ULTRAMAN NEXUS (2004)

Para 2003, Tsuburaya Productions era una casa de locos. La gestión que estaba haciendo de la compañía Kazuo Tsuburaya era un caos y un pozo sin fondo de malgasto de dinero. Tras Ultraman Cosmos (2001), la cual funcionó bastante bien con una propuesta muy enfocada al público infantil y que generó hasta 3 películas, se decidió llevar al personaje hacia el terreno contrario. Vista ahora, la producción de Ultraman Nexus (2004) y el filme Ultraman: The Next (2004), fue toda una apuesta valiente para dar aires nuevos y traer al personaje a un público renovado, si bien y por desgracia, su producción fue una serie de catastróficas desdichas.

La idea de traer a un Ultraman más oscuro de lo acostumbrado fue de Keiichi Hasegawa y Chiaki J. Konaka los cuales mientras trabajaban en Lady Devilman se les vino a la cabeza de crear algo similar con Ultraman. Una serie mucho más oscura, adulta y seria. Tras la sorprendente aceptación por parte de Tsuburaya Productions a dicha idea, los guionistas comenzaron a preparar el proyecto entre 2001 y 2003. Tras un working title como "Yellow Eyes" pasó a llamarse después Ultraman Cross. La premisa principal de dicho proyecto consistía en el traspaso del poder y la luz de Ultraman compartido entre una serie de jóvenes problemáticos. De esta manera se veían las diferentes caras de Ultraman o los diferentes usos a un poder compartido por un grupo. Aunque dicho Ultraman Cross no paso de la conceptualización, en cuanto Hasegawa comenzó a trabajar en el guión de una película de Ultraman (la que sería Ultraman: The Next) trataron de aprovecharlo y crear un vínculo entre película y serie. 

Fue entonces cuando la serie pasó a llamarse Ultraman Nexus y la película Ultraman: The Next la cual iba a ser una precuela de los hechos de la serie. Pese a la libertad creativa, la cantidad de ideas y lo rápido de la escritura de guiones y audiciones para los actores... los problemas comenzaron. Cuando la serie entró en producción el caos se adueñó empezando por la deriva económica de Tsuburaya que únicamente pudo destinar una ínfima cantidad de 10 millones de yenes de presupuesto por episodio (por comparar, Ultraman Gaia tenía 80-90 millones por episodio). La producción de Ultraman: The Next también se retrasó, lo que imposibilitó estrenarla antes del inicio de la serie (siendo realizado el estreno a la mitad de la misma) y complicando que el público entendiera lo que estaba pasando en Nexus. 

El presupuesto también afectó a la elaboración de los efectos especiales y maquetas siendo reducidas éstas al mínimo. Para compensarlo, los técnicos decidieron utilizar CGI para la creación de los monstruos con la voluntad además de crear potentes y enérgicas secuencias de batalla que de forma práctica no podrían realizarse. La filtración de imágenes con dicho CGI enfureció a los fans puristas de la franquicia, mostrando un odio hacia la aún no llegada Nexus y negándose a ver ningún episodio. La última estocada llegó cuando de improviso la serie fue cambiada de la franja horaria que se tenía prevista (un horario juvenil-adulto) para poder emitir en su lugar Mobile Suit Gundam: SEED Destiny (2004). Ultraman Nexus fue llevada, de manera suicida, a una franja matinal infantil. Con 12 episodios ya rodados, los implicados de la serie decidieron seguir adelante con el plan y no cambiar el tono de Nexus para seguir con la línea original lo máximo posible.

Komon, el verdadero protagonista

Y Ultraman Nexus se estrenó. El primer episodio se emitió el 2 de octubre de 2004 con una potente audiencia pero rápidamente ésta decreció dramáticamente al 3%, el 2% o incluso el 1%. Los datos de audiencia más bajos en toda la historia de Ultraman. Los niños no se interesaron por la serie, el público objetivo adulto era incapaz de ver los episodios debido a su franja horaria, críticas destructivas por parte de uno de los periódicos más masivos de Japón, el Asahi Shimbun, quejas de grupos de padres sobre el contenido violento del show al cual estaban expuestos sus hijos... 

Aún con todo, la serie continuó adelante ajena a las malas críticas. No fue hasta meses después cuando las ventas de juguetes de la serie, que inicialmente no se vendían mal, definitivamente cayeron en picado. Es cuando la situación se volvió insostenible y se decidió cancelar de manera abrupta la serie en su episodio 37. Los guionistas acabaron escandalizados ya que tenían escritos los 13 episodios restantes con el arco final de la serie.

