THOSE WERE THE DAYS (2000)

La saga Young and Dangerous da para mucho y los productores de la franquicia, ni cortos ni perezosos, arremetieron con una serie de spin off's y precuelas para complementar el universo mafioso de la saga. Como he comentado anteriormente en el blog, dichos spin off's son incluso mejores que las entregas de la saga madre por su general tono directo y crudo además de acabar de rodear a los personajes de un aire trágico y casi nihilista. Ya analizamos la muy notable Young and Dangerous: The Prequel (1998), pero es que ahora toca una de las joyas de la corona; Those Were the Days (2000), spin off centrado en el mejor personaje del universo Young and Dangerous: Chicken.

El filme funciona como precuela a la vez de spin off y cuenta tanto la infancia como adolescencia de Chicken hasta que se une a la mafia de Hung Hing. Todo ello conectado con el romance que mantiene el joven junto a Gee, su vecina. Una muchacha responsable y aplicada que parece no encajar en tan desesperanzador barrio. Chicken se enfrentará a un gran problema y es que Gee odia todo lo relacionado con las tríadas ya que su padre se unió al grupo criminal años atrás.

Estrenada el 31 de marzo del año 2000, Those Were the Days narra todas las vicisitudes y dificultades del pendenciero y juerguista de Chicken. La cinta resulta verdaderamente notable, principalmente por rodear a su personaje definitivamente de un halo trágico y fatalista que sienta de fábula a toda la producción, rodeando a sus imágenes de un aura melancólica muy acertada. Es de recibo advertir que la presente Those Were the Days explota más el drama y el romance trágico que no la acción, encontrando un gran equilibrio entre el trasfondo mafioso y el drama humano intimista. Y es que el nexo principal en la trama es el gran amor de Chicken con Gee y como este va dando tumbos a lo largo de los años. De nuevo, la representación de los barrios donde conviven los protagonistas, siendo de lo más bajo de la moderna Hong Kong, resulta excelente. 

En ese sentido destaca el trabajo de su director, Wai-Man Yip (quien ya había dirigido en 1998 la muy recomendable Portland Street Blues, el spin off de "La hermana 13") y quien resulta muy hábil a la hora de crear imágenes sugerentes y de gran fuerza, rodeándolas de un aura meláncolica, como de un recuerdo lejano pasado. Destacan momentos tales como Chicken y Gee en la azotea del edificio donde viven (primero como niños y luego como adultos) o esos meses de exilio para Chicken ocultándose en un casa sobre un río, hogar de una pareja de hermanas. Jordan Chan está excelente en el filme y aún interpretando a su personaje en sus años de adolescencia sale airoso y no cae en el ridículo. Destacar además a su compañera de reparto, Gigi Leung, además de cameos de personajes de la saga como Nam, Fatty, la hermana 13 o Tai Fei.

Those Were the Days (2000) explota el drama y el romance en un contexto mafioso siendo una cinta más centrada en las emociones y el desarrollo de personajes que en la acción siendo definitivamente un muy notable homenaje al que es el mejor personaje de la franquicia, coronado además con un tramo final explosivo y que te rompe el alma.

YOUNG AND DANGEROUS: THE PREQUEL (1998)

El universo de Young and Dangerous no se quedó en la saga madre formada por 6 entregas, realizadas entre 1996 y el año 2000, sino que animados por el gran éxito en taquilla de la saga se realizaron toda una seguidilla de spin off entre otros productos que expandieran el mundo mafioso presentado en la serie central de películas.

Estrenada el 5 de junio de 1998, Young and Dangerous: The Prequel (1998), cuenta las andanzas de la tropa de protagonistas de Young and Dangerous en sus años adolescentes, momento en el que hacen sus primeros contactos en el mundo criminal y las tríadas para lo que empiezan a trabajar para el que sería su primer gran jefe y referente: Bee.

Como toda la saga, el filme viene dirigido por Andrew Lau y para mi gran sorpresa, Young and Dangerous: The Prequel se erige como una de las mejores entregas sino la mejor, del gran ciclo mafioso "joven y peligroso". Se trata de un filme que recupera el tono sucio, duro y violento que ya se apuntaba en la primera Young and Dangerous (1996), pero llevándolo un paso más allá, cosa que es de agradecer. 

