YOUNG AND DANGEROUS 6: BORN TO BE KING (2000)

Desde que se estrenara en 1996, es evidente que estrujaron el éxito de Young and Dangerous hasta sus últimas consecuencias. 6 entregas de la saga, spin offs, precuelas... Pero la taquilla respondía. Para el año 2000 se decidió dar carpetazo final a la saga madre con Young and Dangerous 6, tambien conocida bajo el título de Born to be King.

El filme da comienzo con la mafia taiwanesa San Leud instando a casar a Chicken con la hija de un jefe yakuza, Ichio Kusaraki, para reforzar sus lazos con dicha mafia. Dicha unión no será bien vista por Akira Kusaraki, el hijo adoptivo de dicho jefe, que intentará jugársela a Chicken para destronarle. La familia mafiosa de Chicken acudirá desde Hong Kong para ayudar a su amigo.

Estrenada el 21 de julio del 2000 en Hong Kong, Born to be King resulta atractiva para el fan que ha seguido la saga desde el principio y ve el estado de los personajes tras tantas entregas. Su evolución desde jóvenes con ansias de prosperidad hasta lo que vemos aquí, en unos puestos de poder altos y bien establecidos, siendo un aspecto bastante atractivo. Otro de los puntos más jugosos de la presente entrega es que recuperamos a Chicken (tras su ausencia en la 5a entrega) y además como eje principal de una trama que nos lleva hasta Japón y los lazos estrechos entre la yakuza y el amigo “pollo”. Este gran protagonismo de Chicken, el cual debe vérselas con rencillas y los engaños típicos de la saga, deja a Nam y al resto de personajes a un plano secundario, como un complemento vistoso. Es un placer volver a ver a Jordan Chan en el papel de Chicken y la cinta incorpora a un titán como Sonny Chiba interpretando al jefe yakuza, Ichio Kusaraki, “padre” de Chicken.

Si bien, Born to be King no resulta uno de los momentos más felices de una saga que ha ido perdiendo poco a poco parte de su frescura. Un metraje demasiado alargado y un conflicto principal algo rancio como es que la sumisa y servicial nueva esposa japonesa de Chicken es violada por un miembro de su “familia” yakuza. Dicha afrenta al honor debe arreglarse con violencia y venganza por parte de Chicken. Sub-tramas como Nam viendo a una doble de Smartie, su antiguo amor (asesinada en la 3a parte) intentando acercarse a ella, lo que provoca los celos del personaje de Shu Qi... tampoco es que resulte muy interesante Para colmo, el estilo visual utilizado por Andrew Lau para la ocasión se diferencia radicalmente del resto de la saga, con unas decisiones de forma "videocliperas", con cámaras rápidas y lentas, muy propias de los 2000 y que ha quedado totalmente desfasado y hortera. Nada que ver con las anteriores entregas que en ese sentido aguantan perfectamente el paso del tiempo.

Born to be King resulta una entretenida cinta pero no es el mejor cierre que merecían estos personajes, los cuales nos han acompañado durante tantas entregas. Por otro lado, la propuesta de salir de la zona de confort de la saga y llevar la acción a un ambiente diferente como es en Japón y en los terrenos de la yakuza resulta un atractivo cambio de aires. Young and Dangerous tendría un remake en 2013: Young and Dangerous: Reloaded.

YOUNG AND DANGEROUS 5 (1998)

Young and Dangerous 4 (1997) fue una entrega bisagra para la saga. Por un lado cerraba algunas tramas (como la de Chicken) y cimentaba todo el abanico de personajes de la Sociedad Hung Hing para dejar en bandeja la llegada de spin offs sobre los mismos. Así mientras Portland Street Blues (1997) o la precuela de la saga aterrizaban en los cines de Hong Kong, Young and Dangerous 5, estrenada el 22 de enero de 1998, continua con las andanzas de Nam y compañía.

En esta nueva entrega, Nam se enfrenta a una nueva amenaza. Un tal Zseto Ho Nam, de la sociedad de Tung Sing quiere controlar Causeway Bay y comienza a importunar los bares controlados por nuestro protagonista, Chan Ho Nam. Por otro lado, un hombre de negocios de Malasia engaña a Nam y a otros miembros de Hung Hing en un complot empresarial falso para hacerle caer del trono. Para colmo, las actividades mafiosas de Nam serán investigadas y perseguidas por el teniente Lee y sus agentes de policía.

Young and Dangerous 5 se encuentra un escalón por debajo de lo visto hasta el momento. La historia se antoja ya repetitiva perdiendo gran parte de la frescura que rodeaba el universo de la saga. Y es que los continuos engaños y trampas que los villanos de turno realizan al pobre de Nam resultan ya un poco cansinas. Por otro lado, el filme comete el error de hacer desaparecer al personaje de Chicken (el mejor y más carismático de la saga, con mucha diferencia) dejando todo el peso de la trama al bueno de Nam, que aunque Ekin Cheng intenta hacerlo lo mejor posible, siempre ha sido un personaje por lo general bastante sosete. La película, por otro lado, sigue maravillando a los fans del cine de Hong Kong haciendo nuevas incorporaciones estelares entre el cast como la de Danny Lee, como teniente de policía (como no) o la hermosa Shu Qi, quien es el nuevo interés romántico de Nam. 

Young and Dangerous 5 se encuentra innecesariamente estirada, llegando a las 2 horas para una historia que no necesita tanto. Aunque el filme intenta mantener el interés quitándose de en medio a algún que otro personaje principal o un clímax final con un combate de boxeo entre Nam y el enemigo de turno, el filme acaba por ser rutinario. Pese a todo ello, la presenta secuela sigue teniendo una estética conseguida, trabajada y fiel al estilo de la saga combinando con habilidad la violencia y la acción con los momentos intimistas aunque con menos fortuna que en anteriores títulos.