Pese a todo el desaguisado y 20 años después Ultraman Nexus (2004) ha quedado como un producto de culto por nuevas generaciones que han valorado su estética oscura y adulta. De hecho, Nexus es un paso adelante temática y formalmente al universo del personaje. Una serie que pese a todos sus problemas en la producción resulta admirable la capacidad de sus implicados para sortear dichos obstáculos y encontrar soluciones imaginativas para encarar la total falta de presupuesto. Ultraman Nexus es una de las series más atrevidas de la franquicia y tal vez la más oscura, violenta y adulta de todas. Una serie que no tiene problema en mostrar muertes de pobres ciudadanos a manos de monstruos en cada episodio o mostrar historias llenas de violencia psicológica hacia los personajes. 

Al igual que Ultraman Gaia, Nexus narra una trama continuada a lo largo de los 37 episodios y que logra, en gran parte de la misma, un enganche total por parte del espectador gracias a un guión lleno de sorpresas, giros argumentales y grandes misterios que mantienen a uno en vilo.

El equipo de Night Raiders

Ep. 1, Night Raid

La historia sigue a Komon, miembro de un equipo de rescatadores que un buen día es llamado a reclutarse en la organización secreta TLT, creada por el gobierno en secreto para luchar contra monstruos e invasores. Komon se unirá al grupo militar Night raiders y el muchacho verá la otra cara de la moneda en un oficio a priori honesto como es el de proteger a las personas. Pero en su primera misión, Komon será rescatado por un gigante plateado. La organización TLT comenzará a ver a dicho gigante con desconfianza, mientras un joven, de nombre Jun parece ser el portador del poder de dicho Ultraman...

Ultraman Nexus quiere innovar en la franquicia, no solo reforzando el hecho de presentar una gran trama interconectada entre si, de una manera más fuerte incluso que en Ultraman Gaia sino que presenta novedades respecto la mitología del personaje. El aspecto más interesante es que el poder de Ultraman en esta ocasión va pasando de humano en humano, funcionando la luz de Ultraman como un nexo, un lazo. Así, más que nunca, la fuerza, habilidades y personalidad de Ultraman viene determinada por su host humano. 

Por otro lado, por primera vez, dicho host no forma parte del escuadrón militar habitual siendo Jun Himeya o Ren personajes en ocasiones secundarios y que aparecen de fondo. El verdadero protagonista de la función es Komon, el rookie de TLT y quien realiza una evolución notable en toda la serie de ingenuo y asustadizo soldado que se pega de bruces con la realidad de las acciones de TLT y los claroscuros de la organización hasta que su esfuerzo por hacer lo correcto lo convierten en un referente y héroe. Porque ese es uno de los temas de la serie. El no rendirse, no tirar la toalla y hundirse ante los embistes de la vida y la crueldad del mundo. Never give up.

Jun, portador de la luz de Ultraman

Ultraman Nexus resulta seductora en su propuesta de ofrecer unos episodios mucho más centrados en el drama de personajes, una gran trama llena de misterios donde se explotan mucho más los claroscuros de los supuestos buenos de la función, lo que supone tener el poder de Ultraman o las consecuencias de la presencia de monstruos en la sociedad. En ese sentido no molesta en absoluto que Ultraman o las batallas tengan una presencia bien secundaria gracias al trabajo de guión.

Volviendo a las limitaciones de presupuesto resulta admirable cómo, aún así, los responsables idearon soluciones coherentes para compensarlo. Es el caso de la creación del Meta Field, una habilidad de Ultraman en donde introduce al monstruo en un campo dimensional para poder luchar contra él sin causar destrozos innecesarios. Una idea genial y que además ahorra construir maquetas de ciudades. O el hecho de que un monstruo tarde en eliminarse varios episodios o reutilizar disfraces con nuevas evoluciones bestiales de las criaturas compensan la falta de presupuesto pero con una consecución lógica en la narración.

Uno de los puntos más positivos del desarrollo de la serie son sus giros argumentales y sorpresas por lo que aviso al lector que SE HAN EVITADO EN EL SIGUENTE RESUMEN LOS SPOILERS.

Komon, el Shinji Ikari de Ultraman (ep. 1–13)

El primer tramo de la serie está totalmente centrado en la caída a los infiernos del personaje de Komon quien ve decisiones discutibles por parte de unos supuestos representantes del bien como es la organización TLT. Así, disponer de una sección, la "Polícia de la memoria", cuyo trabajo es borrar la memoria de todos aquellos civiles que han presenciado el ataque de un monstruo, querer destruir a Ultraman por el hecho de ser también una criatura extraterrestre o el tener que acatar órdenes en donde no se tenga problema en sacrificar unas pocas vidas para destruir el monstruo y que la cosa no se salga de madre son algunos de los conflictos en los que Komon se verá envuelto y que lo sumirán en un mar de dudas. Solo faltaN la tortura y embistes constantes por parte de su compañera Nagi, recta, disciplinada y que siente un odio irracional hacia los monstruos debido a cierto trauma infantil.