El cast adolescente que interpreta a las versiones juveniles de Nam, Chicken, Fatty... resultan hasta más acertados y "vivos" que las versiones adultas interpretadas por Jordan Chan, Eking Cheng... dotando a sus personajes de una gran simpatía y veracidad. En ese sentido, Nicholas Tse crea un Nam más apreciable, con más matices y que aparece mejor perfilado realizando un camino de crecimiento y madurez interesante. Al igual que Sam Lee, con su particular versión adolescente de Chicken, más inocente, enérgico y más caliente que el palo de un churrero. Como curiosidad, Jordan Chan y Sam Lee fueron co-protagonistas de la comedia Bio-Zombie (1998), estrenada el mismo año y que le añadía aún más cachondeo a la película. El filme, además, cuenta con la presencia de grandes estrellas como Shu Qi o Frankie Ng. Una delicia. Además de cameos de personajes de la saga que nos dan una idea de lo tremendamente bien guionizado de todo este universo mafioso ya que, en un momento accidental, aparece "La hermana 13", justo en un marco temporal que cuadra con un momento de Portland Street Blues (1998), el spin off de dicho personaje.

Resulta muy atractivo el universo social creado en la película presentando un barrio de lo más degradante en donde las posibilidades de futuro son nimias para los jóvenes que malviven allí. La fuerte presencia de las tríadas en el lugar genera una fascinación e idealización hacia el mundo criminal por parte de estos jóvenes y que los llevará a introducirse en bandas siguiendo estos sueños de rápida prosperidad, riqueza y éxito. Por supuesto, el camino no será nada fácil.

El filme resulta notable en esta plasmación social de los barrios pobres de Hong Kong, el uso de la cámara así como del grano en imagen ayudando al directo estilo visual de la cinta, eliminando estilizaciones y ganando en realismo y crudeza. Las escenas de acción también salen ganando y siguiendo el estilo más directo de la cinta éstas no son tanto a disparo limpio habiendo grandes reyertas y peleas a cuchillo o machete.

Young and Dangerous: The Prequel es una notable cinta que recupera las bases más crudas de la franquicia, recuperando bajeza y suciedad, eliminando estilizaciones y explotando aspectos únicamente perfilados en la primera Young and Dangerous y de una manera muy interesante. Toda una sorpresa esta historia, ambientada en los 80, de la odisea de unos pobres chicos con la cabeza llena de sueños para prosperar en el peligroso mundo criminal de su barrio.

LIKE GRAINS OF SAND (1995)

El cine japonés, a lo largo del tiempo, ha tenido una gran capacidad para filtrar las angustias adolescentes por medio del cine. Si en occidente la norma es envolver a la temática teen de una cierta frivolidad, con productos englobados en la comedia zafia y grosera, resulta enriquecedor acercarse a Japón y visionar filmes tan lúcidos como Typhoon Club (1985), Todo sobre Lily (2001), Linda Linda Linda (2005) o Ain’t no Tomorrows (2007), por citar algunos ejemplos.

Por otro lado, el cine nipón es un pozo sin fondo a la hora de descubrir directores o filmografías y así ha sido mi sorpresa al encontrarme con un filme como Like Grains of Sand (1995), de Ryosuke Hashiguchi, la cual logra adentrarse con gran habilidad en la temática adolescente y sus angustias vitales.

En el filme seguimos a un grupo de adolescentes que se desean, aunque ninguno de ellos sea correspondido. Ito es un chico que está perdidamente enamorado de su mejor amigo, Yoshida, y este a su vez cae rendido ante Aihara, una chica un tanto extraña que a su vez se siente atraída por Ito.

Like Grains of Sand se vale de una narración coral con diversos personajes, compañeros de clase y que les une o bien la amistad o el interés amoroso entre ellos y las consecuencias de ello. Ya hemos mencionado en la sinopsis el triángulo principal formado por Ito, Yoshida y Aihara pero hemos de añadir a Shimizu, responsable tutora de la clase y que vive engañada en una supuesta relación con Yoshida. O Fujita, amigo de Ito y Yoshida, que quiere conquistar a la chica superficial y atractiva de la clase que a su vez extorsiona a sus compañeros para conseguir dinero... 

