ASIAN FILM FESTIVAL BARCELONA: RECOMENDACIONES by Mgda Inquieta

Me complace y llena de ilusión poder presentar a una nueva colaboradora de Oriental Paradiso como es la intrépida Mgda Inquieta (@mgda_inquieta), amante apasionada del cine y en especial del lado oriental del globo. Para esta primera aventura "paradisíaca", Magda se adentrará en el aclamado "Asian Film Festival Barcelona", en su 13a edición, recomendando algunos títulos de su programación y que seguro os asegurarán un rato cinéfilo de lo más disfrutable. Vamos pues allá:

Asian Film Festival Barcelona y sus thrillers (1a parte)

Vuelve el Asian Film Festival Barcelona [https://asianfilmfestival.barcelona/2025/es/] (AFFBcn) de Casa Asia entre el 29 de octubre y el 9 de noviembre. AFFBcn 2025 contará con 128 películas de 26 países. Las propuestas más numerosas provienen del Asia Oriental, sobre todo de China y Japón, pero también podrás ver filmografías con poca proyección cinéfila exterior como Kazajistan, Kirzijistan, Uzbekistan, Myanmar o Mongolia. ¿Dónde? La programación se reparte entre los Cines Girona, Zumzeig, Caixaforum, Institut Français de Barcelona, en sesiones gratuitas de ECIB, Institut Confuci y Casa Seat o, para los que no podéis acercar a la ciudad condal, también programan algunos largometrajes en el canal de TV Betevé y Filmin.

Cada festival tiene características que lo definen, en el AFFBcn sin duda sería el género drama, una gran mayoría de corte independiente y algunos de ellos debut en la dirección. En el AFFBcn es también representativo el aspecto más social, de denuncia, de aproximación a luchas y minorías de países asiáticos. Aunque también se cuela por ahí algunas cintas experimentales, más visuales o poéticas. Quizás el drama no es vuestro género favorito, pero no pocas propuestas mezclan el drama con humor, suspense, thriller y hasta acción. Podéis arriesgaros y quizás os sorprenda. Si estáis valorando ir tenéis toda la información de las películas en la web del festival con tráilers, presencia de directores y actividades paralelas. ¿Nos vemos en la cola?

Después de horas de repasar la parrilla, desde Oriental Paradiso os recomendamos los thrillers, aquellas historias donde se destaca el suspense, los giros y aquella tensión emocional que te lleva hasta estremecer. Secuestros, conspiraciones y situaciones pendientes de resolver, a momentos mezcladas con investigación, persecuciones o tiroteos.

Por orden de programación, jueves 30 octubre exhiben ‘The Land of Morning Calm’ [https://asianfilmfestival.barcelona/2025/es/film-item/the-land-of-morning-calm/] (2024, Park Ri-Woong) de Corea del Sur empieza con la desaparición de un pescador durante la jornada laboral. Mientras se desarrolla la investigación sobre el accidente, asesinato o simulación vamos conociendo secretos de ese pueblo costero, relaciones familiares y discriminaciones.

¿Qué esconden los silencios? ¿Qué se remueve en un pueblo que parece estancado e insostenible? Con una cruda fuerza emocional cada personaje ofrece un contraste de la historia. Película que se presentó en el pasado Festival Internacional de Cine de Busan donde obtuvo tres premios, incluido el del público.

La segunda sugerencia es el primer gran título del AFFBcn 2025. Después de su paso por Cannes y en nuevo montaje, ‘Resurrection’ [https://asianfilmfestival.barcelona/2025/es/film-item/resurrection/] (2025, Bi Gan) de China. Una película que se presenta como sci-Fi y misterio. En el punto donde el misterio se solapa con un futuro postapocalíptico, enfocado a generar aprensión a través de lo sobrenatural, lo sádico o lo grotesco. 

Bi Gan tiende a ser un director muy visual, crudo en sus historias y a la vez trascendental, gritando a los cinco sentidos. Quizás no apto para todos los públicos con sus largos planos secuencia, su ritmo meditativo o su tendencia onírica, pero está reconocido como una de las voces más innovadoras del cine chino contemporáneo. Su última película cerrará la noche de los muertos, o castañada como decimos aquí y quizás se agotarán. ¿Comprasteis ya la entrada?

Del primer día de noviembre nos llama una película que explora el crimen organizado entre la frontera montañosa de Kirguistán y Kazajistán. ‘Deal at the Border’ [https://asianfilmfestival.barcelona/2025/es/film-item/deal-at-the-border/] (2024, Dastan Zhapar Ryskeldi) del Kirguistán se proyectará en el cine cooperativo Zumzeig [https://zumzeigcine.coop/es/cine/sesiones/festivales/], cerca de la estación de Sants. 