ZONE FIGHTER (1973)

La época dorada del tokusatsu, ese maravilloso subgénero televisivo protagonizado por superhéroes, se tradujo en los años 70 en toda una explosión de decenas y decenas de series que epataron las retinas de los infantes de la época. Toda la producción de Tsuburaya Productions con sus ultraseries y derivados, los henshin heroes, con Kamen Rider a la cabeza, súper escuadrones de Toei, las Baron Series... El éxito entre la audiencia estaba claro y aún faltaba alguna productora por querer apuntarse el carro y llevarse parte del pastel. Estamos hablando de la mismísima Toho, uno de los mayores y más respetados estudios cinematográficos de Japón, famoso entre el aficionado por traernos las películas de la saga Godzilla y que decidió a principios de los 70 intentar triunfar con producción televisiva centrada en el tokusatsu. ¿Les salió bien la jugada?

La producción en el género por parte de Toho, en general, estuvo marcada por un evidente tufo a exploit de las series exitosas de la época, si bien una de ellas resulta importante de comentar, aunque no precisamente por sus valores artísticos. Zone Fighter, también conocida como Meteor Human Zone, emitida a través de Nippon TV, canibaliza las claves de las ultraseries de Tsuburaya añadiendo invitados imbatibles en algunos de sus episodios como nuestro querido Godzilla.

Los hermanos Zone

La serie contó con 26 episodios emitidos entre el 2 de abril y el 24 de septiembre de 1973 y su sinopsis reza así. El malvado Garogas planea conquistar la Tierra con su ejército de bestias gigantes. Encontrará resistencia por parte de la Zone Family, llegados de un planeta llamado Peaceland, el cual fue destruido por el tal Garogas. El hijo mayor de la familia, Hikaru, tiene la capacidad de transformarse en el gigante Zone Fighter.

Zone Fighter hecha mano de todos los lugares comunes, no solo de Ultraman, sino de series similares sobre kyoday hero aunque proponiendo algún que otro cambio al respecto como que Zone Fighter, aunque solo pueda luchar en la Tierra unos minutos, podrá recargarse a mitad de la batalla con la ayuda de sus hermanos. La serie sigue a una familia alienígena que está disfrazada en nuestro planeta como una familia japonesa normal, los Sakimoris. El padre, Yoichiro, trabaja en una fábrica de juguetes y sus tres hijos, Hikaru, Hotaru y Akira tienen la capacidad de transformarse en Zone Fighter, Zone Angel y Zone Junior, respectivamente. Solo Zone Fighter puede llegar a crecer a tamaño XXL. Se tenía planeado que Zone Angel, la hija de la familia, también lo hiciera, pero la idea fue finalmente descartada. De entre el reparto, por lo general un cast joven e infantil sin mucho a comentar, destaca Shoji Nakayama, quien era el capitán de la Ultra Guard en la magnífica Ultraseven (1967) y que aquí es papá Fighter. Se introducen algunos personajes secundarios como el del misterioso Takeru Jo, el cual parece saber bastante sobre Garogas. Un personaje bastante repelente y cuya continua energía e hiperactividad me ponían nervioso.

Ep 4, Invasion! The great Garoga Army – Enter Godzilla

El rodaje y filmación de los efectos especiales de la serie comenzó en febrero de 1973, muy poco después de finalizar Gorgo y Supermán se citan en Tokyo (1973). Teruyoshi Nakano y el, por entonces, recién llegado Koichi Kawakita se encargaron de los diversos efectos de la serie con la ayuda de Yoshio Tabuchi y Shinichi Kamisawa. Su trabajo está mermado por el bajo presupuesto destinado a la serie aunque aún así hay un esmero por intentar captar momentos espectaculares a pesar de las limitaciones y en donde destacan las angulaciones o el uso de la escala para los monstruos.

Si bien, uno de los alicientes de Zone Fighter es ver a invitados estelares del kaiju pasearse por la serie. Godzilla aparece de manera ocasional en algunos episodios, 5 en total, para ayudar al héroe protagonista, siendo su primera aparición en el episodio número 4, Invasion! The great Garoga Army – Enter Godzilla. Hasta la Zone Family le ofrece al saurio radiactivo una cómoda cueva para que pueda vivir tranquilamente. Es el gran intento de Toho por adherir al saurio radiactivo a la retahíla de superhéroes televisivos de la época. También King Ghidorah y Gigan aparecen durante la serie como acólitos de Garogas. Algunos episodios estuvieron dirigidos por Ishiro Honda y Jun Fukuda, realizando 8 y 6 capítulos, respectivamente. Sobre los disfraces utilizados, como curiosidad, se rescató el disfraz original de Ghidorah para ser utilizado una última vez.

Ep 5, Shoot down King Ghidorah!

Así, Zone Fighter se hace perezosa en general recurriendo a los tópicos habituales del tokusatsu de la época aunque con un empaque algo más pobre de lo habitual. Ningún episodio resulta notable o inolvidable siendo los episodios en donde aparecen Godzilla y compañía los más distraídos del conjunto, y con diferencia. Así, el ep. 1, Destroy the Terror-Beast Missile!, es un inicio bastante atropellado y que impide seguir la trama con un mínimo de orden. Esta apertura viene dirigida por Jun Fukuda. Se recomienda especialmente el ya citado ep. 4, Invasion! The Great Garoga Army – Enter Godzilla, dirigido por el maestro Ishiro Honda, y que cuenta con un joven, amigo y amor de Hokuto, la hermana Fighter, el cual dice haber sobrevivido a la matanza de Peaceland, antiguo hogar de los héroes. ¡Pero todo es un engaño! Al ataque de unos juguetes vivientes en la casa de la Zone Family se unen 2 monstruos gigantes. La súbita aparición de Godzilla convierte el episodio y la batalla final del mismo en un must see.

Ep. 10, Annihilation! Zone Fighter!,

El doble ep. 5 y 6, ambos dirigidos por Jun Fukuda, también tienen su miga, Shoot down King Ghidorah! / Ghidorah’s countterattack!, y como rezan los títulos cuentan con la aparición del famoso dragón tricéfalo. Aquí, la creación de un artilugio que reduce la polución de la tierra provoca la furia de Garogas el cual hace enviar al querido King Ghidorah a destruirlo. Es una dúpla entretenidilla, con bastante acción, batallas y que contiene secuencias remarcables como aquel en donde Ghidorah oculta el sol o esa lucha final en Venus. Como curiosidad, Ghidorah muestra sus poderes gravitatorios, algo que solo se había visto en su filme de presentación de 1964.

