ULTRAMAN ARC (2024)

La franquicia Ultraman se encuentra en un auténtico estado de gracia actualmente y la marca cada vez se encuentra más globalizada. Al respecto, Tsuburaya está realizando un trabajo impecable haciendo todo lo posible para que el mundo pueda ver a su creación empezando por el canal oficial de Youtube de la productora, donde semana a semana se cuelga el episodio de la ultraserie que se encuentre en curso, subtitulado y doblado a múltiples idiomas. Increíble. 2024 también se vivió la llegada a Netflix de la película de animación Ultraman: El ascenso, filme que pese a mis bajas expectativas resultó ser un trabajo muy notable, realizado con mucho mimo y alma.

La anterior ultraserie, Ultraman Blazar (2023), fue todo un soplo de aire fresco. Una entrega espectacular, algo más adulta y llena ideas renovadoras. Además, no se dejaba arrastrar por el peso del tribute show, losa de las anteriores series vistas. Tras los excelentes comentarios dejados por Blazar, difícil lo iba a tener la siguiente ultraserie. Y los primeros avances de Ultraman Arc (2024) no auguraban nada bueno, a la postre una estética y personajes que intuían un regreso a aires más infantiles en la línea de series anteriores como Ultraman Geed (2017) o similares. Por suerte, desde el primer episodio se ha demostrado que Arc iba a dar guerra.

Arc llega fuerte.

El equipo de protagonistas de SKIP.

Contando en esta ocasión con Takanori Tsujimoto como director principal de la serie, Ultraman Arc es una serie de 25 episodios (1 de ellos de resumen) emitidos entre el 6 de julio de 2024 y el 18 de enero de 2025. Arc ha supuesto toda una sorpresa de lo más agradable e inesperada siendo un producto muy imaginativo y creativo, que opta por volver al esquema clásico de la franquicia (hay mucho de la etapa Showa aquí, tanto en tono como en guiños) como es tratar de mantener cierta imprevisibilidad y variedad en las tramas de los episodios a la vez que se mantiene una trama de fondo que poco a poco se va desarrollando. El lema de la serie es “desata tu imaginación” (el lema actual de la propia Tsuburaya), algo que el director Tsujimoto ha parecido trasladar también a su equipo creativo dándoles alas y libertad para dar rienda suelta a su creatividad. En ese sentido Arc resulta visualmente hermosa, los escenarios por donde se mueven los personajes están rodeados de cierto aire onírico con fondos desenfocados y fuerte exposición de la luz. La fusión entre la figura del monstruo gigante y los escenarios reales resulta acongojante en muchas ocasiones eso por no hablar de la plasmación de las batallas contra los colosos las cuales nunca dejan de sorprenderte. Desde el plano secuencia del primer episodio, cambios de puntos de vista entre el ultrahéroe y el villano de turno, cámaras introduciéndose en maquetas de edificios (e incluso coches volando) y mucho más. Sin duda una gozada.

Ep. 1, Arc to the Future

Y eso que Ultraman Arc es visiblemente una serie más modesta que su antecesora pero se compensa con muchas ideas, ganas y buen saber hacer. Y se acierta en no abusar de la molesta multitud de formas de poder diferentes del Ultraman de turno ni de esos batiburrillos de monstruos mezclados entre sí o de reutilizar los mismos monstruos clásicos de siempre sobados hasta la extenuación. Losa, de nuevo, de las series de la new generation heroes. En su lugar, los creadores de Arc optan por dotar al héroe de diversas armaduras que irá mostrando a lo largo de la serie pero sin depender excesivamente de ellas. Y en línea con la etapa Showa donde se sorprendía a los espectadores con nuevas creaciones monstruosas llenas de imaginación, aquí se hace lo propio mostrando nuevas bestias, muchas de ellas de un diseño de lo más notable. Es el caso de Digelos (y Trigelos) o el villano final, Alien Sweed.