Centrada en una red de traficantes de personas e intentos por escapar de la red criminal, aun poniendo en riesgo sus vidas. Tema duro el de la trata, a la trama se incluyen otros temas como la traición, el sentido del deber y la redención. Con curso lineal mantiene una evolución clásica y convencional del género acción, con interpretaciones sólidas y entretenida. ¿A destacar? Una dirección de fotografía impactante que le valió premio a Bolsunbek Taalaibek Uulu en el Festival Internacional de Cine de Bishkek y el Arctic Open 2024, por esos paisajes montañosos impresionantes.

Martes 4 de noviembre dos películas que exploran la corrupción y que se podrán ver sin coste alguno. ‘Kan Nagar’ [https://asianfilmfestival.barcelona/2025/es/film-item/kan-nagar/] (2024, Talha Masood, Saleem Dad) de Pakistán se proyectará en la Escuela de cine y animación de Barcelona (ECIB) [https://ecib.es/asian-film-festival-barcelona/], con acceso abierto hasta completar aforo. 

Inicialmente, el inspector Affan investigaba el caso de impago de impuestos y acoso en una mina de carbón, pero una vez allí, como suele pasar, el problema es mucho mayor. Explotación laboral, lucro empresarial y obstáculos en un sistema de corrupción y complicidad arraigados. Los ricos cada vez más ricos, la clase trabajadora atrapada en la pobreza. El inspector Affan no se rendirá fácilmente tampoco. Thriller con componente social, con un tema inhóspito tal como su localización. Su director, Talha Masood, destacó por a menudo exploran cuestiones sociopolíticas y, en este caso, está basada en hechos reales vinculados con la economía sumergida de Pakistán. ¡Un aviso! La proyección será en versión original subtitulada en inglés.

La segunda propuesta del día también explora la injusticia. Que no os engañe el cartel porque a nada que miras el tráiler aparecen pistolas y persecuciones. ‘Conviction’ [https://asianfilmfestival.barcelona/2025/es/film-item/conviction/] (2024, Dias Bertis) de Kazakhstan se podrá ver a 22h en Betebé, la televisión de Barcelona, en el Dial 26 TDT de Barcelona provincia o por el Dial 160 Movistar Plus+ fibra o ADSL. 

El director de la aclamada A Dark Yard (2023), vuelve con una historia situada en 2009 en un pequeño pueblo a orillas del lago Issyk-Kul. Aktan. Un joven estudiante, pasa de soñar con unirse al Comité de Seguridad Nacional a tomar el tribunal local a mano armada. ¡Como si nada! 

Entremedio toda la trama sobre la amistad, las injusticias del sistema judicial, los privilegios de clase y el odio que genera odio.

Al día siguiente, 5 noviembre, hacen un thriller de Mongolia que creo que será uno de los imprescindibles del AFFBcn. Poco se habla de esta película entre los TOPs pero… como en la vida, cada uno tenemos que hacer nuestra propia lista. 

‘Travesty’ (2024, Batsukh Baatar) de Mongolia trata de un secuestro con rehenes en un hospital municipal en medio del desierto. Desorbitadamente, piden por cada persona mil millones de tugrik mientras policías y funcionarios locales se lo toman a broma. En estas el detective Davaa, proveniente de ciudad, intenta resolver el rescate entre asesinatos indiferencia política, buenos efectos visuales y mucha comedia negra. 

Así que ahí tenemos un apetecible combo de acción, thriller y western en una trama a contra reloj para evitar el desenlace trágico.

Tráiler: https://youtu.be/Dsr3-auUH_U?si=1Fjsu-NtMiJ55Nl4


Como nos va quedando largo el artículo dividimos en dos. Pronto os traemos la segunda parte con otros seis thrillers que se proyectaran en el Asian Film Festival Barcelona 2025 a partir del 6 de noviembre. Largometrajes provenientes de otros países asiáticos, más secuestros, disparos e injusticias por resolver.

CRÓNICAS DE SITGES 2025 (2/4)

Ya lo advirtió Ángel Sala unos días antes. Desde Hong Kong, The Furious prometía ser una de las mejores cintas de artes marciales de los últimos años. Un espectáculo de puro frenesí. Y efectivamente así ha sido. En estos últimos años hemos tenido diversas cintas que han revolucionado el genero de acción y de las artes marciales. Por un lado, Gareth Evans y su dupla de cintas de The Raid o Timo Tjahjanto con su memorable The night comes for us, por citar varios ejemplos. The Furious se puede unir sin ningún problema, es más casi está por encima, de ese ya legendario grupo de películas.