Todo este intríngulis amoroso, que en cualquier otra cinta podría haber caído en la banalidad o en la tontería más absoluta (para ejemplo los numerosos live action romanticones para adolescentes que asaltan las pantallas niponas cada año), finalmente resulta en una reflexión totalmente honesta y acertada sobre las confusiones, angustias, soledades o conflictos propios de la edad y el terremoto que supone enfrentarte a tu propia sexualidad. Es una telaraña de personajes que gracias a su narración pausada resulta absorbente en su capacidad para meter al espectador en las vidas de estos adolescentes, cada uno con sus propios problemas. Resulta muy acertado de qué manera se trata la homosexualidad, sincera y especialmente atrevida para tratarse de un filme japonés. En ese sentido, la pareja formada entre Ito y Aihara les lleva a una relación de entendimiento mutuo que resulta conmovedor arrastrando la incomprensión, referentes familiares ausentes y traumas sexuales que ambos cargan encima.

Además, el tratamiento visual de la cinta resulta notable, con un estilo visual de largos planos sin cortes, con largas conversaciones y una fotografía muy cuidada con el sonido ambiental tomando un gran protagonismo (la música apenas tiene presencia). El tercio final resulta excelente por salirse el filme de los espacios cerrados en los que se encuentran los personajes, en las aulas y domicilios, símbolos de represión, para huir hacia el exterior (el pueblo natal de Aihara), hasta llegar a una pequeña playa en donde los personajes se desnudan emocionalmente. 

Like Grains of Sand ha sido toda una sorpresa. Un filme delicado y honesto y que además cuenta con unas interpretaciones de lo más interesantes destacando a Ayumi Hamasaki, como Aihara, (que pocos años después se centraría en su carrera como cantante) y Yoshinori Okada (Kamikaze Girls, I am a Hero) como Ito. Su director, Ryosuke Hashiguchi, fue especialmente premiado por la cinta, destacando "Mejor guion" en los Mainichi Film Concours de 1996, el "Tiger Award" en el Festival internacional de Rotterdam 1996 y consiguiendo el galardón a "Mejor película" en el Torino International Gay & Lesbian Film Festival 1997.

ULTRA Q: LEGEND FROM THE STARS (1990)

La excelente Ultra Q (1966) vino a ser un maravilloso mix entre un "proto-Expediente X" o  The Twilight Zone con monstruos gigantes. Un antes y un después para la televisión japonesa con un éxito absoluto de audiencia para una serie muy influyente en el país y cuyas enormes virtudes quedaron algo tapadas por la siguiente creación de Tsuburaya Productions: Ultraman.

La serie no tuvo continuidad hasta que a finales de los 80 se intentó impulsar un proyecto para cines por parte de Shusuke Kaneko y Kazunori Ito (más tarde trabajarían juntos en la celebrada trilogía de los 90 de Gamera) que finalmente quedó en nada. La idea original era crear 3 historias independientes protagonizadas por monstruos clásicos de la serie y en formato largometraje. Tras caer dicho proyecto recogió el testigo un viejo conocido como Akio Jissoji. 

Lo hemos hablado asiduamente en el blog. Jissoji dirigió episodios magistrales para Ultraman (1966) y Ultraseven (1967), llenos de vanguardismo, riesgo y crítica social. Algo que explotó todavía más en su carrera cinematográfica como en la trilogía del budista (Mujo/ Mandara/ Poem). Tras su retorno a la ultrafranquicia con el muy recomendable largometraje The Men who Made Ultraman (1989), tomó las riendas de la que sería Ultra Q: Legend from the Stars (1990).

En el filme, tres periodistas investigan unas extrañas muertes donde los cadáveres aparecen rodeados de agua salada y unos extraños orificios en la cabeza. Da la casualidad que las muertes han tenido lugar en emplazamientos naturales y sagrados en donde empresarios querían levantar complejos de ocio. Poco después, un compañero de nuestros protagonistas, Hamano, desaparecerá en plena investigación. Su búsqueda adentrará a nuestros protagonistas en un mundo de leyendas y el descubrimiento de un misterioso clan alienígena que parece que aterrizaron en nuestro planeta siglos atrás.