Ep. 12, Lost Soul. Batalla contra Dark Faust

El primer episodio, Night Raid, es una notable demostración del aire oscuro y psicológico de la serie y que culmina con una maravillosa y espectacular presentación de Ultraman Nexus al final del mismo. Un nivel encomiable y que se mantiene a la perfección en este primer tramo de la serie con continuos conflictos morales. 

De esta tanda destacan los episodios 6 y 7. El primero de ellos, Relic, profundiza en el host humano de Nexus, Jun Himeya. Se muestran ideas como esa cápsula en forma de vaina en donde Jun se introduce para curarse de sus batallas o el viaje que realiza Komon tras tocar dicha vaina a los recuerdos y emociones de Jun y en donde vemos parte de su traumático pasado como fotógrafo de guerra. El siguiente, Faust, da inicio a un muestrario de enemigos que se presentarán a lo largo de la serie y que resultan una especie de versión maligna o infernal del propio Ultraman. En este episodio se presenta Faust, un malvado de diseño estupendo e inquietante mientras que paralelamente Komon desobedece las órdenes de sus superiores para salvar a una niña del ataque de un monstruo en unas fábricas.

En determinadas ocasiones se muestran las consecuencias o problemas derivados de la eliminación de la memoria de las víctimas sobretodo si nuestros protagonistas han tenido una conexión emocional con ellas. Algo que vemos en el ep. 8, Memory Police. De dicho episodio en adelante aumentan las dudas de Komon sobre su papel en la batalla a la vez que aumentan las presiones hacia él siendo cuestionado por sus superiores por el hecho de preferir salvar a civiles o clamar la alianza de Ultraman antes que priorizar la destrucción de los monstruos. El doble ep. 11 y 12, Marionette y Lost Soul, es uno de los puntos más altos en Nexus. Una dúpla que destaca por una atmósfera asfixiante, terrorífica y violenta. Además se aprovecha para descubrir la identidad humana del malvado Faust y es una revelación que no deja indiferente.

Es en Lost Soul donde se presenta al malvado principal de la serie como es Mizorogi, un ex miembro de los Night Raiders, que logró mucha conexión con Nagi pero que desapareció tiempo atrás... hasta ahora. El tal Mizorogi realizará un juego psicológico y físico mortal para destruir el alma y voluntad de nuestros héroes protagonistas. Algo que casi hace con Komon en el ep. 13, Illustrator, con un Komon en su punto más bajo y quien parece cada vez más sucumbir a la oscuridad. La escena con Mizorogi torturando psicológicamente a Komon en una especie de sótano es puro Neon Genesis Evangelion.

Ep. 14, Mephisto

El descenso a los infiernos de Jun (ep. 14-25)

Tras dicho primer bloque de episodios nos adentramos en otra etapa en la que se centra en los personajes de Jun Himeya y especialmente en Mizorogi. Dicho tramo, aunque entretenido si que supone un bajón de nivel de intensidad dramática y una pérdida leve de interés al notar cierta reiteración en las claves que ofrece la serie. Parte de la culpa la tiene el personaje de Mizorogi quien no es mucho más que el típico villano de opereta, caricaturesco y por el que no acabamos de entender muy bien sus intenciones. Mizorogi tiene la capacidad de transformarse en Mephisto, otro clon oscuro de Ultraman, todavía más terrible si cabe.

La serie sigue proponiendo momentos de alto voltaje como el que propone el ep. 14, Mephisto, con Mizorogi haciéndole a Komon una jugarreta de órdago introduciendo a una niña inocente en el interior de un monstruo gigante que está a punto de ser destruido. Si bien, contra más se centra la serie en Mizorogi menos interés me despierta ésta, aunque Nexus logra remontar rápidamente el vuelo de forma muy notable. La dúpla de episodios 19 y 20, Cross Phase Trap / Chrome Chester Delta es un buen doblete que vuelve a sentirse como una trama clásica de Ultraman de monstruo de la semana, alejándose parcialmente de la trama principal y ofreciendo una tradicional historia de monstruo imposible de derrotar y las estrategias para vencerlo. En esta ocasión aparece un monstruo con cabeza tentacular y con capacidad para viajar entre dimensiones. Todo un gran desafío para nuestros héroes. Al cada vez más agotado Himeya y un plan discutible que incluye utilizar a aldeanos como carnaza se suma un trío de personajes que lograrán sacar a la luz imágenes de TLT en acción.

Ep. 19, Cross Phase Trap

El redondo ep. 21, Sacrifice, propone una premisa insólita como es que los supuestos agentes del bien, TLT, secuestren a Hiyema para someterle a crueles experimentos y descubrir así la fuente de su poder como Ultraman. Nexus llega a su punto más alto en el doble ep. 23 y 24, Satisfaction / Hero, donde acaban confluyendo y explotando las tramas de Mizorogi y de Jun Himeya. Una dúpla espectacular con Satisfaction mostrando la llegada del apocalipsis, un Himeya al borde de la muerte encarando su destino viajando hasta "La Tierra de la Muerte" y culminando con un cliffhunger verdaderamente tétrico con Ultraman muerto y crucificado. Hero continua el entuerto en una batalla final emocionante entre Nexus y Mephisto a la vez que Himeya inicia un viaje interior a la búsqueda de respuestas y el porqué de su papel en el mundo.

