ULTRAMAN ARC (2024)

La franquicia Ultraman se encuentra en un auténtico estado de gracia actualmente y la marca cada vez se encuentra más globalizada. Al respecto, Tsuburaya está realizando un trabajo impecable haciendo todo lo posible para que el mundo pueda ver a su creación empezando por el canal oficial de Youtube de la productora, donde semana a semana se cuelga el episodio de la ultraserie que se encuentre en curso, subtitulado y doblado a múltiples idiomas. Increíble. 2024 también se vivió la llegada a Netflix de la película de animación Ultraman: El ascenso, filme que pese a mis bajas expectativas resultó ser un trabajo muy notable, realizado con mucho mimo y alma.

La anterior ultraserie, Ultraman Blazar (2023), fue todo un soplo de aire fresco. Una entrega espectacular, algo más adulta y llena ideas renovadoras. Además, no se dejaba arrastrar por el peso del tribute show, losa de las anteriores series vistas. Tras los excelentes comentarios dejados por Blazar, difícil lo iba a tener la siguiente ultraserie. Y los primeros avances de Ultraman Arc (2024) no auguraban nada bueno, a la postre una estética y personajes que intuían un regreso a aires más infantiles en la línea de series anteriores como Ultraman Geed (2017) o similares. Por suerte, desde el primer episodio se ha demostrado que Arc iba a dar guerra.

Arc llega fuerte.

El equipo de protagonistas de SKIP.

Contando en esta ocasión con Takanori Tsujimoto como director principal de la serie, Ultraman Arc es una serie de 25 episodios (1 de ellos de resumen) emitidos entre el 6 de julio de 2024 y el 18 de enero de 2025. Arc ha supuesto toda una sorpresa de lo más agradable e inesperada siendo un producto muy imaginativo y creativo, que opta por volver al esquema clásico de la franquicia (hay mucho de la etapa Showa aquí, tanto en tono como en guiños) como es tratar de mantener cierta imprevisibilidad y variedad en las tramas de los episodios a la vez que se mantiene una trama de fondo que poco a poco se va desarrollando. El lema de la serie es “desata tu imaginación” (el lema actual de la propia Tsuburaya), algo que el director Tsujimoto ha parecido trasladar también a su equipo creativo dándoles alas y libertad para dar rienda suelta a su creatividad. En ese sentido Arc resulta visualmente hermosa, los escenarios por donde se mueven los personajes están rodeados de cierto aire onírico con fondos desenfocados y fuerte exposición de la luz. La fusión entre la figura del monstruo gigante y los escenarios reales resulta acongojante en muchas ocasiones eso por no hablar de la plasmación de las batallas contra los colosos las cuales nunca dejan de sorprenderte. Desde el plano secuencia del primer episodio, cambios de puntos de vista entre el ultrahéroe y el villano de turno, cámaras introduciéndose en maquetas de edificios (e incluso coches volando) y mucho más. Sin duda una gozada.

Ep. 1, Arc to the Future

Y eso que Ultraman Arc es visiblemente una serie más modesta que su antecesora pero se compensa con muchas ideas, ganas y buen saber hacer. Y se acierta en no abusar de la molesta multitud de formas de poder diferentes del Ultraman de turno ni de esos batiburrillos de monstruos mezclados entre sí o de reutilizar los mismos monstruos clásicos de siempre sobados hasta la extenuación. Losa, de nuevo, de las series de la new generation heroes. En su lugar, los creadores de Arc optan por dotar al héroe de diversas armaduras que irá mostrando a lo largo de la serie pero sin depender excesivamente de ellas. Y en línea con la etapa Showa donde se sorprendía a los espectadores con nuevas creaciones monstruosas llenas de imaginación, aquí se hace lo propio mostrando nuevas bestias, muchas de ellas de un diseño de lo más notable. Es el caso de Digelos (y Trigelos) o el villano final, Alien Sweed.

Ep. 3, Unleash your imagination!