Rainy, hija del experto en artes marciales Wang Wei, es secuestrada por una red de tráfico de menores. En un frenético intento de recuperarla, el padre se lanza a la guerra, enfrentándose a numerosos obstáculos mientras lucha contra criminales y policías corruptos. En el camino conoce a Navin, un periodista en busca de su esposa desaparecida. Ambos despliegan sus habilidades de combate mientras aprenden las virtudes de la confianza mutua.

The Furious es la Capilla Sixtina del cine de tullinas. Es “El padrino” de las artes marciales. Lo que logra Kenji Tanigaki (director pero además director especializado en las escenas de acción, ahí está su magnifico trabajo en Twilight of the Warriors) es por un lado crear una cinta que no da ni un minuto de respiro con una seguidilla de escenas de acción de aúpa que orbitan alrededor de una trama simplificada al máximo pero efectiva. La excusa del secuestro de la hija del protagonista y su posterior rescate es la excusa perfecta para unas escenas de artes marciales con unos coreografías salvajes y una planificación adrenalínica.

Acompañado de Xie Miao. Muy simpático.

Desde hostias que arrancan cabezas, peleas en una furgoneta en marcha, todos contra todos, peleas con bicis... El festival de tullinas es agotador y extenuante pero en el mejor de los sentidos. Entre el reparto encontramos a varias caras conocidas de los filmes de The Raid o The night comes for us como es el estupendo Joe Taslim y Yaya Ruhian. Y de protagonista tenemos al mítico Xie Miao (o Tse Miu) como artista marcial mudo. Miao lleva trabajando desde niño y cuenta con trabajos como La leyenda del dragón rojo (1994) con Jet Li.

Sin duda The Furious es una de las cimas del género de acción y de artes marciales. Una cinta tremendamente gozosa, salvaje y adrenalínica. Ni un segundo de aburrimiento te ofrece la cinta. El pase en un Auditori Melià a reventar con toda la audiencia gozando con la película fue algo inolvidable.

Bastante expectación había por Good Boy y la verdad es que la premisa a primera vista, sobre el papel, parecía curiosa y atractiva como era el de presentar la clásica historia de casa encantada, con sus fantasmas y aparecidos pero visto desde el punto de vista de un perro.

Como digo, Good Boy parte de una premisa bastante curiosa pero que a los 5 minutos de película ya ves que se queda en eso; en un experimento. Desde aquí quiero destacar enormemente la pericia y entrenamiento del perrete Indy, verdadera estrella de la cinta y que contó con una preparación de casi 2 años por parte del director, Ben Leonberg. Pero, pese a ello o al evidente gran trabajo de iluminación de la película y el uso de las luces y sombras... pese a todo ello la cinta se antoja sosa y bastante aburrida en general. 

Simplemente porque repite los mismos clichés y sustos ya vistos muchas veces en el último cine de fantasmas pero ahora los sufre un perro. Además, dichas apariciones o forma de crear el terror tampoco es que resulte muy apasionante siendo algo más blandito y con poca chica. Todo ello hace que sus a priori agradecidos 70 minutos se hagan muy pero que muy largos. Una cinta curiosa como digo, loable en sus aspiraciones destacando aspectos técnicos (aún habiendo costado 900.000 dólares la producción) pero se queda en un experimento bastante soso y con poca chicha.

Desde Noruega nos llega una de las propuestas más divertidas y gozosas de este Festival de Sitges 2025. La hermanastra fea retuerce la clásica historia de La Cenicienta centrándose en su hermanastra malvada Elvira y el camino que ha de recorrer para ser una mujer perfecta y así conquistar al príncipe del reinado.

La hermanastra fea, al igual que hizo el año pasado La sustancia (con aún mayor fortuna, hay que decir) disecciona, muestra y critica con salvajismo y mucha comedia negra las exigencias físicas a la que son sometidas las mujeres a lo largo de su vida. La pobre Elvira es sujeta a diversas operaciones, transformaciones y prácticas discutibles para alcanzar el físico exigido y así ser digna del rey. Todo ello está realizado con unas intenciones salvajes pero a la vez empapadas de mucha acidez y comedia negra. 

No solamente el filme se queda en el festival de momentos extremos sino que además presenta un nivel de producción encomiable. Con un exquisito gusto a la hora de plasmar el aspecto visual de la cinta con unos decorados y vestuario muy notables. Con algún sorprendente y visceral momento sexual explícito (ese momento en el granero con Cenicienta), un ritmo bien dosificado, una elegante plasmación formal y secuencias extremas que despiertan el aplauso del respetable, La hermanastra fea resulta una muy gozosa propuesta de género la mar de recomendable.