Ep. 3, Unleash your imagination!

El poder de imaginación de Yuma no os dejará indiferentes

Otro aspecto interesante es el equipo de protagonistas y la elección de reducirlo a 4 personajes (y un robot IA) que forman SKIP, los cuales no son el típico escuadrón militar habitual, sino un grupo que ayuda en las evacuaciones ante ataques kaiju además de ser un centro de estudio de los monstruos. Su protagonista, Yuma, tiene un fondo interesante siendo un joven que perdió a sus padre el dia-K, el dia del primer ataque kaiju y 16 años después logra transformarse por primera vez en Ultraman Arc, un superhéroe cuyo aspecto y habilidades, misteriosamente, parece haber soñado, dibujado y plasmado a lo largo de toda su infancia. El trauma que arrastra Yuma, su necesidad de mirar hacia adelante, además de los lazos que lo unen a Arc resultan interesantes y el camino del héroe que se realiza hasta el final logra momentos conmovedores. 

Los demás personajes resultan también bastante agradables y entrañables, destacando a Shu, amante del cafè, representante en SKIP de la GDF, el estamento gubermanemtal de turno y cuya evolución en su manera de tratar la vida alienígena y relación de amistad que se crea entre él y Yuma alcanza momentos emocionantes. También el nuevo ultrahéroe, Arc, se le dota de una historia de fondo diferente y sus motivaciones y misión que se le ha encomendado resultan coherentes. Todo un acierto, además, presentar las comunicaciones entre Yuma y Arc a través de los reflejos de espejos o pantallas de ordenador o charlas que mantienen los dos en una especie de dimensión alternativa en el que son simpáticos guiños a anteriores series de Tsuburaya como Mirrorman (1971) o Gridman (1993). 

Ya el primer episodio, Arc to the Future, resulta una notable presentación y buena muestra de que se quieren aportar cosas diferentes a nivel visual. Ese prólogo, que nos lleva a la primera aparición de Arc rodado con planos a pie de calle o por medio de noticiarios resulta portentoso. Eso por no hablar de la batalla a plano secuencia con el contador de 3 minutos en pantalla y que resulta apabullante. Un episodio que introduce las claves de la serie de una manera acertada y divertida.

Ep. 7, The Full Moon’s Answer

Shu, adicto al café.

Ultraman Arc se atreve en diversas ocasiones a jugar con las expectativas respecto a lo que una ultraserie tradicional haría. Así, la historia de origen no es el primer episodio, sino el episodio 3, el notable Unleash your imagination!, donde se nos cuenta la traumática muerte de los padres de Yuma en el dia-K, y el regreso, 16 años después, de Digelos, una monstruosidad llegada a través de un agujero de gusano.

Tras este inicio, la serie camina con aire dubitativo o no tan acertado en los siguientes episodios. Las relaciones vecinales de Rin, la miembro femenina de SKIP y la aparición de una rata desproporcionada de dudosa plasmación en On the Kaiju’s Tail (ep 4) o Kanegon convertido en un streamer que se alimenta de criptomonedas en Internet Kanegon (ep 8), dan algo de bajona. Sin ser notable, cabe destacar el ep. 7, The Full Moon’s Answer, donde se hace más evidente el clima ensoñador que rodea gran parte de la estética visual de la serie y que aquí es reforzado con la trama de una criatura felina de leyenda, un clima abrasador en la ciudad, profetisas (que nunca fallan) y una armadura cargada del poder de la luna para Arc.