El poder de imaginación de Yuma no os dejará indiferentes

Otro aspecto interesante es el equipo de protagonistas y la elección de reducirlo a 4 personajes (y un robot IA) que forman SKIP, los cuales no son el típico escuadrón militar habitual, sino un grupo que ayuda en las evacuaciones ante ataques kaiju además de ser un centro de estudio de los monstruos. Su protagonista, Yuma, tiene un fondo interesante siendo un joven que perdió a sus padre el dia-K, el dia del primer ataque kaiju y 16 años después logra transformarse por primera vez en Ultraman Arc, un superhéroe cuyo aspecto y habilidades, misteriosamente, parece haber soñado, dibujado y plasmado a lo largo de toda su infancia. El trauma que arrastra Yuma, su necesidad de mirar hacia adelante, además de los lazos que lo unen a Arc resultan interesantes y el camino del héroe que se realiza hasta el final logra momentos conmovedores. 

Los demás personajes resultan también bastante agradables y entrañables, destacando a Shu, amante del cafè, representante en SKIP de la GDF, el estamento gubermanemtal de turno y cuya evolución en su manera de tratar la vida alienígena y relación de amistad que se crea entre él y Yuma alcanza momentos emocionantes. También el nuevo ultrahéroe, Arc, se le dota de una historia de fondo diferente y sus motivaciones y misión que se le ha encomendado resultan coherentes. Todo un acierto, además, presentar las comunicaciones entre Yuma y Arc a través de los reflejos de espejos o pantallas de ordenador o charlas que mantienen los dos en una especie de dimensión alternativa en el que son simpáticos guiños a anteriores series de Tsuburaya como Mirrorman (1971) o Gridman (1993). 

Ya el primer episodio, Arc to the Future, resulta una notable presentación y buena muestra de que se quieren aportar cosas diferentes a nivel visual. Ese prólogo, que nos lleva a la primera aparición de Arc rodado con planos a pie de calle o por medio de noticiarios resulta portentoso. Eso por no hablar de la batalla a plano secuencia con el contador de 3 minutos en pantalla y que resulta apabullante. Un episodio que introduce las claves de la serie de una manera acertada y divertida.

Ep. 7, The Full Moon’s Answer

Shu, adicto al café.

Ultraman Arc se atreve en diversas ocasiones a jugar con las expectativas respecto a lo que una ultraserie tradicional haría. Así, la historia de origen no es el primer episodio, sino el episodio 3, el notable Unleash your imagination!, donde se nos cuenta la traumática muerte de los padres de Yuma en el dia-K, y el regreso, 16 años después, de Digelos, una monstruosidad llegada a través de un agujero de gusano.

Tras este inicio, la serie camina con aire dubitativo o no tan acertado en los siguientes episodios. Las relaciones vecinales de Rin, la miembro femenina de SKIP y la aparición de una rata desproporcionada de dudosa plasmación en On the Kaiju’s Tail (ep 4) o Kanegon convertido en un streamer que se alimenta de criptomonedas en Internet Kanegon (ep 8), dan algo de bajona. Sin ser notable, cabe destacar el ep. 7, The Full Moon’s Answer, donde se hace más evidente el clima ensoñador que rodea gran parte de la estética visual de la serie y que aquí es reforzado con la trama de una criatura felina de leyenda, un clima abrasador en la ciudad, profetisas (que nunca fallan) y una armadura cargada del poder de la luna para Arc.

El robot Givas en el ep. 11, Message

Uno de los episodios que marcan la diferencia es el núm. 9, Goodbye Rin. Rodado con sumo gusto, delicado a la hora de plasmar una historia de maduración para Rin la cual se reencuentra (y desengaña) con un viejo amor ahora dedicado a prácticas ilícitas con células kaiju, sumado las vibrantes y trabajadas escenas con los monstruos (aunque ese amor que dobla en edad a Rin dé algo de grimilla). Llegando al ecuador de la serie nos encontramos con el doble ep. 11 y 12, Message / You are Givas, que aunque la premisa puede recordar a la llegada de Galactron de Ultraman Orb (2016), la idea no deja de resultar potente como es presentar a un robot del que no se saben sus intenciones y que está lanzando un mensaje a descifrar. El miedo creado por el monstruo y que lleva a ordenar su destrucción vs la confianza de Yuma de que quiere comunicarse con la humanidad crea un conflicto interesante.