En Sitges llevamos unos cuantos años encadenando varios filmes japoneses independientes con las paradojas y los bucles temporales como premisa principal. Ahí están las muy simpáticas Beyond the infinite two minutes (2021) o River (2023), ambas de Junta Yamaguchi para atestiguarlo. Exit 8, basada en el videojuego “The Exit 8”, lleva un paso más allá la temática de los bucles ofreciendo además una relectura llamativa del terror japonés.

El filme sigue a varias personas anónimas las cuales se encuentran atrapados en una estación de metro. D este bucle constante solo pueden avanzar de nivel cuando detectan una anomalía en el lugar y seguidamente vuelven sobre sus pasos. La única manera de escapar es llegar hasta la salida 8....

Exit 8 es un filme curioso, que traslada literalmente el mundo y reglas del videojuego en el que se basa al medio cinematográfico. En ese sentido gran parte del filme se antoja reiterativo y repetitivo pero digamos que ahí radica la gracia del asunto. Ver atrapados en un metro a un salary man o a un joven frustrado, típicos japoneses que ya de por sí, su día a día ya resulta una constante repetición (casa-trabajo-casa...) pues tiene cierta gracia. Es remarcable además la capacidad inmersiva de la cinta invitando al propio espectador a buscar junto a los protagonistas las posibles anomalías del espacio.

El terror se introduce poco a poco y la inquietud radica en las pequeñas diferencias del espacio en el que se mueven los protagonistas o los extraños personajes que realizan un mismo ciclo sin cesar. En ese sentido el filme resulta extraño, misterioso y remarcable a la vez que realiza una reflexión sobre los temores de la paternidad en donde se centra (para variar) en las dudas y miedos de un joven que recién se entera que va a ser padre (y su pareja es la preciosa Nana Komatsu nada menos, quien realiza unos breves cameos). Así Exit 8, no pasará a la historia pero si es una muy curiosa cinta que supone una pequeña bocanada de aire fresco para el terror japonés.

Ojo al proyecto. Filme de Singapur y con producción multi-internacional viéndose mezcladas la misma Singapur, Indonesia, Japón y el Reino Unido (ni el G8, oye). Filme ambientado en los últimos años de la II Guerra Mundial y que viene a ser una coctelera entre Infierno en el Pacífico (1968), un poco de drama bélico, un poco de survival y mucho de monster movie con pinceladas de Predator. Esto es Orang Ikan (2024), o Monster Island, para los amigos.

El filme se ambienta en el Pacífico, en 1942. Un soldado japonés y un prisionero de guerra británico se encuentran varados en una isla desierta, perseguidos por una criatura mortal. Dos enemigos acérrimos deben unirse para sobrevivir a lo desconocido.

Monster Island parte de una premisa muy potente. Introducir el contexto de la II Guerra Mundial con 2 soldados enfrentados teniendo que sobrevivir en una isla con un primo de La criatura de la laguna negra. Pese a lo potente de la premisa el filme peca de una realización bastante torpona en el que inexplicablemente encontramos algunos fallos de continuidad entre planos, saltos de eje además de un exceso de movimiento de planos en los momentos de diálogo innecesarios. Eso si no hablamos de lo justo de las interpretaciones de la pareja protagonista.

Aún así el filme me ha resultado bastante simpático. No solamente la trama y el conflicto planteado resultan sugerentes llevando la historia del trauma de la guerra a los relatos de marineros sobre criaturas misteriosas sino que además se tiene el suficiente mimo para que la criatura esté realizada a la vieja usanza; con un hombre disfrazado. Aunque sus escenas no sean para tirar cohetes el filme nos regala algunas gozosas y sangrientas secuencias de muertes que levantaron algún que otro aplauso.

Monster Island resulta una cinta entrañable y simpática. Una coctelera divertida (aunque torpe) entre el cine de explotación (veo un poco del Cirio H. Santiago de La bestia ha vuelto (1987), también con un hombre pez) con el cine más serio como el bélico.

CRÓNICAS DE SITGES 2025 (1/4)

Programa en directo de "Cosas de Monstruos"

La lluvia. El sonido de las olas del mar. El reencuentro con los compañeros cinéfilos. Si, hemos vuelto al Festival de Sitges en su edición 2025. Por unos días, el mejor sitio del mundo y centro neurálgico de lo más granado del cine fantástico y de terror de la temporada. Este año ha resultado ser sumamente especial para un servidor y es que este 2025 se cumplen nada menos que 20 años desde mi primera visita al Festival. 2005, acompañado por mis padres, con 17 años, me introduje en una inolvidable doble sesión en el Auditori Melià (la muy justa Room junto a la impresionante Haze de Shinya Tsukamoto) que marcó para siempre mi vida cinéfila.