El ep. 10, Annihilation! Zone Fighter!, no está mal. Presenta la aparición de una sombra que posee a Zone chupándole toda la energía. La luz hará descubrir a un monstruo de lo más estrambótico tras dicha sombra. En el pasable ep. 11, Just in Time - The Roar of Godzilla!, el malvado Garogas utiliza a Gigan para atacar a la familia Zone. Hay una subtrama de Hikaru, el héroe, que nos enseña su hobby de conductor de coches de carreras, el cual no interesa nada pero un Gigan tan cabrón como siempre y un Godzilla dispuesto a luchar hacen que el episodio valga la pena. Al final Zone se carga al pobre Gigan dramáticamente y en explosivas circunstancias.

Ep. 11, Just in Time - The Roar of Godzilla!

En el ep. 15, Submersion! Godzilla, Save Tokyo, se presenta de nuevo a Godzilla haciendo team-up con Zone Fighter para enfrentarse a un monstruo bastante duro de pelar con la intención de hacer hundir Tokio. El ep. 21, Invincible! Godzilla Charges, va un paso más allá con este Godzilla televisivo, viviendo éste en una cueva y entrenando con Zone Fighter. Entretenido capítulo si logras hacer de tripas corazón tras ver a Godzilla convertido en un súper héroe histérico, mascota de la familia Fighter. Fuera de estos episodios con invitados especiales kaiju, resulta entretenido el núm. 22, Counterattack! Defeat Super Jikiro, con Jikiro, el monstruo del primer episodio, ahora modificado y mejorado poniendo en un verdadero aprieto a Zone Fighter. Una batalla en el mar y pinceladas de romance coronan un capítulo que no está mal.

Ep. 26, Pulverize! The Garoga Gamma-X Operation

Debido a las malas audiencias de la serie ésta fue prematuramente finalizada en su ep. 26, Pulverize! The Garoga Gamma-X Operation, la cual deja su trama de fondo contra el malvado Garogas sin resolver. Dicho capítulo está planteado como un episodio más de la semana con los malvados dejando ciego a un niño para chantajear a su padre.

Zone Fighter intenta concentrar numerosos elementos de interés para el espectador de la época. Héroes gigantes, mechas, vehículos imposibles y monstruos gigantes bien conocidos por el público. Se consiguen momentos de acción, en ocasiones llenos de energía y dinamismo. El nivel técnico y artístico es competente teniendo en cuenta las limitaciones a las que se vieron sometidos el equipo de efectos especiales. Todo esto no evita encontrarse con una serie en general algo acartonada, bastante estándar y con desarrollos simplones. Jun Fukuda pareció no acabar muy contento con la experiencia ya que rechazó hablar de Zone Fighter en entrevistas.

YOUNG AND DANGEROUS 4 (1997)

Tras 10 meses desde el estreno de la última entrega, Young and Dangerous 4 (1997), también conocida como Young and Dangerous 1997 llegó a las pantallas de Hong Kong un 28 de marzo de ese mismo año. De nuevo y como las anteriores con Andrew Lau en la dirección. Con 3 entregas realizadas hasta el momento y con un éxito inamovible y contundente, no se lo pensaron 2 veces en seguir exprimiendo todo el jugo posible a la saga y de seguir avanzando en las andanzas de Nam, Chicken y compañía.

El filme da comienza con Nam y los demás jefes de zona viajando a Tailandia para convencer a Tin Yeung, hermano de Tin Sang (un jefe asesinado) para que le suceda en sus poderes y lidere toda la Sociedad de Hung Hing. Por otro lado, la zona de Tuen Mun ha quedado vacante, por lo que Tin Yeung propone a Chicken como un posible candidato a jefe de zona. Nam le advertirá de los peligros que conlleva estar en esa posición, algo que hará mella en la amistad entre ambos.

Young and Dangerous 4 está planteada como una entrega visagra. Un final y un nuevo comienzo a la vez concluyendo algunas tramas o arcos de personajes a los que se les da una pausa, a la vez que sirve de trampolín para la futura llegada de diversos spin off y precuelas que comenzarán a estrenarse a partir del siguiente año. Con todo ello, esta cuarta entrega de la larga saga se corona como una de las mejores y más disfrutables de todo el ciclo. Principalmente beneficiada por todo el gran abanico de personajes, que el espectador ya conoce, y que se articulan de manera excelente por toda la trama y de manera muy orgánica. Y por otro lado porque el conflicto principal de los protagonistas resulta jugoso y es llevado de manera notable y entretenida. Un conflicto que tensará las cuerdas en la inquebrantable amistad entre Nam y Chicken y que proporcionará al espectador buenos momentos de drama y tensas conversaciones. Y es que el pendenciero y amante de las mujeres Chicken es propuesto para ser jefe de una de las zonas controladas por la Sociedad Hung Hing, algo que un traumatizado Nam, quien ha sufrido de la peor manera las consecuencias de las ansias de poder, tratará de advertir e impedir.

Jordan Chan, quien es Chicken, brilla especialmente en la presente entrega (ya he comentado anteriormente que construye el mejor personaje de la saga), sufriendo las consecuencias de sus errores y el pulso creado hacia su gran amigo Nam. Por supuesto, el juego de traiciones y engaños entre miembros de las tríadas tan común en la saga vuelven a aflorar siendo éste coronado en un clímax en un teatro, con todos los capos de la mafia de Hong Kong allí reunidos, y que resulta de lo más divertido y contundente. Se añaden subtramas en la cinta algo más ligeras como el gracioso idilio entre Chicken y la hija del cura (el cual es llevado a un nuevo nivel) o ese hilarante (por motivos involuntarios) romance entre un Nam aún traumatizado por la muerte de Smartie y que aquí se intenta abrir a nuevos amores, concretamente con una profesora (esa escena de cama es delirante).