Ep. 12, You are Givas

Un último café en el ep. 17, Demon Slicing Sword

Si bien, es a partir del episodio 14 cuando las cosas se van poniendo muy jugosas, presentando el conflicto principal de la serie de manera clara, un villano como es Sweed, la historia y motivaciones tras Arc y su relación con la tal Sweed. Es un doble episodio de lo más destacable, los núm. 14 y 15, Flash of the Past / The Wandering Future los cuales se encuentran excelentemente rodados y con hallazgos como ese plano dimensional (localizado en un cine, un mundo de sueños sin duda) donde Arc habla con Yuma y escenas tan sugerentes a nivel visual como la aparición desde el subsuelo de esa extraña bola que parece albergar la energía de un sol, nada menos. Es un aspecto muy a destacar de la presente Arc y es esa identificación con el ultrahéroe, ayudado por una interacción más explícita entre él y su host humano además de un trasfondo argumental potente que hace de Arc un ultra bastante carismático. No solamente sufres por Yuma sinó también por el propio Arc y eso no es muy habitual en el presente de la franquicia.

Ep. 19, Light and Flame

La serie hace las coses diferente a anteriores ultraseries de las new generation y el esperado crossover con Blazar se convierte en un arco de 4 episodios (entre el 16 y el 19) y donde la verdadera estrella no es Blazar sinó Zangill, esa especie de samurai alienígena que aparecía en Ultraman Blazar. Un arco bastante entretenido con la aparición de una especie de espíritus-kaiju (de los cuales muchos son monstruos salidos de la misma Blazar), la existencia de una especie de dimensión del más allá dominada por un shogun-kaiju, Hellnarak, y la entrañable presencia de un moribundo Zangill. El plato fuerte viene en el ep. 19, Light and Flame, con Yuma/Arc cayendo en otra dimensión (que no es otra que la de la serie Ultraman Blazar), con los personajes de Arc trabajando en su lugar en el escuadrón de defensa que veíamos en Blazar quienes luchan contra el tal Hellnarak. Por supuesto, recuperar a Blazar es un puntazo para la serie.

Ep. 20, What is Passed Down

Ep 22, The Man in the White Mask

Y en este último tercio de la serie, Arc acaba por sorprender con una tanda de episodios de lo más notable. Historias autoconclusivas que nos devuelven al ADN puro de la etapa Showa de la franquicia y que demuestran un nivel de imaginación de lo más agradecido. El ep. 20, What is Passed Down, mira que no apuntaba maneras con esa trama de la hija tartamuda del capitán de SKIP, ahora metida a becaria como reportera gastronómica... Pero la cosa mejora y mucho con la misteriosa aparición de Gomess y que resulta ser una criatura extraterrestre similar a un cúmulo de cristales que ha replicado el cuerpo del monstruo. Uno de esos episodios en los que la plasmación de los escenarios reales con el monstruo o algunos planos de la batalla con Arc son visualmente hermosos.

Ep. 23, Calamity Thrice

El ep. 21, The Dream Bird, es otra pequeña joyita muy especial, de nuevo reforzado por ese tono onírico recurrente en la serie. Aquí, una amiga de la infancia de Rin, la cual soñaba con ser escritora ahora se encuentra hundida por la rutina y un trabajo que no la apasiona hasta que una esfera roja, convertida posteriormente en un pajarraco gigante, le concede sus deseos. Episodio con la batalla más espectacular de la serie con un uso del plano sin cortes y la baja angulación alucinante. Eso por no hablar de una sobrada visual protagonizada por un coche que es para levantarse y aplaudir. Un capítulo que traslada ideas de Ultraman 80 (1980) sobre la energía negativa de las personas como fuente de creación de monstruos.

Ep. 25, Time to Run, Yuma!

Otro cantar es el ep 22, The Man in the White Mask, el punto más alto de Ultraman Arc en una historia que perfectamente podria haber hecho Akio Jissoji en el pasado. Un capítulo misterioso que se atreve a referenciar a la pintura surrealista de Magritte con la presencia inquietante de un caballero de máscara de piedra que está despojando a la sociedad de sus recuerdos, sus emociones y angustias convirtiendo el mundo en una existencia gris. Episodio de lo más refrescante, insólito e inventivo y que demuestra una vez más uno de los temas de la serie como es el poder de los recuerdos, la necesidad de Ultraman o el poder de la imaginación para llenar nuestras vidas de color.