El robot Givas en el ep. 11, Message

Uno de los episodios que marcan la diferencia es el núm. 9, Goodbye Rin. Rodado con sumo gusto, delicado a la hora de plasmar una historia de maduración para Rin la cual se reencuentra (y desengaña) con un viejo amor ahora dedicado a prácticas ilícitas con células kaiju, sumado las vibrantes y trabajadas escenas con los monstruos (aunque ese amor que dobla en edad a Rin dé algo de grimilla). Llegando al ecuador de la serie nos encontramos con el doble ep. 11 y 12, Message / You are Givas, que aunque la premisa puede recordar a la llegada de Galactron de Ultraman Orb (2016), la idea no deja de resultar potente como es presentar a un robot del que no se saben sus intenciones y que está lanzando un mensaje a descifrar. El miedo creado por el monstruo y que lleva a ordenar su destrucción vs la confianza de Yuma de que quiere comunicarse con la humanidad crea un conflicto interesante.

Ep. 12, You are Givas

Un último café en el ep. 17, Demon Slicing Sword

Si bien, es a partir del episodio 14 cuando las cosas se van poniendo muy jugosas, presentando el conflicto principal de la serie de manera clara, un villano como es Sweed, la historia y motivaciones tras Arc y su relación con la tal Sweed. Es un doble episodio de lo más destacable, los núm. 14 y 15, Flash of the Past / The Wandering Future los cuales se encuentran excelentemente rodados y con hallazgos como ese plano dimensional (localizado en un cine, un mundo de sueños sin duda) donde Arc habla con Yuma y escenas tan sugerentes a nivel visual como la aparición desde el subsuelo de esa extraña bola que parece albergar la energía de un sol, nada menos. Es un aspecto muy a destacar de la presente Arc y es esa identificación con el ultrahéroe, ayudado por una interacción más explícita entre él y su host humano además de un trasfondo argumental potente que hace de Arc un ultra bastante carismático. No solamente sufres por Yuma sinó también por el propio Arc y eso no es muy habitual en el presente de la franquicia.

Ep. 19, Light and Flame

La serie hace las coses diferente a anteriores ultraseries de las new generation y el esperado crossover con Blazar se convierte en un arco de 4 episodios (entre el 16 y el 19) y donde la verdadera estrella no es Blazar sinó Zangill, esa especie de samurai alienígena que aparecía en Ultraman Blazar. Un arco bastante entretenido con la aparición de una especie de espíritus-kaiju (de los cuales muchos son monstruos salidos de la misma Blazar), la existencia de una especie de dimensión del más allá dominada por un shogun-kaiju, Hellnarak, y la entrañable presencia de un moribundo Zangill. El plato fuerte viene en el ep. 19, Light and Flame, con Yuma/Arc cayendo en otra dimensión (que no es otra que la de la serie Ultraman Blazar), con los personajes de Arc trabajando en su lugar en el escuadrón de defensa que veíamos en Blazar quienes luchan contra el tal Hellnarak. Por supuesto, recuperar a Blazar es un puntazo para la serie.

Ep. 20, What is Passed Down

Ep 22, The Man in the White Mask

Y en este último tercio de la serie, Arc acaba por sorprender con una tanda de episodios de lo más notable. Historias autoconclusivas que nos devuelven al ADN puro de la etapa Showa de la franquicia y que demuestran un nivel de imaginación de lo más agradecido. El ep. 20, What is Passed Down, mira que no apuntaba maneras con esa trama de la hija tartamuda del capitán de SKIP, ahora metida a becaria como reportera gastronómica... Pero la cosa mejora y mucho con la misteriosa aparición de Gomess y que resulta ser una criatura extraterrestre similar a un cúmulo de cristales que ha replicado el cuerpo del monstruo. Uno de esos episodios en los que la plasmación de los escenarios reales con el monstruo o algunos planos de la batalla con Arc son visualmente hermosos.

Ep. 23, Calamity Thrice

El ep. 21, The Dream Bird, es otra pequeña joyita muy especial, de nuevo reforzado por ese tono onírico recurrente en la serie. Aquí, una amiga de la infancia de Rin, la cual soñaba con ser escritora ahora se encuentra hundida por la rutina y un trabajo que no la apasiona hasta que una esfera roja, convertida posteriormente en un pajarraco gigante, le concede sus deseos. Episodio con la batalla más espectacular de la serie con un uso del plano sin cortes y la baja angulación alucinante. Eso por no hablar de una sobrada visual protagonizada por un coche que es para levantarse y aplaudir. Un capítulo que traslada ideas de Ultraman 80 (1980) sobre la energía negativa de las personas como fuente de creación de monstruos.