El episodio 25, Prophecy, funciona como transición muy efectiva entre lo que hemos visto hasta ahora y lo que está por venir realizando una recapitulación de los hechos de la serie que ayudan a situarnos como espectadores. Con Himeya desaparecido en combate, los altos cargos de TLT interrogan a Komon, Nagi y el capitán Wakura. Se incluyen agradecidas referencias a la película de The Next y se confirma la idea de que la luz se va transmitiendo de elegido en elegido (los llamados dunamistas). Y efectivamente, el episodio finaliza con la aparición de un nuevo Nexus pero esta vez de color azul... Episodio en el que de nuevo me siento asombrado ante la inventiva de los implicados de la serie frente al poco presupuesto disponible. Para muestra aquí, con esa sugerente creación de ambientes y uso de la luz para las salas de confesión.

Ep 23, Satisfaction

Ren, un host algo discutible

La luz es un nexo (ep. 26-37)

Si, la luz es un nexo que va pasando de portador en portador y así lo vemos en uno de los cambios más radicales de la serie como es el de saltar a otro host humano de Ultraman. Un cambio desconcertante a la vez de interesante y es que la serie también parece mutar en función de la personalidad de Ren, el nuevo host. Nueva cabecera, nueva canción de la serie, un cierto aire algo más colorido en las escenas de batalla y un nuevo personaje, Ren, que para la ocasión es un adolescente de 17 años a primera vista inocente, bondadoso y amigo de la broma. 

Me parece un aspecto muy interesante y que si no se hubiera cancelado la serie hubiéramos podido ver de una manera más clara y es que la propia Nexus vaya mutando y evolucionando a nivel de estética en función de las características del host humano que toque. Si bien, el capítulo de presentación de Ren, el número 26, The Third, es un punto bajo y que rompe con la oscuridad y violencia vista anteriormente optando por incomprensibles y forzados momentos de humor tontete y un leve infantilismo. Por suerte dicho tono se queda en este episodio volviendo la serie a sus atmósferas habituales.

Ep 31.5, Shiori – Lost Memories

En este último tramo se abren nuevos misterios y nuevos conflictos. Komon descubre un plan secreto conocido como el Proyecto Prometheus, la relación misteriosa entre el Ilustrador y Ren, que éste último guarde unos secretos más oscuros de lo que pensábamos... La serie presenta un punto interesante como es el ep. 29, Calling, que como curiosidad dispone de su director's cut. Recomendamos acudir directamente a dicho montaje del director de 50 minutos ya que la historia del episodio crece en todos lo sentidos siendo un notable cuento infantil perverso y tétrico con la niña del episodio 14, traumatizada y con los héroes protagonistas enfrentándose no solamente a la aparición de una araña gigante sino al retorno de un Mizorogi con amnesia. Se profundiza de manera eficiente en el personaje de Mizuo, una joven aprendiz de la "Policía de la Memoria", con pasado traumático y que acaba confraternizando con Ren.

Debido a la cancelación de la serie y la necesidad de emitir un final cerrado provocó que algún episodio ya rodado no viera la luz como es el caso del conocido como 31.5, Shiori – Lost Memories. Un muy notable capítulo y que profundiza en el personaje de Shiori y su drama personal. Una excelente oportunidad para explorar un personaje que apenas había quedado esbozado y que además se cuenta una historia de fondo interesante mostrando, de nuevo, los problemas que ocasiona el borrado de memoria. En este caso la de un antiguo amor que para colmo se va a casar con su mejor amiga. En el ep. 32, Unknown Hand, Mizorogi tiene su algo discutible, momento de rendención, no sin antes anunciar que un gran mal está más cerca de ellos de lo que piensan...

Ep. 35, Revolt

Dark Zagi, el villano final.

El tramo final de la serie resulta formidable. Los episodios 33 y 34, Oblivion – A.D. 2004 / Blockade – A.D. 2009, enlaza de manera mucho más fuerte con el filme Ultraman: The Next, se nos cuenta el origen de "los Visitantes", la condición secreta de Ren, sublevaciones en Night Raiders, entre otras revelaciones fascinantes. Y paralelamente, Ultraman hace su primera aparición en sociedad bajo el estupor de la población. Con motivo de ello, es en este último tramo de la serie donde ya vemos amplios momentos de destrucción y grandes batallas entre maquetas. Al respecto, destacar la emocionante batalla final del ep. 35, Revolt, con Ultraman y los Night Raiders colaborando juntos en la destrucción de 2 monstruos terribles a la hora del atardecer.