Y Ultraman Arc encara su final con un trío de episodios que logran mantener el muy notable nivel visto hasta el momento y lo lleva un paso más allá. El ep. 23, Calamity Thrice, es modélico y presenta a una criatura como Trigelos, que es aterradora y que no duda en crucificar (ah... las buenas costumbres no deben perderse) al bueno de Arc en una batalla al límite. En el ep. 24, The Descending Dream, se potencia la emoción y el drama en lugar de las escenas de batalla con un Yuma en las últimas, una advertencia sobre sus lazos de unión con Arc y un cliffhunger que nos lleva a la excelencia del episodio final, Time to Run, Yuma!. Una gran conclusión, maravillosa en su estructura en 3 actos con Yuma siendo hundido y torturado psicológicamente pero que más tarde logrará superar sus traumas y dejarse llevar, desatarse con el poder de su imaginación para salvar el mundo. Sin duda, uno de los mejores y más locos ataques finales (si no el mejor) de las ultraseries y que pone punto y final a una serie que ha resultado ser toda una sorpresa inesperada.

 

Pese a su empaque más colorido y en ocasiones algo infantil (el robot You-Pi) y su visible modestia (esos tanques...), Arc pronto crece en una demostración de la libertad temática de la franquicia. En una confirmación de la capacidad de mutación y variedad de los argumentos de sus episodios. Una serie de lo más entretenida y que pese a algunos bajones de calidad y episodios algo más tontitos destaca por presentar un grupo de personajes pequeño pero muy entrañable, una gran variedad de episodios, nuevas creaciones de monstruos realizadas para la ocasión (algunas de ellas, geniales) y sobretodo por su increíble y bellísima creatividad a la hora de plasmar las escenas con los monstruos y unas batallas que nunca dejan de sorprenderte.

Ultraman Arc no es una serie tan redonda y explosiva como la anterior Blazar pero es, de nuevo, una notable muestra del magnífico presente de la franquicia. Como serie en conjunto la considero una de las 3 mejores de las New Generation Heroes (de 2013 al presente) y me llena de emoción a la vez de preocupación por saber como van a ser capaces de mantener el nivel con la siguiente serie de este año 2025. El esperado Ultraman Omega.

El 21 de febrero de 2025 se estrena la película Ultraman Arc The Movie: The Clash of Light and Evil, filme que lejos de ser una continuación del final de la serie se presenta como una trama adicional y que sucede entre los episodios 21 y 22 de Ultraman Arc.

SUPER ROBOT RED BARON (1973-1974)

Con el terremoto Mazinger Z sacudiendo las mentes de niños y jóvenes de todo Japón, algunas series tokusatsu de imagen real quisieron aprovechar la fiebre de aquellos años por los robots gigantes realizando productos similares. La productora Senkosha (creadora de Gekko Kamen, la primera serie televisiva japonesa con un superhéroe como protagonista) produjo Super Robot Red Baron (1973-1974) y que fue emitida a través de Nihon TV entre el 4 de julio de 1973 y el 27 de marzo de 1974, con un total de 39 episodios.

La serie empieza tal que así. Una organización maligna, la Iron Alliance, comandada por un tal Dr. Deviler y su armada de robots destructores mantiene secuestrados a científicos para que les ayuden a arreglar a sus robots. Uno de ellos, Kenichiro Kurenai, resulta ser el creador de Red Baron, quien dará la clave de cómo controlarlo a su hermano menor Ken. Kenichiro acabará asesinado frente a los ojos de Ken quien desde entonces luchará contra los malvados montado dentro de Red Baron. La SSI, Super Science Institute, unas fuerzas especiales de élite, le ayudarán en su cometido.

El equipo de defensa SSI

Red Baron fue una producción cara de realizar. Los trajes de Red Baron y del ejército de robots de Iron Alliance fueron realizados por Ryosaku Takayama y la compañia Hiruma Modeling, los cuales ya habían trabajado en la elaboración de maquetas de algunas entregas de la serie Gamera, además de colaborar en las producciones de Tsuburaya y P. Productions. La serie tiene un interés por resultar frenética en todo momento y explotar la acción, consiguiendo un gran nivel de espectacularidad para la época. Se explota especialmente la acción humana presentando una gran abundancia de momentos con artes marciales. Ésta fue una petición expresa de Senkosha hacia los responsables de la serie vista la popularidad de Bruce Lee en esos momentos. Por otro lado, aunque la sensación de la mayoría de robots es endeble y de "plastiquete" se consigue suplir dotando de mucha imaginación y energia a todas las batallas entre ellos. Es notable el esfuerzo en la elaboración de los efectos especiales y que se puede denotar en lo creativo de las maquetas y miniaturas. En cierta manera, y resulta un acierto, Red Baron recoge las sensaciones de estar viendo una traslación en live-action de los animes realizados en los 70 sobre mechas.

