, hermano de Tin Sang (un jefe asesinado) para que le suceda en sus poderes y lidere toda la Sociedad de Hung Hing. Por otro lado, la zona de Tuen Mun ha quedado vacante, por lo que Tin Yeung propone a Chicken como un posible candidato a jefe de zona. Nam le advertirá de los peligros que conlleva estar en esa posición, algo que hará mella en la amistad entre ambos.

Young and Dangerous 4 está planteada como una entrega visagra. Un final y un nuevo comienzo a la vez concluyendo algunas tramas o arcos de personajes a los que se les da una pausa, a la vez que sirve de trampolín para la futura llegada de diversos spin off y precuelas que comenzarán a estrenarse a partir del siguiente año. Con todo ello, esta cuarta entrega de la larga saga se corona como una de las mejores y más disfrutables de todo el ciclo. Principalmente beneficiada por todo el gran abanico de personajes, que el espectador ya conoce, y que se articulan de manera excelente por toda la trama y de manera muy orgánica. Y por otro lado porque el conflicto principal de los protagonistas resulta jugoso y es llevado de manera notable y entretenida. Un conflicto que tensará las cuerdas en la inquebrantable amistad entre Nam y Chicken y que proporcionará al espectador buenos momentos de drama y tensas conversaciones. Y es que el pendenciero y amante de las mujeres Chicken es propuesto para ser jefe de una de las zonas controladas por la Sociedad Hung Hing, algo que un traumatizado Nam, quien ha sufrido de la peor manera las consecuencias de las ansias de poder, tratará de advertir e impedir.

Jordan Chan, quien es Chicken, brilla especialmente en la presente entrega (ya he comentado anteriormente que construye el mejor personaje de la saga), sufriendo las consecuencias de sus errores y el pulso creado hacia su gran amigo Nam. Por supuesto, el juego de traiciones y engaños entre miembros de las tríadas tan común en la saga vuelven a aflorar siendo éste coronado en un clímax en un teatro, con todos los capos de la mafia de Hong Kong allí reunidos, y que resulta de lo más divertido y contundente. Se añaden subtramas en la cinta algo más ligeras como el gracioso idilio entre Chicken y la hija del cura (el cual es llevado a un nuevo nivel) o ese hilarante (por motivos involuntarios) romance entre un Nam aún traumatizado por la muerte de Smartie y que aquí se intenta abrir a nuevos amores, concretamente con una profesora (esa escena de cama es delirante).

Young and Dangerous 4 es una de las más disfrutables entregas de la saga, por conseguir hacer avanzar a unos personajes bien conocidos hacia un nuevo escalón, por su llevadera e interesante trama principal, que acompaña los momentos de acción y tragedia con momentos más ligeros. Al igual que hacía la segunda parte, se prioriza el drama y el desarrollo de personajes antes que los momentos de acción. Sin duda, una notable entrega de una saga mítica y tremendamente disfrutable.