Frente a la cancelación abrupta de la serie, como he comentado, los guionistas se vieron obligados a tratar de realizar un cierre de Nexus in extremis, intentando condensar 13 episodios en uno solo. Una faena bastante complicada de realizar. La conclusión que vemos en el ep. 37, titulado Nexus, es comprensiblemente una resolución apresurada e increíble en el sentido de resolver todo un plan maligno apocalíptico en cuestión de minutos además de la discutible sorpresa con la verdadera identidad de uno de los personajes. Aún así, el episodio final me resulta admirable y es de aplaudir el intento y las ambiciones para aún a pesar de la cancelación de la serie se pueda cerrar de manera tan notable todo el entramado. El gran mal final es representado en Dark Zagi, otra especie de Ultraman oscuro, temible, diabólico y de estética casi cyberpunk. Como digo, un final admirable por sus ambiciones y que finiquita con una batalla final la mar de emocionante que logra cerrar de manera conmovedora, épica a la vez de coherente el arco de uno de los personajes principales. Contra todo pronóstico dicho episodio final se saldó con la audiencia más alta de toda la serie, obteniendo cerca del 7%.

Ep. 37, Nexus

Aún a pesar de que uno tiene la sensación de que no termina por explotar todas sus posibilidades por motivos evidentes, Ultraman Nexus es un paso adelante admirable pese a todas las dificultades que se tuvieron en su desarrollo. Una perspectiva que se aparta del infantilismo de Ultraman Cosmos o del blockbuster de catástrofes y superhéroes de Ultraman Gaia, por citar dos ejemplos, para ofrecer un Ultraman que mira hacia lo psicológico y atmosférico. Que se atreve a llegar hasta el fondo con planteamientos impensables hasta el momento, optando en ocasiones por un clima asfixiante, cercano al terror cósmico. Ultraman Nexus es además el gran testimonio y punto final a la creatividad y riesgo de Tsuburaya Productions para con la "Ultrafranquicia". Tras el fracaso absoluto de Nexus, la franquicia volvería a terrenos más sencillos regresando al espíritu de la etapa Showa y apuntando a la nostalgia del público con Ultraman Max (2005) y Ultraman Mebius (2006). Para el regreso del personaje en 2013 con Ultraman Ginga la franquicia se ha convertido, hasta nuestros días, en una máquina de hacer dinero, con unos productos muy claros y sin demasiados riesgos. Por eso, es urgente acudir de nuevo a Nexus y recordar los caminos tan arriesgados y diferentes que nuestro héroe puede y podría tomar.

Cierro, como es habitual, destacando varias canciones de la serie. Me quedo sin ninguna duda con el demoledor opening de los 25 primeros episodios de la serie. Una entrada hard rock y muy pegadiza titulada Eiyuu, interpretada por la banda "doa". 2 de los ending vienen de la mano del grupo U-Ka Saegusa IN db, sin duda todo un descubrimiento. El tema Itsumo Kokoro ni Taiyo O, presente en los 13 primeros episodios captura a la perfección el tono melancólico de la serie. Eso sin hablar del excelente
Tobitatenai Watashi ni Anata ga Tsubasa wo Kureta, segundo de los ending y que de nuevo resulta la mar de pegadizo.

SWING GIRLS (2004)

Uno de los directores japoneses recientes que más simpatía me despiertan es Shinobu Yaguchi. Es prácticamente un desconocido en occidente mientras que en Japón sus trabajos son éxitos comerciales. Su estilo camina por lo general en comedias de premisa estrambótica y que se convierten en experiencias la mar de agradables y simpáticas gracias al tono de la propuesta. Su primer gran éxito fue The Waterboys (2001) y que giraba en torno a un grupo de adolescentes que formaban parte del equipo de natación sincronizada del instituto. 

Posteriormente realizaría filmes como Robo-G (2012), quizás su obra más conocida, con un señor en edad de jubilación haciendo de robot para unos jóvenes, la muy notable Wood Job! (2014), Survival Family (2016), la cual pasó por el Festival de Sitges 2017 o la reciente Dance with me (2019), la cual incorpora de forma estupenda los códigos del cine musical y que contaba con la participación del mítico actor Akira Takarada. Si bien, mi cinta preferida de Yaguchi y con la que creo se aglutinan de manera más espléndida y delirante todas sus señas de identidad es con Swing Girls (2004).