Ep. 3, Trump Card: Android X

La serie abre fuego con “Conspiracy of the Robot Empire”. Un episodio inicial que va a lo loco y que suelta a las bravas altas dosis de información que tal vez hubieran necesitado de más episodios. Aún así resulta irresistible e imparable en su acción y sabe plantear notablemente al malvado imperio robot de Iron Alliance y sus creaciones terribles. Como curiosidad, el hermano de Ken, Kenichiro, está interpretado por Nobuyuki Ishida, quien interpreto al héroe Mirrorman en la excelente serie de Tsuburaya de 1971. Tras un cliffhanger de órdago continuamos con "Violent Clash! The Baron Break”, que cuenta con un inicio impagable con Kenichiro crucificado y siendo volado por los aires con dinamita frente a los ojos de su hermano Ken.

Ep 11, The Beautiful Assassin

Así, el primer tramo de la serie se beneficia de este aire enérgico, alocado y furioso, convirtiéndose en una notable muestra de tokusatsu lleno de acción. Cabe destacar de esta primera hornada el doble episodio 3 y 4, "Trump Card: Android X / Certain Death! The Phoenix Maneuver" con Deviler y su imperio del mal proponiendo una jugarreta muy sucia como es el de crear un clon robótico del hermano de Ken para engañarle y conseguir el Red Baron. El doble de Kenichiro acabará pilotando un tal Android X y atrapará a Red Baron en una cárcel de fuego. Un doble episodio bastante vistoso, con mucha acción, luchas marciales y batallas robóticas.

La série, debido a su empaque no tan infantil y más enfocado a una audiencia juvenil-adulta se permite ser en ocasiones algo truculenta y violenta. En el episodio 8, "Invincible! Devil of the Desert", se nos presenta a un nuevo robot, llegado de Arabia y con capacidad para reflejar los ataques de Red Baron. Destaca aquí la presencia de un doctor que vive escondido tras fingir su muerte para escaparse de Deviler y que vive junto a su hijo mudo y paralítico. Ojo a ese flashback heredero del giallo italiano con el niño asistiendo al asesinato de su madre. Siguiendo en esta línea destaca el episodio 11, "The Beautiful Assassin", uno de los mejores de la serie, lleno de momentos de terror, una vez más, heredados del giallo, con Mari, la miembro femenina de SSI siendo controlada (mediante un microchip que se clava en su labio) por un enviado de Deviler, ataviado con una mano robótica, para poder así acabar con Ken. La secuencia a cámara lenta en la que Mari intenta matar a Ken (con sangrientos resultados) es antológica.

Ep 15, The Foretold Trap

Es en este tramo donde encontramos los momentos más atinados de la serie contando con, a opinión personal, los mejores episodios de Red Baron. El número 13, "10 Minutes until 5 Cities are Obliterated", resulta salvaje. Un episodio lleno de acción y con un plan por parte de Iron Alliance de lo más ambicioso como es lanzar misiles a 5 grandes ciudades de Japón. El episodio 15, "The Foretold Trap", resulta sencillamente espectacular. De grandes hallazgos visuales, buena cinematografía y escenas de pesadilla. Aquí la "alianza robot" intentará meter en una trampa a Ken haciéndole parecer culpable de unos asesinatos. La SSI descubrirá el entuerto e intentará tender una trampa a su vez a Iron Alliance. 