Ultra Q: Legend from the Stars es un filme fascinante y verdaderamente interesante. Un trabajo ambicioso en sus ideas, como no podría ser de otra manera viniendo de su director y que trata de aunar la ciencia ficción más cerebral y sesuda con el pasado tradicional de Japón habitado por leyendas y dioses. Sin duda, todas esas pretensiones de tratar de hacer un estudio serio sobre la vinculación entre el folklore milenario de Japón y la visita a la isla de vida extraterrestre mediante las referencias a ello en la historia de Urashima Taro o la princesa Kaguya y las consecuencias o vestigios de ello en el presente de Japón, resultan sobresalientes. Por supuesto, muchas de las obsesiones habituales de Akio Jissoji están presentes como es la crítica social, el maltrato hacia la naturaleza del ser humano, las ansias de poder y la preservación de lo tradicional y natural frente a la modernidad.

Toda la trama está vehiculada a través de una investigación periodística que trata de esclarecer diversas muertes extrañas en lugares sagrados. Dicha investigación y este es el elemento que más se resiente en el filme, viene con muchas subidas y bajadas de interés con tramos densos y muy dialogados que lanzan sin ton ni son cientos de referencias a leyendas tradicionales del país. Si bien, todo está perfectamente compensado con el portentoso estilo visual de Jissoji, sin duda, realmente magistral con planos desde lugares insólitos o imprevistos, angulaciones extrañas, planos naturocentristas y un uso elegante y excelente del travelling.

Todo ello logra reforzar una atmósfera de ensoñación y extrañeza a todos los actos del filme, especialmente a la hora de contar esa civilización extraterrestre que llegó a Japón hace siglos y cuyos descendientes en el presente desean abandonar ahora el país, horrorizados por los maltratos del ser humano hacia la naturaleza y que desean escapar hacia un edén eterno. Por supuesto, la vinculación con el genero kaiju no se pierde, presentando a una deidad guardiana en la forma de un monstruo gigante llamado Nagira (con el rugido de Biollante), que los alienígenas invocarán para que destroze las poblaciones susceptibles de ser pasto de los codiciosos empresarios. El monstruo protagoniza un par de momentos de destrucción, nocturnos, de notable fuerza.

Ultra Q: Legend from the Stars, es toda una notable muestra de sci fi cerebral y cósmica que logra con éxito una trama de alienígenas misteriosos (esa extraterrestre que parece sacada de Metrópolis por su similitud a la Maria del filme) estableciendo un vinculo entre ellos y las bases de construcción del país. Este mix se adelanta unos años a lo que realizarían precisamente Kaneko e Ito en la trilogía Gamera de los 90. Aunque el ritmo se resienta en algunos tramos el filme se ve compensado por un estilo visual de gran fuerza y secuencias estupendas destacando el magistral clímax final con el ataque final de la bestia Nagira y el despegue de la nave espacial extraterrestre hacia un edén eterno. Un momento lleno de fuerza.

Como curiosidad, los nombres de los 3 periodistas, Jun, Ippei y Yuriko son los mismos que en la serie clásica de 1966. Y por otro lado, el trágico y misterioso personaje de Mayumi, viene interpretado por Mio Takaki, quien 6 años más tarde interpretaría a la capitana Iruma en Ultraman Tiga (1996). Destacaremos asimismo a Toshio Shiba, quien interpreta a Jun, y que aparecía en la alucinógena entrega de Godzilla; Hedorah, la burbuja tóxica (1971). Por otro lado, los 5 minutos iniciales de Ultra Q: Legend from the Stars son un regalo para el fan de Ultraman ya que aparecen multitud de cameos de actores como Susumu Kurobe o Akiji Kobayashi.

Por último señalar que la propuesta del presente filme me ha recordado poderosamente en tono a la muy notable August in the Water (1995) de Sogo Ishii y que también venía a ser una especie de modernización new age de Ultra Q.