Swing Girls (2004) parte de una premisa tan rocambolesca como es el de coger a un grupo de colegialas, en plena edad del pavo y ponerlas a tocar (o intentarlo almenos) jazz en una big band. Aún con el desastre que eso supone, las chicas irán evolucionando, descubriendo el valor del esfuerzo, el amor por la música hasta llegar a participar en el festival del instituto. El tono de comedia te mantiene con la sonrisa permanentemente puesta en todo momento gracias a unos personajes con las personalidades muy claras y que resultan muy entrañables y simpáticos aún siendo carácteres exagerados y caricaturescos. El tipo de humor es muy propio de los códigos de un anime y en ese sentido me resulta hilarante ese triunfador compañero de curso, jugador de beisbol que siempre va diciendo... “en esta vida hay 2 tipos de personas...”. Destaca con derecho propio su protagonista, interpretada por una estupenda Juri Ueno. Ueno es una actriz que ha conseguido construir una carrera bastante interesante destacando su papel en Rainbow Song (2006) o Turtles swim faster than expected (2005) de Satoshi Miki.

Un grupo de adolescentes con la tarea imposible de aprender a tocar jazz

Aunque las muchachas empiezan a llamar la atención con shows improvisados

¿Lograrán petarlo en el festival del instituto?

En el papel del profesor, amante del jazz (pero incapaz de hacer sonar una nota de un simple instrumento) y que hará lo imposible para que esa banda de escolares suene decente está interpretado por un todoterreno como Naoto Takenaka y quien construye un personaje hilarante pero adorable. Takenaka ha trabajado en más de un centenar de películas y series destacando sus inicios en Guinea Pig 4 (1986), Pshychic Vision: Jaganrei (1988) o Hiruko the Goblin (1991) hasta trabajos como Gonin (1995), Agitator (2001), Azumi (2003), Hara-Kiri (2011) e innumerables filmes más o series como El gourmet samurai (2017). Un máquina.

Swing Girls es una muy notable comedia, muy fácil de ver y de disfrutar. Su humor blanco, inocente y estrambótico resulta irresistible y deliciosamente simpático. Su banda sonora llena de temas "jazzisticos" también es otro gran punto para su disfrute. Hay momentos sencillamente estupendos como esa escena en la que los protagonistas descubren como marcar el ritmo de las piezas además de esos primeros shows improvisados que realizan en parkings de supermercados entre otros lugares extraños. Y la cinta culmina (al igual que ya pasaba en The Waterboys) con un gran clímax final, catártico, explosivo y maravilloso con las Swing Girls realizando un tremendo concierto en el instituto realizado con una dinámica de montaje y un ritmo musical excelente. Un grandísimo final para un filme de obligado visionado. Y la sonrisa no se va hasta el último segundo ya que la guinda la pone el montaje final de los créditos finales, con los actores haciendo playback con el tema L.O.V.E de Nat King Cole.

LIES (1999)

Poco antes de la entrada de la democracia en Corea del Sur la censura empezó a relajarse y eso afectó a la libertad de los autores a la hora de abordar ciertas historias en su cine. Podemos ver al respecto una película como Gilsotteum (1986), de Im Kwon-taek, y centrada en el drama de las familias separadas por la guerra de Corea. Dicha libertad creativa fue claramente definitoria a partir de 1987 con la caída de la dictadura militar del país abriendo la llegada de una serie de nuevos autores, lo que se conoció como la "nueva ola coreana", dispuestos a romper con lo realizado anteriormente, volver a la etapa de esplendor del cine de los 60 realizado en el país y volver a conectar con su público.

Una de las voces más singulares y atrevidas de esta etapa es la de Jang Sun-Woo. Iniciando su carrera en los años 80 es uno de los directores de la nueva ola que más tensó la cuerda en estos primeros años de renacimiento cinematográfico del país poniendo a prueba la paciencia de críticos, productores y audiencia con algunos de sus trabajos. Sin duda obras como The Road to the Racetrack (1991) o Passage to Buddha (1993) lograron llamar la atención con obras muy personales en donde el romance extraño, religión y comentario social se alineaban en una conjunción bien equilibrada. Tal vez dicho asentamiento o aceptación generalizada de su trabajo hizo derivar a Jang Sun-Woo a posturas cada vez más controvertidas y delicadas. Un ejemplo de ello es la maravillosa A Petal (1996), descarnadisima y muy interesante crónica sobre la terrible masacre de Gwangju en un montaje con distintas lineas temporales, cierto aire onírico y que actuaba como exorcismo del trauma hacia la audiencia.

Tras la muy experimental Timeless Bottomless Bad Movie (1997), la polémica estuvo servida con la provocadora Lies (1999) la cual levantó ampolles no solo en su país de origen sino en todos los festivales por los que pasó en su momento. El filme presenta a 'Y', una chica de dieciocho años de edad, residente en Corea del Sur, que se ha prometido a sí misma perder la virginidad antes de finalizar sus estudios de secundaria. Así, cuando conoce a 'J', un escultor de treinta y ocho años ya casado, los dos comienzan una aventura amorosa y sexual que los llevará hasta los límites más insospechados del placer y el dolor.