¿Y qué mejor manera de celebrar mi vigésimo aniversario en Sitges que realizando un programa en directo en el "King Kong Area" junto a mis queridísimos compañeros del podcast "Cosas de Monstruos"? Y es que para la ocasión, Josan García, Octavio López y un servidor hicimos un programa especial en el que repasamos con pasión y risas los 60 años de la tortuga gigante Gamera. Un rato de lo más divertido (pese al pequeño caos técnico anterior al programa) y ameno acompañados de unas vistas inmejorables al mar.

Tras el programa corrimos apresurados hacia la carpa FNAC, frente al Auditori Melià. Y es que fiel a la tradición anual, el compañero Octavio presentaba nuevo libro. Esta vez dedicado al pequeño clásico El terror llama a su puerta (1985) de Fred Dekker (editado por Applehead Team). El autor alicantino desgranó los recovecos de esta producción tan singular y divertida junto a Enrique Muniesa, experto en cine resbaladizo.

Tras este par de actos públicos, vino el tradicional paseo del Auditori hasta la playa, acompañados de unas divertidas sesiones de fotos. Tras ello nos introdujimos en el cine Prado para vivir un reencuentro junto al gran Takashi Miike en uno de sus nuevos filmes; Blazing Fists.

Takashi Miike es un gran habitual del Festival de Sitges (el director ya visitó la ciudad hace 2 años, espero hacerle algún día aquella entrevista pendiente...) y es que al ritmo de trabajo de su director, de 2 a 3 películas al año, su presencia es constante. En la presente edición proyectaban 2 de sus últimos trabajos. Por un lado Sham, un sobrio drama judicial y por otro lado Blazing Fists, también conocida por el titulo de Blue Fight: The Breaking Down of Young Blue Warriors.

En el filme, Ikuto y Ryoma se conocen en un centro de detención juvenil y se hacen amigos. Al salir de allí persiguen su sueño de participar en el evento de artes marciales Breaking Down. Sin embargo, las rivalidades pronto convierten sus sueños en conflictos inesperados.

Blazing Fists se enmarca dentro de la temática de los delincuentes juveniles, hecho que nos puede hacer recordar a algunos de los trabajos primerizos de Miike de los años 90, los cuales estaban poblados de estos personajes. Blazing Fists es un filme por lo general bastante estándar, sobrio y dialogado. En ese sentido por su gran proliferación de personajes esta película más bien parece ser el capitulo 0 de una gran saga, aunque hasta donde yo se, Blazing Fists no está basada en ningún manga o anime.

Así, el filme centra gran parte de su metraje narrando las diferentes vicisitudes de sus protagonistas, su entrenamiento, sus sueños por salir de una vida de delincuencia aunque ésta parece no querer dejarles escapar. Destaca el fascinante plantel de personajes, enemigos y aliados, a cada cual más estrambótico. El filme levanta el vuelo en un final que incluye una pelea final de lo más salvaje y loca, que logra despertar al respetable y acabar la cinta con una valoración algo más superior. En todo caso, un correcto filme del director japonés.

All you Need is Kill nos constata, una vez más, el gran estado de salud del anime japonés. Tras una primera adaptación cinematográfica de la historia realizada en Estados Unidos, Al filo del mañana (2014), y protagonizada por Tom Cruise y Emily Blunt, nos llega esta nueva adaptación que mantiene el mismo titulo de la novela en la que se basa y que se antoja realmente fiel al material original. Una producción que según contaba su director, Kenichiro Akimoto, ha costado hasta 4 años de trabajo.

Cuando los alienígenas Gitai invaden el planeta, Rita es uno de los muchos reclutas a los que meten en una armadura de combate y envían a matar. Rita muere en el campo de batalla, y cada mañana renace para luchar y morir una y otra vez.

All you need is kill me ha parecido un filme verdaderamente notable, con algunos momentos que me han despertado un total asombro. Pese a que la trama da inicio con este interminable reset a la que es sometida Rita, nuestra protagonista, al enfrentarse a su propia muerte a manos de unos terribles alienígenas, la cinta sabe ampliar su historia y premisa a tiempo del hartazgo y el aburrimiento, incorporando a otro personaje a la ecuación. Así la trama se expande hacia otras cotas creciendo la emoción convirtiendo lo que era una historia bélica en una bonita historia de amistad a la vez de reflexión sobre la muerte y el sentido de la vida.