SINGLE8 (2023)

Vista en el "Nits de cinema oriental de Vic 2024", Single8 (2023) se convirtió en una de las sensaciones del cine independiente japonés del pasado año, generando muy buenas recepciones en los diversos festivales occidentales por los que pasaba. El director es un viejo conocido como Kazuya Konaka. Enamorado de la ciencia ficción, bien conocido por su experiencia en el tokusatsu y en las ultraseries siendo una de las voces más notables de la etapa Heisei del personaje trabajando como director principal en series como Ultraman Dyna (1997) o Nexus (2004) y director de cintas como Ultraman: The Next (2004). Konaka es uno de los nuestros. Ahora realiza un viaje en el tiempo para relatar una historia muy personal y autobiográfica de sus años de adolescencia.

En plena fiebre de Star Wars, a finales de los 70, Hiroshi, un estudiante de instituto cinéfilo se asocia con tres compañeros de clase para realizar su obra maestra de ciencia ficción sin presupuesto para un proyecto de clase.

Single8 es una enternecedora, honesta y preciosa película que logra trasmitir a la perfección al espectador esa pasión por el cine que sienten unos personajes entrañables y por los que sientes interés desde el principio por sus desventuras. El cast resulta bastante acertado con Yu Uemura haciendo de Hiroshi/Konaka, destacando además la presencia de Akari Takaishi, muy en boga últimamente por los filmes de Baby Assassins. Takaishi interpreta a Natsumi, ex compañera de Hiroshi en el club de fotografía y el interés romántico del muchacho. Natsumi acabará protagonizando el cortometraje de Hiroshi creándose un bonito vínculo entre ellos.

El montaje tan certero, la manera de representar una determinada época así como las altas dosis de cinefilia resultan irresistibles. Desde los guiños a Star Wars, Ultraman y el cine kaiju hasta esas divertidísimas escenas en las que se muestra la elaboración tan casera de los efectos especiales. Los niveles de comedia y drama están muy bien balanceados destacando la honestidad y verdad que transpiran los personajes principales. Decisiones visuales como introducir ciertas grabaciones en 8mm tanto en grabaciones espontáneas del pasado como de los trabajos audiovisuales resultan otro acierto.

Single8 es una notable cinta que habla de nuestras primeras pasiones con gran amor y sin aspavientos. De nuestra pasión por el cine, los sueños de ser cineasta, de nuestro primer amor y que culmina con una guinda deliciosa como es la decisión de Kazuya Konaka de mostrarnos, durante los créditos finales, sus primeros cortos reales tal y cómo se corresponden con lo que hemos visto antes en la película. Una pequeña gema y uno de mis filmes preferidos de 2024.

YOUNG AND DANGEROUS 6: BORN TO BE KING (2000)

Desde que se estrenara en 1996, es evidente que estrujaron el éxito de Young and Dangerous hasta sus últimas consecuencias. 6 entregas de la saga, spin offs, precuelas... Pero la taquilla respondía. Para el año 2000 se decidió dar carpetazo final a la saga madre con Young and Dangerous 6, tambien conocida bajo el título de Born to be King.

El filme da comienzo con la mafia taiwanesa San Leud instando a casar a Chicken con la hija de un jefe yakuza, Ichio Kusaraki, para reforzar sus lazos con dicha mafia. Dicha unión no será bien vista por Akira Kusaraki, el hijo adoptivo de dicho jefe, que intentará jugársela a Chicken para destronarle. La familia mafiosa de Chicken acudirá desde Hong Kong para ayudar a su amigo.

Estrenada el 21 de julio del 2000 en Hong Kong, Born to be King resulta atractiva para el fan que ha seguido la saga desde el principio y ve el estado de los personajes tras tantas entregas. Su evolución desde jóvenes con ansias de prosperidad hasta lo que vemos aquí, en unos puestos de poder altos y bien establecidos, siendo un aspecto bastante atractivo. Otro de los puntos más jugosos de la presente entrega es que recuperamos a Chicken (tras su ausencia en la 5a entrega) y además como eje principal de una trama que nos lleva hasta Japón y los lazos estrechos entre la yakuza y el amigo “pollo”. Este gran protagonismo de Chicken, el cual debe vérselas con rencillas y los engaños típicos de la saga, deja a Nam y al resto de personajes a un plano secundario, como un complemento vistoso. Es un placer volver a ver a Jordan Chan en el papel de Chicken y la cinta incorpora a un titán como Sonny Chiba interpretando al jefe yakuza, Ichio Kusaraki, “padre” de Chicken.