Young and Dangerous 4 es una de las más disfrutables entregas de la saga, por conseguir hacer avanzar a unos personajes bien conocidos hacia un nuevo escalón, por su llevadera e interesante trama principal, que acompaña los momentos de acción y tragedia con momentos más ligeros. Al igual que hacía la segunda parte, se prioriza el drama y el desarrollo de personajes antes que los momentos de acción. Sin duda, una notable entrega de una saga mítica y tremendamente disfrutable.

YOUNG AND DANGEROUS 3 (1996)

Y con una diferencia de apenas 6 meses entre ellas, Young and Dangerous 3 (1996) llegó a las carteleras de Hong Kong un 29 de junio de 1996 tratando de continuar explotando el exitazo de la saga.

Esta tercera parte continua narrando las andanzas de la pandilla de jóvenes mafiosos, con Nam ya convertido (como pasó al final de la 2a parte) en jefe de Causeaway Beach, una de las zonas de control de la Sociedad Hung Hing. Es entonces cuando una banda rival, San Lued, intenta competir con Nam, boicoteando y tratando de apoderarse de las zonas de bar y alterne, propiedad de nuestro protagonista. Pero Nam tendrá un peligro aun mayor. Será objeto de traición en un viaje a Amsterdam y un tal Crow, de la banda de San Lued, llevará su odio hacia Nam hacia terrenos terribles para él.

Young and Dangerous 3 sigue la misma línea de las anteriores. Un ritmo entretenido con una buena realización y empaque visual similar a las entregas precedentes. Y eso es lo peor que se puede decir de ella, que aunque seguimos entretenidos con las vivencias de la pandilla de Causeway Beach, sus andanzas pierden ya algo de frescura y sorpresa. Resulta algo frustrante ver que Nam es de nuevo engañado y envuelto en una trampa para destronarle cuando es algo que ha sucedido en las anteriores entregas. Si bien, encontramos apuntes simpáticos como el personaje recurrente del cura del barrio, consejero de nuestros protagonistas y que ahora resulta tener una hija con quien Chicken tendrá un divertido idilio. No resulta tan interesante por otro lado el camino al que han conducido al personaje de Smartie, el gran amor de Nam, y quien tras tener un grave accidente en la 2a parte, en la presente entrega despierta de su coma aunque con amnesia. El tratar de hacer recordar a la chica su gran amor y relación con Nam provoca algunos momentos indigestos y acaramelados.

Si bien, y en línea con lo mencionado, la película acierta en llevar a su soso protagonista, Nam, a realizar una bajada a los infiernos de lo más agradecida para el personaje. Si, la película, en su primera hora, resulta algo repetitiva y poco excitante, logra crecer en gran medida en un tercio final shocking en donde por sorpresa se quitan de en medio y de forma cruda a varios personajes principales llevando a Nam a una caída en desgracia. Haciendo de todo ello y en conjunto una secuela menor pero que bien vale la pena su visionado. 

Por otro lado, Young and Dangerous 3 sigue deleitando a los fans del cine de Hong Kong con un reparto en estado de gracia, con grandes estrellas como Anthony Wong o Simon Yam, nuevas incorporaciones estelares como la de Karen Mok junto a los habituales rostros jóvenes como Jordan Chan y Ekin Cheng quienes están de lo más sueltos y establecidos en sus personajes. Una entrega que aunque baje el nivel por su pérdida de frescura, resulta una entretenida continuación a las andanzas de estos jóvenes delincuentes y sus obstáculos para triunfar entre las tríadas de Hong Kong.

ULTRAMAN ARC (2024)

La franquicia Ultraman se encuentra en un auténtico estado de gracia actualmente y la marca cada vez se encuentra más globalizada. Al respecto, Tsuburaya está realizando un trabajo impecable haciendo todo lo posible para que el mundo pueda ver a su creación empezando por el canal oficial de Youtube de la productora, donde semana a semana se cuelga el episodio de la ultraserie que se encuentre en curso, subtitulado y doblado a múltiples idiomas. Increíble. 2024 también se vivió la llegada a Netflix de la película de animación Ultraman: El ascenso, filme que pese a mis bajas expectativas resultó ser un trabajo muy notable, realizado con mucho mimo y alma.

La anterior ultraserie, Ultraman Blazar (2023), fue todo un soplo de aire fresco. Una entrega espectacular, algo más adulta y llena ideas renovadoras. Además, no se dejaba arrastrar por el peso del tribute show, losa de las anteriores series vistas. Tras los excelentes comentarios dejados por Blazar, difícil lo iba a tener la siguiente ultraserie. Y los primeros avances de Ultraman Arc (2024) no auguraban nada bueno, a la postre una estética y personajes que intuían un regreso a aires más infantiles en la línea de series anteriores como Ultraman Geed (2017) o similares. Por suerte, desde el primer episodio se ha demostrado que Arc iba a dar guerra.

Arc llega fuerte.

El equipo de protagonistas de SKIP.

Contando en esta ocasión con Takanori Tsujimoto como director principal de la serie, Ultraman Arc es una serie de 25 episodios (1 de ellos de resumen) emitidos entre el 6 de julio de 2024 y el 18 de enero de 2025. Arc ha supuesto toda una sorpresa de lo más agradable e inesperada siendo un producto muy imaginativo y creativo, que opta por volver al esquema clásico de la franquicia (hay mucho de la etapa Showa aquí, tanto en tono como en guiños) como es tratar de mantener cierta imprevisibilidad y variedad en las tramas de los episodios a la vez que se mantiene una trama de fondo que poco a poco se va desarrollando. El lema de la serie es “desata tu imaginación” (el lema actual de la propia Tsuburaya), algo que el director Tsujimoto ha parecido trasladar también a su equipo creativo dándoles alas y libertad para dar rienda suelta a su creatividad. En ese sentido Arc resulta visualmente hermosa, los escenarios por donde se mueven los personajes están rodeados de cierto aire onírico con fondos desenfocados y fuerte exposición de la luz. La fusión entre la figura del monstruo gigante y los escenarios reales resulta acongojante en muchas ocasiones eso por no hablar de la plasmación de las batallas contra los colosos las cuales nunca dejan de sorprenderte. Desde el plano secuencia del primer episodio, cambios de puntos de vista entre el ultrahéroe y el villano de turno, cámaras introduciéndose en maquetas de edificios (e incluso coches volando) y mucho más. Sin duda una gozada.