La animación resulta sobresaliente e imaginativa. El uso de encuadres torcidos, el color, pasajes casi experimentales dan una atmósfera subyugante y muy particular a la producción. Por todo ello, una grata sorpresa la de All you need is kill, un anime de lo más notable y potente.

Altas expectativas habían con Arco tras su paso por el Festival de Annecy, en el que se llevo los premios a "Mejor película" y "Mejor banda sonora". 

Producción francesa dirigida por Ugo Bienvenu y producida, entre muchos, por Natalie Portman, Arco da nombre al protagonista del filme, el cual vive en un futuro lejano. Durante su primer vuelo con su traje arco iris, se desvía, pierde el control y aterriza en nuestro futuro cercano, en 2073. Iris, una niña de la misma edad que Arco, lo ve caer del cielo y hará todo lo posible para ayudarle a volver a casa.

Lo peor que se puede decir de Arco (si es que puede ser algo malo) es su constante homenaje o similitud en el dibujo a la animación de Ghibli. La plasmación de las ciudades, los vehículos, la fauna natural... todo es muy deudor del cine del estudio de Miyazaki y Takahata. Nada que objetar al respecto pero si que te deja con la sensación de “esto es maravilloso, pero ya lo he visto antes”.

Pese a ello, Arco es sin duda una preciosidad. Una cinta conmovedora que cuenta una historia de amistad pasada con gran fortuna por un filtro sci-fi con viajes en el tiempo y una sociedad en descomposición (la de 2073), robotizada, con figures adultas ausentes y con una metereología violenta (todas las casas están protegidas por un escudo invisible). Es en este mundo frío y cada vez más deshumanizante donde Iris parece no encajar de ninguna de las maneras, teniendo en su aventura con Arco, una gota de luz que la ayudará a crecer y madurar. Como digo, una pequeña joyita, que además reivindica el poder de la imaginación y la capacidad creativa de dibujar. Con escenas de lo más emocionantes, una banda sonora de lo más contundente y una animación sobresaliente. Sin duda Arco me ha parecido una de las cintas de animación del año. Como una magdalena acabé en la proyección en el Auditori Melià.

FESTIVAL DE SITGES 2025

 

CRÓNICAS DEL FESTIVAL

- PROGRAMA ESPECIAL "COSAS DE MONSTRUOS" / BLAZING FISTS / ALL YOU NEED IS KILL / ARCO

- THE FURIOUS / GOOD BOY / LA HERMANASTRA FEA / EXIT 8 / MONSTER ISLAND

- NO OTHER CHOICE / SI TUVIERA PIERNAS, TE GOLPEARÍA/ OLD WOMAN WITH A KNIFE / SCARLET / THE CURSE 

- TAROMAN EXPO EXPLOSION / NEW GROUP / ANGEL'S EGG / AQUEL ÚLTIMO TIBURÓN / CESIUM FALLOUT

PSYCHIC VISION: JAGANREI (1988)

Como comentaba en la review destinada a Evil Dead Trap 2: Hideki (1992), el estado del terror japonés se encontraba en plena vorágine de producciones, por lo general, cada vez más duras, retorcidas y salvajes. No habría un cambio de dirección en el género en Japón hasta la llegada de The Ring (1998) y que devolvía al espectador a un terror de fantasmas y espíritus con unos filmes que trabajaban aspectos como la atmósfera en lugar del derramamiento de sangre para espantar. Si bien, antes de Ringu ya hubieron algunos trabajos que funcionaron como avisos de esta nueva llegada de los horrores fantasmales tales como Haunted School (1995) o precisamente la primera adaptación de la novela The Ring de Koji suzuki como fue Ringu (1995), destinada a la televisión.

Si bien, es gozoso encontrar joyitas bien escondidas como ésta Psychic Vision: Jaganrei (1988) y que casi se adelanta 10 años a todo el fenómeno J-Horror fantasmal de inicios de los 2000.  

El filme, con unos reducidos 50 minutos de metraje, está planteado como un falso reportaje de televisión conducido por Kyoko Sawai, una reportera que está haciendo un informe sobre una cantante juvenil llamada Emi Kato. Emi y su personal están preparando la promoción de su próxima canción "Love Craft". Y a medida que ocurren accidentes espirituales a su alrededor, Kyoko descubre que la mujer que compuso la canción murió siete años antes.

Sin duda, Psychic Vision: Jaganrei es toda una curiosidad de obligado visionado para todo buscador de rarezas. Pese a que ese adentramiento inicial del falso reportaje en el mundo de las idols y la grabación de un tema para lanzar a una nueva cantante sea más bien poco interesante, poco a poco la cinta va rodeándose de una atmósfera raruna e inquietante en cuanto algunos fenómenos extraños, de carácter bastante sutil en pantalla, van haciendo acto de aparición pareciendo estar relacionados con dicha canción y la persona que la compuso unos años atrás.