Ep. 25, Time to Run, Yuma!

Otro cantar es el ep 22, The Man in the White Mask, el punto más alto de Ultraman Arc en una historia que perfectamente podria haber hecho Akio Jissoji en el pasado. Un capítulo misterioso que se atreve a referenciar a la pintura surrealista de Magritte con la presencia inquietante de un caballero de máscara de piedra que está despojando a la sociedad de sus recuerdos, sus emociones y angustias convirtiendo el mundo en una existencia gris. Episodio de lo más refrescante, insólito e inventivo y que demuestra una vez más uno de los temas de la serie como es el poder de los recuerdos, la necesidad de Ultraman o el poder de la imaginación para llenar nuestras vidas de color.

Y Ultraman Arc encara su final con un trío de episodios que logran mantener el muy notable nivel visto hasta el momento y lo lleva un paso más allá. El ep. 23, Calamity Thrice, es modélico y presenta a una criatura como Trigelos, que es aterradora y que no duda en crucificar (ah... las buenas costumbres no deben perderse) al bueno de Arc en una batalla al límite. En el ep. 24, The Descending Dream, se potencia la emoción y el drama en lugar de las escenas de batalla con un Yuma en las últimas, una advertencia sobre sus lazos de unión con Arc y un cliffhunger que nos lleva a la excelencia del episodio final, Time to Run, Yuma!. Una gran conclusión, maravillosa en su estructura en 3 actos con Yuma siendo hundido y torturado psicológicamente pero que más tarde logrará superar sus traumas y dejarse llevar, desatarse con el poder de su imaginación para salvar el mundo. Sin duda, uno de los mejores y más locos ataques finales (si no el mejor) de las ultraseries y que pone punto y final a una serie que ha resultado ser toda una sorpresa inesperada.

 

Pese a su empaque más colorido y en ocasiones algo infantil (el robot You-Pi) y su visible modestia (esos tanques...), Arc pronto crece en una demostración de la libertad temática de la franquicia. En una confirmación de la capacidad de mutación y variedad de los argumentos de sus episodios. Una serie de lo más entretenida y que pese a algunos bajones de calidad y episodios algo más tontitos destaca por presentar un grupo de personajes pequeño pero muy entrañable, una gran variedad de episodios, nuevas creaciones de monstruos realizadas para la ocasión (algunas de ellas, geniales) y sobretodo por su increíble y bellísima creatividad a la hora de plasmar las escenas con los monstruos y unas batallas que nunca dejan de sorprenderte.

Ultraman Arc no es una serie tan redonda y explosiva como la anterior Blazar pero es, de nuevo, una notable muestra del magnífico presente de la franquicia. Como serie en conjunto la considero una de las 3 mejores de las New Generation Heroes (de 2013 al presente) y me llena de emoción a la vez de preocupación por saber como van a ser capaces de mantener el nivel con la siguiente serie de este año 2025. El esperado Ultraman Omega.

El 21 de febrero de 2025 se estrena la película Ultraman Arc The Movie: The Clash of Light and Evil, filme que lejos de ser una continuación del final de la serie se presenta como una trama adicional y que sucede entre los episodios 21 y 22 de Ultraman Arc.

SUPER ROBOT RED BARON (1973-1974)

Con el terremoto Mazinger Z sacudiendo las mentes de niños y jóvenes de todo Japón, algunas series tokusatsu de imagen real quisieron aprovechar la fiebre de aquellos años por los robots gigantes realizando productos similares. La productora Senkosha (creadora de Gekko Kamen, la primera serie televisiva japonesa con un superhéroe como protagonista) produjo Super Robot Red Baron (1973-1974) y que fue emitida a través de Nihon TV entre el 4 de julio de 1973 y el 27 de marzo de 1974, con un total de 39 episodios.