Lies fue la gota que colmó el vaso siendo prohibido su estreno en Corea del Sur y censurada bajo el motivo de "ser poco más que una exhibición intolerable de pornografía". Pese a que el Vaticano pusiera el grito en el cielo alegando a su vez por la prohibición de la película ésta logró pasarse en el Festival de Venecia. Un escándalo debido al tratamiento tan explícito del sexo que tal vez nos haga recordar al revuelo provocado 14 años después por La vida de Adèle (2013), por motivos muy similares. 

Dicha fama de provocativa y escandalosa hace tapar un filme verdaderamente interesante desde diversos aspectos. Desde la plasmación de una relación amorosa mal vista entre una estudiante y un escultor con una perspectiva visual deliberadamente amateur, de cine de guerrilla con inspiración documental y que logra convertir al espectador en un voyeur, espía de una relación poco pudorosa haciendo uso de planos estáticos y alejados en la acción sexual o el uso de la videocámara que refuerza ese aire de que estás viendo algo verdaderamente íntimo. En ese sentido resulta una visión honesta y sin prejuicios hacia el BDSM, mostrando la vulnerabilidad de un personaje incomprendido e infeliz (el escultor) y que encuentra en esa joven sin nombre una igual, una compañera sexual a la que se abre con curiosidad y deseo a la experimentación.

Pese a estos aspectos interesantes estos son en gran parte aplastados por las intenciones de su director de querer crear algo conscientemente provocador. Parece que en muchos momentos la única intención de Jung Soo-woo es el de ir enlazando escenas cada vez más polémicas de manera consciente en un ejercicio de pulso, o prueba hacia el espectador. A nivel sexual tenemos un muestrario variopinto de técnicas diferentes y que van aumentando en intensidad desde coitos tradicionales, anal, sadomasoquismo, látigos hasta llegar incluso a la coprofágia. Momentos plasmados a través de largas secuencias en donde vemos retozar a la pareja y que ponen a prueba tu paciencia. En cuanto la película deriva hacia subtramas que se separan de la relación de pareja, el filme pierde mucho interés. Es el caso de esas historias sobre el hermano de Y o la esposa del escultor. 

Sin duda Lies es una obra provocadora pero resulta interesante y aburrida a partes iguales. Es una obra sin duda valiente, creada por un autor que demostró no querer realizar obras acomodadicias y quiso poner a prueba al espectador con obras atrevidas. Aquí se acerca a un tema tabú en un conjunto casi de cine de guerrilla, explícitamente sexual a la vez que habla de aspectos como la soledad o la capacidad de la mente como herramienta para crear tanto dolor como placer. Sin duda, toda una curiosidad y que es un ejemplo de ese liberador, creativo y único cine coreano que se realizó en los 90 y parte de los 2000 y que parece cada vez más aplastado por una industria hipercomercializada y calculada.

Como curiosidad, el actor Sang Hyun Lee tuvo un flechazo con su compañera de reparto Kim Tae-Yeon durante el rodaje aunque no fue correspondido. La versión estrenada en cines, de 115 min, es diferente a la primera versión de la película la cual tenía 15 minutos adicionales que fueron eliminados. Dichas escenas revelaban la identidad de Y como una estudiante de instituto además de secuencias de diálogos "vulgares". Tras Lies, Jung Soo-woo realizó Resurrection (2002), un blockbuster que se convirtió en uno de los mayores fracasos en taquilla del cine coreano. Fue su última obra.

ULTRAMAN GAIA: GAIA AGAIN (2001)

Año y medio después del final de Gaia, se volvió a juntar a todo el reparto y parte del equipo técnico para plasmar una nueva aventura de Gamu y la organización GUARD en la forma de una producción especial direct to video. El filme mostraba las vidas de Gamu y Fujimiya que tras la derrota de Zog éstas han vuelto a la normalidad hasta que un nuevo desafío volvía a poner en peligro a la Tierra. Esta vez un monstruo superviviente del ejército de Zog, Gakuzom, ha sobrevivido y busca venganza.

Ultraman Gaia: Gaia Again resulta atractiva de cara al fan de la serie original ya que es una continuación en toda regla de aquella pudiendo ver el espectador cómo se han desarrollado las vidas de los diferentes personajes 1 año después de que Gaia y Agul salvaran al mundo del “portador de la destrucción radical”. En ese sentido es un placer reencontrarse con Fujimiya, Gamu, las operadoras Atsuko y Georgie o el comandante Ishimuro. 

Gamu fascinado por unas criaturas marinas.