Ep. 1, Arc to the Future

Y eso que Ultraman Arc es visiblemente una serie más modesta que su antecesora pero se compensa con muchas ideas, ganas y buen saber hacer. Y se acierta en no abusar de la molesta multitud de formas de poder diferentes del Ultraman de turno ni de esos batiburrillos de monstruos mezclados entre sí o de reutilizar los mismos monstruos clásicos de siempre sobados hasta la extenuación. Losa, de nuevo, de las series de la new generation heroes. En su lugar, los creadores de Arc optan por dotar al héroe de diversas armaduras que irá mostrando a lo largo de la serie pero sin depender excesivamente de ellas. Y en línea con la etapa Showa donde se sorprendía a los espectadores con nuevas creaciones monstruosas llenas de imaginación, aquí se hace lo propio mostrando nuevas bestias, muchas de ellas de un diseño de lo más notable. Es el caso de Digelos (y Trigelos) o el villano final, Alien Sweed.

Ep. 3, Unleash your imagination!

El poder de imaginación de Yuma no os dejará indiferentes

Otro aspecto interesante es el equipo de protagonistas y la elección de reducirlo a 4 personajes (y un robot IA) que forman SKIP, los cuales no son el típico escuadrón militar habitual, sino un grupo que ayuda en las evacuaciones ante ataques kaiju además de ser un centro de estudio de los monstruos. Su protagonista, Yuma, tiene un fondo interesante siendo un joven que perdió a sus padre el dia-K, el dia del primer ataque kaiju y 16 años después logra transformarse por primera vez en Ultraman Arc, un superhéroe cuyo aspecto y habilidades, misteriosamente, parece haber soñado, dibujado y plasmado a lo largo de toda su infancia. El trauma que arrastra Yuma, su necesidad de mirar hacia adelante, además de los lazos que lo unen a Arc resultan interesantes y el camino del héroe que se realiza hasta el final logra momentos conmovedores. 

Los demás personajes resultan también bastante agradables y entrañables, destacando a Shu, amante del cafè, representante en SKIP de la GDF, el estamento gubermanemtal de turno y cuya evolución en su manera de tratar la vida alienígena y relación de amistad que se crea entre él y Yuma alcanza momentos emocionantes. También el nuevo ultrahéroe, Arc, se le dota de una historia de fondo diferente y sus motivaciones y misión que se le ha encomendado resultan coherentes. Todo un acierto, además, presentar las comunicaciones entre Yuma y Arc a través de los reflejos de espejos o pantallas de ordenador o charlas que mantienen los dos en una especie de dimensión alternativa en el que son simpáticos guiños a anteriores series de Tsuburaya como Mirrorman (1971) o Gridman (1993). 

Ya el primer episodio, Arc to the Future, resulta una notable presentación y buena muestra de que se quieren aportar cosas diferentes a nivel visual. Ese prólogo, que nos lleva a la primera aparición de Arc rodado con planos a pie de calle o por medio de noticiarios resulta portentoso. Eso por no hablar de la batalla a plano secuencia con el contador de 3 minutos en pantalla y que resulta apabullante. Un episodio que introduce las claves de la serie de una manera acertada y divertida.

Ep. 7, The Full Moon’s Answer

Shu, adicto al café.

Ultraman Arc se atreve en diversas ocasiones a jugar con las expectativas respecto a lo que una ultraserie tradicional haría. Así, la historia de origen no es el primer episodio, sino el episodio 3, el notable Unleash your imagination!, donde se nos cuenta la traumática muerte de los padres de Yuma en el dia-K, y el regreso, 16 años después, de Digelos, una monstruosidad llegada a través de un agujero de gusano.

Tras este inicio, la serie camina con aire dubitativo o no tan acertado en los siguientes episodios. Las relaciones vecinales de Rin, la miembro femenina de SKIP y la aparición de una rata desproporcionada de dudosa plasmación en On the Kaiju’s Tail (ep 4) o Kanegon convertido en un streamer que se alimenta de criptomonedas en Internet Kanegon (ep 8), dan algo de bajona. Sin ser notable, cabe destacar el ep. 7, The Full Moon’s Answer, donde se hace más evidente el clima ensoñador que rodea gran parte de la estética visual de la serie y que aquí es reforzado con la trama de una criatura felina de leyenda, un clima abrasador en la ciudad, profetisas (que nunca fallan) y una armadura cargada del poder de la luna para Arc.

El robot Givas en el ep. 11, Message

Uno de los episodios que marcan la diferencia es el núm. 9, Goodbye Rin. Rodado con sumo gusto, delicado a la hora de plasmar una historia de maduración para Rin la cual se reencuentra (y desengaña) con un viejo amor ahora dedicado a prácticas ilícitas con células kaiju, sumado las vibrantes y trabajadas escenas con los monstruos (aunque ese amor que dobla en edad a Rin dé algo de grimilla). Llegando al ecuador de la serie nos encontramos con el doble ep. 11 y 12, Message / You are Givas, que aunque la premisa puede recordar a la llegada de Galactron de Ultraman Orb (2016), la idea no deja de resultar potente como es presentar a un robot del que no se saben sus intenciones y que está lanzando un mensaje a descifrar. El miedo creado por el monstruo y que lleva a ordenar su destrucción vs la confianza de Yuma de que quiere comunicarse con la humanidad crea un conflicto interesante.

Ep. 12, You are Givas

Un último café en el ep. 17, Demon Slicing Sword

Si bien, es a partir del episodio 14 cuando las cosas se van poniendo muy jugosas, presentando el conflicto principal de la serie de manera clara, un villano como es Sweed, la historia y motivaciones tras Arc y su relación con la tal Sweed. Es un doble episodio de lo más destacable, los núm. 14 y 15, Flash of the Past / The Wandering Future los cuales se encuentran excelentemente rodados y con hallazgos como ese plano dimensional (localizado en un cine, un mundo de sueños sin duda) donde Arc habla con Yuma y escenas tan sugerentes a nivel visual como la aparición desde el subsuelo de esa extraña bola que parece albergar la energía de un sol, nada menos. Es un aspecto muy a destacar de la presente Arc y es esa identificación con el ultrahéroe, ayudado por una interacción más explícita entre él y su host humano además de un trasfondo argumental potente que hace de Arc un ultra bastante carismático. No solamente sufres por Yuma sinó también por el propio Arc y eso no es muy habitual en el presente de la franquicia.