Junto a la crítica hacia la explotación y sistema industrial del mundo discográfico relacionado con las Idols, el filme disfruta de un tramo final notable en donde la fantasma de turno se venga de todos con dolorosos resultados para sus víctimas en medio del rodaje de un videoclip. Punto álgido para esta pequeña producción que culmina con dos escenas post-créditos bastante llamativas. Un filme loable y que merece un redescubrimiento, tal y como se hizo en la edición 2023 del Festival de Sitges al recuperarla para la sección Seven Chances.

Como curiosidad, del guión se encarga Chiaki J. Konaka, un peso pesado del tokusatsu y que se encargaría de guiones de algunas de las mejores ultraseries como Ultraman Tiga (1996) y Ultraman Gaia (1998). Konaka, con su pluma, es considerado uno de los padres fundadores de este nuevo cine de terror con fantasmas y que acabaría etiquetándose como J-Horror. De la dirección se encarga Teruyoshi Ishii, quien ya había colaborado con Konaka en la súper rareza Daikanyama Wonderland Horror (1986) (donde aparecían Jason y Freddy Krueger cazando Idols) y que más tarde también acabaría vinculado a la franquicia Ultraman participando en Tiga (1996) y Dyna (1997). De entre el reparto de la cinta cabe destacar al todoterreno Naoto Takenaka, quien ha aparecido en más de un centenar de producciones de todo tipo donde cabe destacar trabajos como El gourmet samurai (2017), Sweet Whip (2013), Azumi (2003) o Swing Girls (2004).

EVIL DEAD TRAP 2: HIDEKI (1992)

No suelo comentar una segunda parte sin antes haber realizado la correspondiente review a su entrega precedente, pero en este caso, la sorpresa y el impacto ha sido tal que bien lo merece.

La situación del horror japonés durante los años 80 y 90 se estaba adentrando en terrenos inquietantes, sucios, ultraviolentos y por ello verdaderamente escalofriantes. Desde la conjunción entre el softcore propio del Roman Porno con elementos de terror y gore como la trilogia Guts of a Virgin... a la explosión del mercado del vídeo cuya libertad creativa para sus autores generaba auténticas salvajadas llenas de nihilismo, caso de la archiconocida Guinea Pig y sucesivas... hasta otros ejemplos como Naked Blood (1995) de Hisayasu Sato, nos dan una idea de que aún no había llegado el momento del terror fantasmal y sutil que gracias a The Ring (1998) pondría en boga otro tipo de terror que dejaba atrás en gran parte el salvaje cine de género anterior. 

Evil Dead Trap (1988), también conocida como Tokyo Snuff, dirigida por Toshiharu Ikeda (responsable de la genial Sex Hunter (1980), uno de los mejores y más locos Roman Porno ever), entraba dentro de este horror anteriormente mencionado proponiendo una muy curiosa mezcla de slasher salvaje en torno al mundo de las snuff movies y que derivaba en un tramo final de puro fantástico. Aún con sus taras es uno de los filmes de terror japonés más interesantes de los años 80.

Sin ninguna conexión con su antecesora, Evil Dead Trap 2: Hideki (1992), supone un gran salto de calidad con un producto insólito, demoledor tanto en su fondo como en su forma y que se atreve a presentar una Tokyo deshumanizada, en una fascinante plasmación del barrio de Ginza, envuelta de neones, drogas, prostitución y bajeza moral. Entre esos coloridos edificios nuestro asesino se encarga de ajusticiar a víctimas femeninas con brutalidad llevando la cinta, por su estética y uso de la cámara, a los terrenos de un giallo italiano hipersalvaje y que parece replicar por momentos los asesinatos cruentos de El destripador de Nueva York (1982) de Lucio Fulci. Pero lo más interesante del filme resulta el retrato de sus personajes, en especial la pareja de protagonistas femenina. Mujeres acosadas por el fantasma del aborto, de la obligación social de tener hijos (ambos representados con esas apariciones de un niño fantasmal) y servir al esposo, de la masculinidad tóxica y donde toda esa furia feminista es expresada de manera salvaje y explosiva por medio de una violencia que en ocasiones la acerca al terreno de lo surrealista.