Si bien, Born to be King no resulta uno de los momentos más felices de una saga que ha ido perdiendo poco a poco parte de su frescura. Un metraje demasiado alargado y un conflicto principal algo rancio como es que la sumisa y servicial nueva esposa japonesa de Chicken es violada por un miembro de su “familia” yakuza. Dicha afrenta al honor debe arreglarse con violencia y venganza por parte de Chicken. Sub-tramas como Nam viendo a una doble de Smartie, su antiguo amor (asesinada en la 3a parte) intentando acercarse a ella, lo que provoca los celos del personaje de Shu Qi... tampoco es que resulte muy interesante Para colmo, el estilo visual utilizado por Andrew Lau para la ocasión se diferencia radicalmente del resto de la saga, con unas decisiones de forma "videocliperas", con cámaras rápidas y lentas, muy propias de los 2000 y que ha quedado totalmente desfasado y hortera. Nada que ver con las anteriores entregas que en ese sentido aguantan perfectamente el paso del tiempo.

Born to be King resulta una entretenida cinta pero no es el mejor cierre que merecían estos personajes, los cuales nos han acompañado durante tantas entregas. Por otro lado, la propuesta de salir de la zona de confort de la saga y llevar la acción a un ambiente diferente como es en Japón y en los terrenos de la yakuza resulta un atractivo cambio de aires. Young and Dangerous tendría un remake en 2013: Young and Dangerous: Reloaded.

YOUNG AND DANGEROUS 5 (1998)

Young and Dangerous 4 (1997) fue una entrega bisagra para la saga. Por un lado cerraba algunas tramas (como la de Chicken) y cimentaba todo el abanico de personajes de la Sociedad Hung Hing para dejar en bandeja la llegada de spin offs sobre los mismos. Así mientras Portland Street Blues (1997) o la precuela de la saga aterrizaban en los cines de Hong Kong, Young and Dangerous 5, estrenada el 22 de enero de 1998, continua con las andanzas de Nam y compañía.

En esta nueva entrega, Nam se enfrenta a una nueva amenaza. Un tal Zseto Ho Nam, de la sociedad de Tung Sing quiere controlar Causeway Bay y comienza a importunar los bares controlados por nuestro protagonista, Chan Ho Nam. Por otro lado, un hombre de negocios de Malasia engaña a Nam y a otros miembros de Hung Hing en un complot empresarial falso para hacerle caer del trono. Para colmo, las actividades mafiosas de Nam serán investigadas y perseguidas por el teniente Lee y sus agentes de policía.

Young and Dangerous 5 se encuentra un escalón por debajo de lo visto hasta el momento. La historia se antoja ya repetitiva perdiendo gran parte de la frescura que rodeaba el universo de la saga. Y es que los continuos engaños y trampas que los villanos de turno realizan al pobre de Nam resultan ya un poco cansinas. Por otro lado, el filme comete el error de hacer desaparecer al personaje de Chicken (el mejor y más carismático de la saga, con mucha diferencia) dejando todo el peso de la trama al bueno de Nam, que aunque Ekin Cheng intenta hacerlo lo mejor posible, siempre ha sido un personaje por lo general bastante sosete. La película, por otro lado, sigue maravillando a los fans del cine de Hong Kong haciendo nuevas incorporaciones estelares entre el cast como la de Danny Lee, como teniente de policía (como no) o la hermosa Shu Qi, quien es el nuevo interés romántico de Nam. 

Young and Dangerous 5 se encuentra innecesariamente estirada, llegando a las 2 horas para una historia que no necesita tanto. Aunque el filme intenta mantener el interés quitándose de en medio a algún que otro personaje principal o un clímax final con un combate de boxeo entre Nam y el enemigo de turno, el filme acaba por ser rutinario. Pese a todo ello, la presenta secuela sigue teniendo una estética conseguida, trabajada y fiel al estilo de la saga combinando con habilidad la violencia y la acción con los momentos intimistas aunque con menos fortuna que en anteriores títulos.