Ep. 19, Light and Flame

La serie hace las coses diferente a anteriores ultraseries de las new generation y el esperado crossover con Blazar se convierte en un arco de 4 episodios (entre el 16 y el 19) y donde la verdadera estrella no es Blazar sinó Zangill, esa especie de samurai alienígena que aparecía en Ultraman Blazar. Un arco bastante entretenido con la aparición de una especie de espíritus-kaiju (de los cuales muchos son monstruos salidos de la misma Blazar), la existencia de una especie de dimensión del más allá dominada por un shogun-kaiju, Hellnarak, y la entrañable presencia de un moribundo Zangill. El plato fuerte viene en el ep. 19, Light and Flame, con Yuma/Arc cayendo en otra dimensión (que no es otra que la de la serie Ultraman Blazar), con los personajes de Arc trabajando en su lugar en el escuadrón de defensa que veíamos en Blazar quienes luchan contra el tal Hellnarak. Por supuesto, recuperar a Blazar es un puntazo para la serie.

Ep. 20, What is Passed Down

Ep 22, The Man in the White Mask

Y en este último tercio de la serie, Arc acaba por sorprender con una tanda de episodios de lo más notable. Historias autoconclusivas que nos devuelven al ADN puro de la etapa Showa de la franquicia y que demuestran un nivel de imaginación de lo más agradecido. El ep. 20, What is Passed Down, mira que no apuntaba maneras con esa trama de la hija tartamuda del capitán de SKIP, ahora metida a becaria como reportera gastronómica... Pero la cosa mejora y mucho con la misteriosa aparición de Gomess y que resulta ser una criatura extraterrestre similar a un cúmulo de cristales que ha replicado el cuerpo del monstruo. Uno de esos episodios en los que la plasmación de los escenarios reales con el monstruo o algunos planos de la batalla con Arc son visualmente hermosos.

Ep. 23, Calamity Thrice

El ep. 21, The Dream Bird, es otra pequeña joyita muy especial, de nuevo reforzado por ese tono onírico recurrente en la serie. Aquí, una amiga de la infancia de Rin, la cual soñaba con ser escritora ahora se encuentra hundida por la rutina y un trabajo que no la apasiona hasta que una esfera roja, convertida posteriormente en un pajarraco gigante, le concede sus deseos. Episodio con la batalla más espectacular de la serie con un uso del plano sin cortes y la baja angulación alucinante. Eso por no hablar de una sobrada visual protagonizada por un coche que es para levantarse y aplaudir. Un capítulo que traslada ideas de Ultraman 80 (1980) sobre la energía negativa de las personas como fuente de creación de monstruos.

Ep. 25, Time to Run, Yuma!

Otro cantar es el ep 22, The Man in the White Mask, el punto más alto de Ultraman Arc en una historia que perfectamente podria haber hecho Akio Jissoji en el pasado. Un capítulo misterioso que se atreve a referenciar a la pintura surrealista de Magritte con la presencia inquietante de un caballero de máscara de piedra que está despojando a la sociedad de sus recuerdos, sus emociones y angustias convirtiendo el mundo en una existencia gris. Episodio de lo más refrescante, insólito e inventivo y que demuestra una vez más uno de los temas de la serie como es el poder de los recuerdos, la necesidad de Ultraman o el poder de la imaginación para llenar nuestras vidas de color.

Y Ultraman Arc encara su final con un trío de episodios que logran mantener el muy notable nivel visto hasta el momento y lo lleva un paso más allá. El ep. 23, Calamity Thrice, es modélico y presenta a una criatura como Trigelos, que es aterradora y que no duda en crucificar (ah... las buenas costumbres no deben perderse) al bueno de Arc en una batalla al límite. En el ep. 24, The Descending Dream, se potencia la emoción y el drama en lugar de las escenas de batalla con un Yuma en las últimas, una advertencia sobre sus lazos de unión con Arc y un cliffhunger que nos lleva a la excelencia del episodio final, Time to Run, Yuma!. Una gran conclusión, maravillosa en su estructura en 3 actos con Yuma siendo hundido y torturado psicológicamente pero que más tarde logrará superar sus traumas y dejarse llevar, desatarse con el poder de su imaginación para salvar el mundo. Sin duda, uno de los mejores y más locos ataques finales (si no el mejor) de las ultraseries y que pone punto y final a una serie que ha resultado ser toda una sorpresa inesperada.

 

Pese a su empaque más colorido y en ocasiones algo infantil (el robot You-Pi) y su visible modestia (esos tanques...), Arc pronto crece en una demostración de la libertad temática de la franquicia. En una confirmación de la capacidad de mutación y variedad de los argumentos de sus episodios. Una serie de lo más entretenida y que pese a algunos bajones de calidad y episodios algo más tontitos destaca por presentar un grupo de personajes pequeño pero muy entrañable, una gran variedad de episodios, nuevas creaciones de monstruos realizadas para la ocasión (algunas de ellas, geniales) y sobretodo por su increíble y bellísima creatividad a la hora de plasmar las escenas con los monstruos y unas batallas que nunca dejan de sorprenderte.

Ultraman Arc no es una serie tan redonda y explosiva como la anterior Blazar pero es, de nuevo, una notable muestra del magnífico presente de la franquicia. Como serie en conjunto la considero una de las 3 mejores de las New Generation Heroes (de 2013 al presente) y me llena de emoción a la vez de preocupación por saber como van a ser capaces de mantener el nivel con la siguiente serie de este año 2025. El esperado Ultraman Omega.