Frente a la explosión de violencia general, el filme sorprende con un tratamiento visual muy cuidado con planos muy expresivos (la silueta del killer persiguiendo a su víctima frente a un enorme edificio de neón, los brazos de una de las víctimas apareciendo tras la protagonista recordándonos a un ángel de la muerte...) hasta otros planos contemplativos más propios de un cine autoral como el de Shinji Somai o el Takeshi Kitano de sus primeros años (ese plano fantasmagórico de la hierba reaccionando al viento).

El clímax final del filme abandona la lógica, convirtiéndose en una alucinada y alucinatoria pesadilla sangrienta con los personajes femeninos luchando entre sí, con desmembramientos, cuchilladas y chorros de sangre cayendo sobre el espectador por doquier.

Sin duda, toda una sorpresa. Dirigida esta vez por Izo Hashimoto, con guión del propio Hashimoto junto a Chiaki J. Konaka (una de las personalidades que ayudaron a fundar el nuevo terror japonés además de guionista esencial en series de Ultraman en los 90) es un filme en ocasiones árido pero enriquecedor y sugerente en las dobles lecturas de sus imágenes, lo cuidado de su tratamiento visual y lo potente que resulta en cuanto abandona lo realista para ofrecer una pesadilla simbólica.

REBIRTH OF MOTHRA (1996)

La polilla gigante Mothra siempre ha gozado de una enorme aceptación entre el público nipón hasta el punto de convertirse en el kaiju más célebre del género tras Godzilla y Gamera. La mariposa, que además es la favorita del público femenino japonés, goza de un halo bastante único en el bestiario monstruoso kaiju estando rodeado de unas características fantásticas y mágicas, pura deidad achuchable y que ha ayudado en su éxito.

La primera aparición de la polilla fue en la genial Mothra (1961) de Ishiro Honda y tras su enfrentamiento con el saurio en la maravillosa Godzilla contra los monstruos (1964) se convirtió en una secundaria habitual de la saga Godzilla. A principios de los 90 con un renacido Godzilla golpeando la taquilla se pensó en producir un filme de la polilla en solitario, si bien, se dudaba de su poder en la taquilla y finalmente el proyecto acabó mutando en lo que sería Godzilla contra Mothra (1992). El exitazo que supuso esa entrega, la muerte cinematográfica de Godzilla en 1995 además del éxito de la nueva trilogía Gamera (competencia de Toho) acabó de animar la creación de Rebirth of Mothra (1996).

El filme se entrega sin pudor a una estética y tono infantil que en muchas ocasiones recuerda a las infames entregas de Gamera en los 60 con niños algo repelentes siendo dueños de la función. Aunque he de decir que aunque torpes las entregas de Gamera al menos se convertían en un espectáculo loco y divertido de ver, lo contrario, en general de esta Rebirth of Mothra. Sorprende que el guión sea una lágrima y cuyo leve contenido lo encontramos en los primeros 30 minutos de la cinta. El descubrimiento de unas ruinas/fósiles misteriosas y que se sustraiga un medallón que abre la caja de pandora al renacimiento de un Ghidorah remodelado, cuadrúpedo y más monstruoso (convertido para la ocasión en Desghidorah). La aparición del monstruo, a los 30 minutos sirve de punta de lanza para una sucesión de batallas eternas una tras otra, con ataques y rayos cada vez más elaborados y luminosos que acaban por hastiar. 

Si, la presencia de los monstruos es constante pero no hay nada de emoción o de interés tras ellos. Pese a no contener ninguna escena de destrucción urbana, los efectos puramente tokusatsu resultan de un gran nivel, destacando las sobreimpresiones y matte entre actores y monstruos. Lástima que Mothra siga siendo un peluche de tres al cuarto. Horripilante resulta la inclusión de CGI que da pie a sangrantes secuencias como esos videoclips con las gemelitas de Mothra y que no tienen nada que envidiar a los karaokes de los más decadentes restaurantes chinos. La ambiciosa aunque en general fallida y muy alargada escena de las pequeñas gemelas luchando contra su hermana malvada en casa de los niños protagonistas es otro ejemplo de ello.

El constante griterío (Mothraaaa, no te mueraaaaas...), lo limitado de los personajes humanos y la poca originalidad general hace de esta Rebirth of Mothra una mústia entrega, y que de entre el soserío general podemos destacar la fabulosa partitura de Toshiyuki Watanabe, que eleva la cinta hacia terrenos superiores además de algunas escenas visualmente espectaculares como la de la presa o el nacimiento de Mothra Leo (efectos obra de Koichi Kawakita, director de efectos en la etapa Heisei de Godzilla). Lo discreto del filme no evitó que en taquilla funcionara realmente bien (con unos números muy similares a los de Godzilla vs Destoroyah de 1995) dando puerta a una trilogía protagonizada por la mariposa.