El misterioso ep. 16, Iron Alliance Fugitive

Cabe no dejar pasar el ep. 16, "Iron Alliance Fugitive", que aunque algo disperso, se separa de los demás capítulos de la serie optando por una trama terrorífica y llena de imágenes misteriosas e inquietantes protagonizadas por un esclavo fugitivo ataviado con una máscara deformada y de hierro apareciendo y causando muertes entre pescadores. El número 17 vuelve a demostrar lo cabrones que pueden llegar a ser los villanos de la serie. En "A Tale Penned by the Devil", Iron Alliance engaña al teniente de policía Kumano con una niña de lo más angelical la cual quiere volar dentro de Red Baron. Finalmente resultará ser otro robot al servicio del mal y se romperá el corazón de los espectadores cuando Kumano deba acabar con la “vida” de la pequeña. Por cierto, el robot enemigo del episodio es español y se llama Gran Matador. ¡Ojo! 

El cruel ep. 17, A Tale Penned by the Devil

Un aspecto interesante de la serie es que Red Baron no dispuso de un director de efectos especiales propiamente dicho y el director del episodio tenía que encargarse tanto del rodaje con los actores como de dirigir las escenas de efectos especiales (normalmente hay dos equipos encargándose por separado de ello). Algunos de los directores de los que pudo contar la serie fueron Kiyoshi Suzuki o Koichi Takano, director este último de los efectos especiales de diversas ultraseries o de filmes como The Mysterians (1956).

La serie inicialmente se planteó para finalizar en el episodio 26 por lo que el doble ep. 25 y 26, "The 7 Secrets of Red Baron / The Fall of Deviler Iron’s Alliance", narra la derrota del gran Deviler, el villano principal de la serie hasta el momento. Aquí los héroes pretenden instalar a Red Baron siete nuevas armas y diversas mejoras. Dicho plan secreto se aloja en un microfilm escondido en un reloj el cual se le da a Daisaku, miembro de SSI, pero el pobre acabará secuestrado en la playa... Un doble episodio que sin ser especialmente épico o notable si que nos brinda con escenas llenas de acción y situaciones al límite con el mecha definitivo de Deviler descabezando a Baron además de dos pérdidas de personajes principales bastante inesperadas y crudas.

El fin de Deviler en el ep. 26, 
The Fall of Deviler Iron’s Alliance

La serie, debido a su éxito, fue obligada a estirarse 12 episodios más. Algo que se nota especialmente viéndose un bajón general de calidad en este último tramo con unos argumentos dispersos, repetitivos y con unos nuevos villanos de tercera. Los nuevos representantes de la Iron Alliance ahora no son más que un grupillo de masillas con máscaras de monstruo de Frankenstein pintadas de platino. Delirante. De este tramo se puede destacar un entretenido doble episodio, los num. 29 y 30, "3 Robot Brothers of the Iron Alliance / The Boy Who Controlled Red Baron" y que presenta un nuevo plan maquiavélico e inquietante. La Iron Alliance utiliza el cuerpo de un niño atropellado para crear un robot infante que utilizarán para entablar amistad con Ken y así manipularle para acceder al todopoderoso Red Baron. El verdadero mandamás tras Iron Alliance, Gen Q, se presentará además ante la SSI. Uno de los must de este par de capítulos es la batalla que mantiene Baron contra un trío de robots gigantes.

Ep. 39, A Clockwork Tomorrow

Y la serie desemboca en un trío final formado por los ep 37, 38 y 39, "Father’s Letter from Across Space / Red Baron: Disaster on Mars / A Clockwork Tomorrow", de carácter bastante entretenido, aunque no notable, pero que presenta varias perlas. Aquí, una carta llega a Ken: ¡su padre está vivo y atrapado en la base central de Iron Alliance en Marte! Aunque huele a una evidente trampa, Ken, dentro de Red Baron, inicia su viaje. Las diversas revelaciones tienen su miga. Que el padre de Ken sea el verdadero cabecilla de Iron Alliance, que pretendan utilizar una de las lunas de Marte para estrellarla contra la Tierra y un final donde diversas reflexiones se abren paso por entre la acción reflexionando sobre nuestra dependencia para con la tecnología y si eso nos hace perder parte de nuestra humanidad. Al final la persona es quien marca la diferencia.