El 21 de febrero de 2025 se estrena la película Ultraman Arc The Movie: The Clash of Light and Evil, filme que lejos de ser una continuación del final de la serie se presenta como una trama adicional y que sucede entre los episodios 21 y 22 de Ultraman Arc.

SUPER ROBOT RED BARON (1973-1974)

Con el terremoto Mazinger Z sacudiendo las mentes de niños y jóvenes de todo Japón, algunas series tokusatsu de imagen real quisieron aprovechar la fiebre de aquellos años por los robots gigantes realizando productos similares. La productora Senkosha (creadora de Gekko Kamen, la primera serie televisiva japonesa con un superhéroe como protagonista) produjo Super Robot Red Baron (1973-1974) y que fue emitida a través de Nihon TV entre el 4 de julio de 1973 y el 27 de marzo de 1974, con un total de 39 episodios.

La serie empieza tal que así. Una organización maligna, la Iron Alliance, comandada por un tal Dr. Deviler y su armada de robots destructores mantiene secuestrados a científicos para que les ayuden a arreglar a sus robots. Uno de ellos, Kenichiro Kurenai, resulta ser el creador de Red Baron, quien dará la clave de cómo controlarlo a su hermano menor Ken. Kenichiro acabará asesinado frente a los ojos de Ken quien desde entonces luchará contra los malvados montado dentro de Red Baron. La SSI, Super Science Institute, unas fuerzas especiales de élite, le ayudarán en su cometido.

El equipo de defensa SSI

Red Baron fue una producción cara de realizar. Los trajes de Red Baron y del ejército de robots de Iron Alliance fueron realizados por Ryosaku Takayama y la compañia Hiruma Modeling, los cuales ya habían trabajado en la elaboración de maquetas de algunas entregas de la serie Gamera, además de colaborar en las producciones de Tsuburaya y P. Productions. La serie tiene un interés por resultar frenética en todo momento y explotar la acción, consiguiendo un gran nivel de espectacularidad para la época. Se explota especialmente la acción humana presentando una gran abundancia de momentos con artes marciales. Ésta fue una petición expresa de Senkosha hacia los responsables de la serie vista la popularidad de Bruce Lee en esos momentos. Por otro lado, aunque la sensación de la mayoría de robots es endeble y de "plastiquete" se consigue suplir dotando de mucha imaginación y energia a todas las batallas entre ellos. Es notable el esfuerzo en la elaboración de los efectos especiales y que se puede denotar en lo creativo de las maquetas y miniaturas. En cierta manera, y resulta un acierto, Red Baron recoge las sensaciones de estar viendo una traslación en live-action de los animes realizados en los 70 sobre mechas.

Ep. 3, Trump Card: Android X

La serie abre fuego con “Conspiracy of the Robot Empire”. Un episodio inicial que va a lo loco y que suelta a las bravas altas dosis de información que tal vez hubieran necesitado de más episodios. Aún así resulta irresistible e imparable en su acción y sabe plantear notablemente al malvado imperio robot de Iron Alliance y sus creaciones terribles. Como curiosidad, el hermano de Ken, Kenichiro, está interpretado por Nobuyuki Ishida, quien interpreto al héroe Mirrorman en la excelente serie de Tsuburaya de 1971. Tras un cliffhanger de órdago continuamos con "Violent Clash! The Baron Break”, que cuenta con un inicio impagable con Kenichiro crucificado y siendo volado por los aires con dinamita frente a los ojos de su hermano Ken.

Ep 11, The Beautiful Assassin

Así, el primer tramo de la serie se beneficia de este aire enérgico, alocado y furioso, convirtiéndose en una notable muestra de tokusatsu lleno de acción. Cabe destacar de esta primera hornada el doble episodio 3 y 4, "Trump Card: Android X / Certain Death! The Phoenix Maneuver" con Deviler y su imperio del mal proponiendo una jugarreta muy sucia como es el de crear un clon robótico del hermano de Ken para engañarle y conseguir el Red Baron. El doble de Kenichiro acabará pilotando un tal Android X y atrapará a Red Baron en una cárcel de fuego. Un doble episodio bastante vistoso, con mucha acción, luchas marciales y batallas robóticas.

La série, debido a su empaque no tan infantil y más enfocado a una audiencia juvenil-adulta se permite ser en ocasiones algo truculenta y violenta. En el episodio 8, "Invincible! Devil of the Desert", se nos presenta a un nuevo robot, llegado de Arabia y con capacidad para reflejar los ataques de Red Baron. Destaca aquí la presencia de un doctor que vive escondido tras fingir su muerte para escaparse de Deviler y que vive junto a su hijo mudo y paralítico. Ojo a ese flashback heredero del giallo italiano con el niño asistiendo al asesinato de su madre. Siguiendo en esta línea destaca el episodio 11, "The Beautiful Assassin", uno de los mejores de la serie, lleno de momentos de terror, una vez más, heredados del giallo, con Mari, la miembro femenina de SSI siendo controlada (mediante un microchip que se clava en su labio) por un enviado de Deviler, ataviado con una mano robótica, para poder así acabar con Ken. La secuencia a cámara lenta en la que Mari intenta matar a Ken (con sangrientos resultados) es antológica.

Ep 15, The Foretold Trap

Es en este tramo donde encontramos los momentos más atinados de la serie contando con, a opinión personal, los mejores episodios de Red Baron. El número 13, "10 Minutes until 5 Cities are Obliterated", resulta salvaje. Un episodio lleno de acción y con un plan por parte de Iron Alliance de lo más ambicioso como es lanzar misiles a 5 grandes ciudades de Japón. El episodio 15, "The Foretold Trap", resulta sencillamente espectacular. De grandes hallazgos visuales, buena cinematografía y escenas de pesadilla. Aquí la "alianza robot" intentará meter en una trampa a Ken haciéndole parecer culpable de unos asesinatos. La SSI descubrirá el entuerto e intentará tender una trampa a su vez a Iron Alliance. 