Más allá de eso, el filme no pasa de ser un capítulo alargado de la serie cuyo conflicto principal, como es el del regreso de unas criaturas marinas ancestrales y una nueva monstruosidad, palidece en comparación a los peligros de Ultraman Gaia. El desarrollo no logra ser interesante y va cayendo por su propio peso a medida que avanza la trama, siendo ésta bastante formulaica y donde solo esperas a que llegue la batalla final para ver de qué nueva manera nuestros Gaia y Agul vuelven a unir fuerzas para derrotar a la amenaza. Aunque el atractivo de grandes personajes como Fujiyima hagan tirar la trama, estos resultan versiones algo descafeinadas o estiradas de los mismos.

Gaia y Agul en acción una vez más.

El filme además presenta numerosas escenas con efectos digitales siendo por lo general bastante horripilantes y que no han pasado la factura del tiempo. Como aspecto curioso, si en la serie el Team Marlin se vio gravemente perjudicado por motivos presupuestarios y apenas aparecieron por la serie esto se intenta solucionar en el presente filme teniendo dicho equipo un peso bien importante en el devenir de la misión. Por lo demás, una paliducha continuación a una gran serie de la franquicia en donde los carismáticos personajes no logran salvar un conjunto soso y sin sangre. El filme dispuso de un montaje extendido de 60 minutos en su lanzamiento en DVD en Japón de 2004. Dicha versión contenía escenas nuevas que no aparecían en el montaje original de 2001.

ULTRAMAN TIGA, ULTRAMAN DYNA & ULTRAMAN GAIA: THE DECISIVE BATTLE IN HYPERSPACE (1999)

A mitad de emisión de Ultraman Gaia (1998) se estrenó en los cines japoneses Ultraman Tiga, Ultraman Dyna & Ultraman Gaia: The Decisive Battle in Hyperspace (1999) y en la que, como reza el título, es un crossover definitivo en el que juntan a los tres Ultra de la triunfal trilogía de series de los 90. 

La historia está ambientada en un universo propio, un mundo en donde Ultraman Gaia es una serie para la televisión y no existen monstruos ni superhéroes más que en la ficción. Es donde seguimos a un niño, Tsutomu, quien encuentra una esfera roja capaz de hacer cumplir deseos. El pequeño no se le ocurre mejor cosa que traer a Gamu a su realidad, lo que ocasiona bastantes tumultos entre los fans infantiles de la serie. Pero la cosa se complica cuando unos matones de la clase de Tsutomu le arrebatan la esfera y con la intención de sembrar el caos traen a un monstruo gigante a la ciudad. La situación acabará tomando caminos apocalípticos en donde Gaia tal vez necesite un poco de ayuda extra...

El filme es una agradable sorpresa que sorprende con detalles como el de presentar un mundo real en donde Gaia y sus personajes son ficción. Son divertidas las escenas en las que Gamu acaba de llegar a dicho mundo real y es asaltado y perseguido por hordas de niños que le gritan que se transforme en Gaia bajo el estupor del joven. Pese a que la historia esté focalizada en su gran mayoría en unos protagonistas infantiles estos acaban por ser bastante soportables. El personaje de Tsutomu, siendo un niño solitario, malo en los deportes y obsesionado con Ultraman acaba resultando entrañable y el pequeño, gracias a la enorme aventura en la que se ve envuelto, crecerá y madurará.

El empaque general del filme es bastante bueno tratándose de un filme infantil con un uso de grandes exteriores y un sentido de la espectacularidad con excelentes maquetas y escenas de destrucción y un uso del CGI bastante bueno. Eso si, quien espere un gran crossover a la manera tradicional con Tiga, Dyna y Gaia compartiendo plano en gran parte de la película se va a llevar una gran decepción siendo el filme más bien un capítulo alargado de Ultraman Gaia con unos invitados de lujo que aparecen en los últimos cinco minutos de la película. Un hecho que acaba siendo frustrante y te hace desear que dichos héroes hubieran aparecido unos pocos minutos más. Sensación acrecentada con la explosiva batalla final con los 3 Ultra en acción donde el departamento de efectos se luce con constantes planos espectaculares de los héroes con la luz detrás de ellos, batallas espaciales y submarinas.

Gamu en apuros.

Ultraman Tiga, Ultraman Dyna & Ultraman Gaia: The Decisive Battle in Hyperspace es decepcionante como crossover de dichos personajes pero resulta una muy simpática cinta con unos protagonistas infantiles inmersos en una aventura que les supera y que les ayudará a madurar con un trasfondo divertido y muy interesante con unos personajes de ficción asaltando la realidad y ayudando a los niños a traspasar dicho camino hacia la madurez.

 

La cinta fue un gran éxito en su estreno, superando en taquilla a La momia (1999) de Stephen Sommers e igualando incluso la taquilla de Godzilla 2000 Millenium (1999). Como gran curiosidad, Tsutomu, el niño protagonista está interpretado por Gaku Hamada, que más tarde aparecería en grandes películas como Fish Story (2009), The Eternal Zero (2013), Himeanoru (2015) o la reciente Kamen Rider: Black Sun (2022).