Super Robot Red Baron es una serie por lo general entretenida y que se beneficia de su ritmo frenético y vehículo de acción musculado/cibernético. Su héroe protagonista, Ken, aún siendo algo sosete cumple como héroe a las mil maravillas, dejando un equipo militar, la SSI bastante indiferente, con unos personajes superficiales y poco interesantes a excepción del personaje de Kumano, un comic relief que acaba por resultar entrañable y útil en muchos episodios. Aún con tramos de episodios notables, la serie peca de una gran parte de capítulos algo repetitivos y simplemente correctos, siendo esta sensación mucho más evidente en la muy discreta última tanda de episodios de la serie. Aún con todo, Super Robot Red Baron, es una serie a recomendar y que saciará a los fans con sus frenéticas batallas entre colosos robóticos. Harina de otro costal es su brutal y muy pegadizo opening. ¡Escuchadlo!

Los inicios de la emisión de Red Baron fueron difíciles aunque progresivamente y a partir de su episodio número 9, las audiencias crecieron considerablemente. Aún gozando ésta de una aceptable popularidad la serie acabó cancelándose debido a que los sponsors implicados en su financiación estaban teniendo dificultades económicas y eran incapaces de realizar más aportaciones para la serie. Si bien, Red Baron marcó el inicio de una trilogía conocida como las Baron Series, estando todas ellas creadas y guionizadas por el tándem formado por Kazuhiko Watanabe y Hiroshi Saito y siendo emitidas por Nippon TV. Sería continuada por Super Robot Mach Baron (1974-1975) y Little Superman Ganbaron (1977).

Se realizó años después un reboot en forma de serie anime titulada Red Baron, la cual contó con 49 episodios y que fueron emitidos entre 1994 y 1995. En 2017 se realizó Brave Storm, un largometraje que no era sino una revisión de Super Robot Red Baron (con elementos de la serie de 1971, Silver Mask, otra de las series producidas por Senkosha). A pesar de sus limitaciones presupuestarias, el filme es una sorprendente puesta al día del personaje en una producción vibrante, de conseguido pulso narrativo, excelentes ideas y amor por el género.

YOUNG AND DANGEROUS 2 (1996)

Como se mencionó anteriormente, Young and Dangerous (1996) fue un fenómeno total a raíz de su estreno en Hong Kong. Envuelta en un halo de polémica por su glorificación y romantización del mundo de las tríadas, el filme catapultó de la noche a la mañana a sus jóvenes actores y generó un buen número de continuaciones y spin off. La secuela no se hizo de rogar y dos meses después del estreno de la primera, en marzo del 96, se estrenó Young and Dangerous 2 (1996). 

Dicha continuación se centra, en gran parte de la misma, en ese lapso de tiempo en el que Chicken estuvo desaparecido en la primera entrega, escapando hacia Taiwán e introduciéndose en la mafia del lugar. Más tarde dicha mafia taiwanesa volverá tratando de aliarse con las triadas y la Sociedad Hung Hing de Hong Kong.

Si la primera entrega resultaba más cruda, directa y algo más focalizada en la acción, esta secuela se torna más pausada y más preocupada en explorar y profundizar en el gran abanico de personajes de la saga. El resultado es de hondo calado y realmente efectivo. Ya vemos aquí y de forma evidente que el mejor y más carismático personaje de la saga es Chicken, en lugar del protagonista, Nam, algo más soso y predecible. 

Todo el periplo del “gallina” en su escapada a Taiwán, su acceso a la mafia del lugar y su enamoramiento con el personaje de Ting Siu-Yiu (una maravillosa y hermosa Chingmy Yau), resulta la mar de interesante. La otra línea argumental de la cinta, la del presente, cuenta la llegada de la mafia de Taiwán a la cual Chicken está vinculado así como su entrada en los negocios de la sociedad Hung Hing. Como digo, la película continua profundizando en el organigrama de dicha sociedad y las luchas de poder entre los clanes con Nam teniendo que ganarse el puesto de jefe compitiendo con nada más y nada menos que Anthony Wong, con un personaje hilarante a la par de desagradable, encargado de la venta masiva de material pornográfico. Una adhesión que hace aumentar aún más la calidad del cast.

Esta preocupación por la narración y la historia así como una menor pero más justificada presencia de escenas de acción hace que en algunos puntos esta secuela sea incluso más disfrutable que su antecesora, acabando por establecer las claves de la franquicia, envolverla de un aura trágico-violenta a sus personajes y focalizar la narración en las relaciones entre personajes. Una notable cinta.