El misterioso ep. 16, Iron Alliance Fugitive

Cabe no dejar pasar el ep. 16, "Iron Alliance Fugitive", que aunque algo disperso, se separa de los demás capítulos de la serie optando por una trama terrorífica y llena de imágenes misteriosas e inquietantes protagonizadas por un esclavo fugitivo ataviado con una máscara deformada y de hierro apareciendo y causando muertes entre pescadores. El número 17 vuelve a demostrar lo cabrones que pueden llegar a ser los villanos de la serie. En "A Tale Penned by the Devil", Iron Alliance engaña al teniente de policía Kumano con una niña de lo más angelical la cual quiere volar dentro de Red Baron. Finalmente resultará ser otro robot al servicio del mal y se romperá el corazón de los espectadores cuando Kumano deba acabar con la “vida” de la pequeña. Por cierto, el robot enemigo del episodio es español y se llama Gran Matador. ¡Ojo! 

El cruel ep. 17, A Tale Penned by the Devil

Un aspecto interesante de la serie es que Red Baron no dispuso de un director de efectos especiales propiamente dicho y el director del episodio tenía que encargarse tanto del rodaje con los actores como de dirigir las escenas de efectos especiales (normalmente hay dos equipos encargándose por separado de ello). Algunos de los directores de los que pudo contar la serie fueron Kiyoshi Suzuki o Koichi Takano, director este último de los efectos especiales de diversas ultraseries o de filmes como The Mysterians (1956).

La serie inicialmente se planteó para finalizar en el episodio 26 por lo que el doble ep. 25 y 26, "The 7 Secrets of Red Baron / The Fall of Deviler Iron’s Alliance", narra la derrota del gran Deviler, el villano principal de la serie hasta el momento. Aquí los héroes pretenden instalar a Red Baron siete nuevas armas y diversas mejoras. Dicho plan secreto se aloja en un microfilm escondido en un reloj el cual se le da a Daisaku, miembro de SSI, pero el pobre acabará secuestrado en la playa... Un doble episodio que sin ser especialmente épico o notable si que nos brinda con escenas llenas de acción y situaciones al límite con el mecha definitivo de Deviler descabezando a Baron además de dos pérdidas de personajes principales bastante inesperadas y crudas.

El fin de Deviler en el ep. 26, 
The Fall of Deviler Iron’s Alliance

La serie, debido a su éxito, fue obligada a estirarse 12 episodios más. Algo que se nota especialmente viéndose un bajón general de calidad en este último tramo con unos argumentos dispersos, repetitivos y con unos nuevos villanos de tercera. Los nuevos representantes de la Iron Alliance ahora no son más que un grupillo de masillas con máscaras de monstruo de Frankenstein pintadas de platino. Delirante. De este tramo se puede destacar un entretenido doble episodio, los num. 29 y 30, "3 Robot Brothers of the Iron Alliance / The Boy Who Controlled Red Baron" y que presenta un nuevo plan maquiavélico e inquietante. La Iron Alliance utiliza el cuerpo de un niño atropellado para crear un robot infante que utilizarán para entablar amistad con Ken y así manipularle para acceder al todopoderoso Red Baron. El verdadero mandamás tras Iron Alliance, Gen Q, se presentará además ante la SSI. Uno de los must de este par de capítulos es la batalla que mantiene Baron contra un trío de robots gigantes.

Ep. 39, A Clockwork Tomorrow

Y la serie desemboca en un trío final formado por los ep 37, 38 y 39, "Father’s Letter from Across Space / Red Baron: Disaster on Mars / A Clockwork Tomorrow", de carácter bastante entretenido, aunque no notable, pero que presenta varias perlas. Aquí, una carta llega a Ken: ¡su padre está vivo y atrapado en la base central de Iron Alliance en Marte! Aunque huele a una evidente trampa, Ken, dentro de Red Baron, inicia su viaje. Las diversas revelaciones tienen su miga. Que el padre de Ken sea el verdadero cabecilla de Iron Alliance, que pretendan utilizar una de las lunas de Marte para estrellarla contra la Tierra y un final donde diversas reflexiones se abren paso por entre la acción reflexionando sobre nuestra dependencia para con la tecnología y si eso nos hace perder parte de nuestra humanidad. Al final la persona es quien marca la diferencia.

Super Robot Red Baron es una serie por lo general entretenida y que se beneficia de su ritmo frenético y vehículo de acción musculado/cibernético. Su héroe protagonista, Ken, aún siendo algo sosete cumple como héroe a las mil maravillas, dejando un equipo militar, la SSI bastante indiferente, con unos personajes superficiales y poco interesantes a excepción del personaje de Kumano, un comic relief que acaba por resultar entrañable y útil en muchos episodios. Aún con tramos de episodios notables, la serie peca de una gran parte de capítulos algo repetitivos y simplemente correctos, siendo esta sensación mucho más evidente en la muy discreta última tanda de episodios de la serie. Aún con todo, Super Robot Red Baron, es una serie a recomendar y que saciará a los fans con sus frenéticas batallas entre colosos robóticos. Harina de otro costal es su brutal y muy pegadizo opening. ¡Escuchadlo!

Los inicios de la emisión de Red Baron fueron difíciles aunque progresivamente y a partir de su episodio número 9, las audiencias crecieron considerablemente. Aún gozando ésta de una aceptable popularidad la serie acabó cancelándose debido a que los sponsors implicados en su financiación estaban teniendo dificultades económicas y eran incapaces de realizar más aportaciones para la serie. Si bien, Red Baron marcó el inicio de una trilogía conocida como las Baron Series, estando todas ellas creadas y guionizadas por el tándem formado por Kazuhiko Watanabe y Hiroshi Saito y siendo emitidas por Nippon TV. Sería continuada por Super Robot Mach Baron (1974-1975) y Little Superman Ganbaron (1977).

Se realizó años después un reboot en forma de serie anime titulada Red Baron, la cual contó con 49 episodios y que fueron emitidos entre 1994 y 1995. En 2017 se realizó Brave Storm, un largometraje que no era sino una revisión de Super Robot Red Baron (con elementos de la serie de 1971, Silver Mask, otra de las series producidas por Senkosha). A pesar de sus limitaciones presupuestarias, el filme es una sorprendente puesta al día del personaje en una producción vibrante, de conseguido pulso narrativo, excelentes ideas y amor por el género.