La serie empieza tal que así. Una organización maligna, la Iron Alliance, comandada por un tal Dr. Deviler y su armada de robots destructores mantiene secuestrados a científicos para que les ayuden a arreglar a sus robots. Uno de ellos, Kenichiro Kurenai, resulta ser el creador de Red Baron, quien dará la clave de cómo controlarlo a su hermano menor Ken. Kenichiro acabará asesinado frente a los ojos de Ken quien desde entonces luchará contra los malvados montado dentro de Red Baron. La SSI, Super Science Institute, unas fuerzas especiales de élite, le ayudarán en su cometido.

El equipo de defensa SSI

Red Baron fue una producción cara de realizar. Los trajes de Red Baron y del ejército de robots de Iron Alliance fueron realizados por Ryosaku Takayama y la compañia Hiruma Modeling, los cuales ya habían trabajado en la elaboración de maquetas de algunas entregas de la serie Gamera, además de colaborar en las producciones de Tsuburaya y P. Productions. La serie tiene un interés por resultar frenética en todo momento y explotar la acción, consiguiendo un gran nivel de espectacularidad para la época. Se explota especialmente la acción humana presentando una gran abundancia de momentos con artes marciales. Ésta fue una petición expresa de Senkosha hacia los responsables de la serie vista la popularidad de Bruce Lee en esos momentos. Por otro lado, aunque la sensación de la mayoría de robots es endeble y de "plastiquete" se consigue suplir dotando de mucha imaginación y energia a todas las batallas entre ellos. Es notable el esfuerzo en la elaboración de los efectos especiales y que se puede denotar en lo creativo de las maquetas y miniaturas. En cierta manera, y resulta un acierto, Red Baron recoge las sensaciones de estar viendo una traslación en live-action de los animes realizados en los 70 sobre mechas.

Ep. 3, Trump Card: Android X

La serie abre fuego con “Conspiracy of the Robot Empire”. Un episodio inicial que va a lo loco y que suelta a las bravas altas dosis de información que tal vez hubieran necesitado de más episodios. Aún así resulta irresistible e imparable en su acción y sabe plantear notablemente al malvado imperio robot de Iron Alliance y sus creaciones terribles. Como curiosidad, el hermano de Ken, Kenichiro, está interpretado por Nobuyuki Ishida, quien interpreto al héroe Mirrorman en la excelente serie de Tsuburaya de 1971. Tras un cliffhanger de órdago continuamos con "Violent Clash! The Baron Break”, que cuenta con un inicio impagable con Kenichiro crucificado y siendo volado por los aires con dinamita frente a los ojos de su hermano Ken.

Ep 11, The Beautiful Assassin

Así, el primer tramo de la serie se beneficia de este aire enérgico, alocado y furioso, convirtiéndose en una notable muestra de tokusatsu lleno de acción. Cabe destacar de esta primera hornada el doble episodio 3 y 4, "Trump Card: Android X / Certain Death! The Phoenix Maneuver" con Deviler y su imperio del mal proponiendo una jugarreta muy sucia como es el de crear un clon robótico del hermano de Ken para engañarle y conseguir el Red Baron. El doble de Kenichiro acabará pilotando un tal Android X y atrapará a Red Baron en una cárcel de fuego. Un doble episodio bastante vistoso, con mucha acción, luchas marciales y batallas robóticas.

La série, debido a su empaque no tan infantil y más enfocado a una audiencia juvenil-adulta se permite ser en ocasiones algo truculenta y violenta. En el episodio 8, "Invincible! Devil of the Desert", se nos presenta a un nuevo robot, llegado de Arabia y con capacidad para reflejar los ataques de Red Baron. Destaca aquí la presencia de un doctor que vive escondido tras fingir su muerte para escaparse de Deviler y que vive junto a su hijo mudo y paralítico. Ojo a ese flashback heredero del giallo italiano con el niño asistiendo al asesinato de su madre. Siguiendo en esta línea destaca el episodio 11, "The Beautiful Assassin", uno de los mejores de la serie, lleno de momentos de terror, una vez más, heredados del giallo, con Mari, la miembro femenina de SSI siendo controlada (mediante un microchip que se clava en su labio) por un enviado de Deviler, ataviado con una mano robótica, para poder así acabar con Ken. La secuencia a cámara lenta en la que Mari intenta matar a Ken (con sangrientos resultados) es antológica.

Ep 15, The Foretold Trap

Es en este tramo donde encontramos los momentos más atinados de la serie contando con, a opinión personal, los mejores episodios de Red Baron. El número 13, "10 Minutes until 5 Cities are Obliterated", resulta salvaje. Un episodio lleno de acción y con un plan por parte de Iron Alliance de lo más ambicioso como es lanzar misiles a 5 grandes ciudades de Japón. El episodio 15, "The Foretold Trap", resulta sencillamente espectacular. De grandes hallazgos visuales, buena cinematografía y escenas de pesadilla. Aquí la "alianza robot" intentará meter en una trampa a Ken haciéndole parecer culpable de unos asesinatos. La SSI descubrirá el entuerto e intentará tender una trampa a su vez a Iron Alliance. 

El misterioso ep. 16, Iron Alliance Fugitive

Cabe no dejar pasar el ep. 16, "Iron Alliance Fugitive", que aunque algo disperso, se separa de los demás capítulos de la serie optando por una trama terrorífica y llena de imágenes misteriosas e inquietantes protagonizadas por un esclavo fugitivo ataviado con una máscara deformada y de hierro apareciendo y causando muertes entre pescadores. El número 17 vuelve a demostrar lo cabrones que pueden llegar a ser los villanos de la serie. En "A Tale Penned by the Devil", Iron Alliance engaña al teniente de policía Kumano con una niña de lo más angelical la cual quiere volar dentro de Red Baron. Finalmente resultará ser otro robot al servicio del mal y se romperá el corazón de los espectadores cuando Kumano deba acabar con la “vida” de la pequeña. Por cierto, el robot enemigo del episodio es español y se llama Gran Matador. ¡Ojo! 

El cruel ep. 17, A Tale Penned by the Devil

Un aspecto interesante de la serie es que Red Baron no dispuso de un director de efectos especiales propiamente dicho y el director del episodio tenía que encargarse tanto del rodaje con los actores como de dirigir las escenas de efectos especiales (normalmente hay dos equipos encargándose por separado de ello). Algunos de los directores de los que pudo contar la serie fueron Kiyoshi Suzuki o Koichi Takano, director este último de los efectos especiales de diversas ultraseries o de filmes como The Mysterians (1956).

La serie inicialmente se planteó para finalizar en el episodio 26 por lo que el doble ep. 25 y 26, "The 7 Secrets of Red Baron / The Fall of Deviler Iron’s Alliance", narra la derrota del gran Deviler, el villano principal de la serie hasta el momento. Aquí los héroes pretenden instalar a Red Baron siete nuevas armas y diversas mejoras. Dicho plan secreto se aloja en un microfilm escondido en un reloj el cual se le da a Daisaku, miembro de SSI, pero el pobre acabará secuestrado en la playa... Un doble episodio que sin ser especialmente épico o notable si que nos brinda con escenas llenas de acción y situaciones al límite con el mecha definitivo de Deviler descabezando a Baron además de dos pérdidas de personajes principales bastante inesperadas y crudas.

El fin de Deviler en el ep. 26, 
The Fall of Deviler Iron’s Alliance

La serie, debido a su éxito, fue obligada a estirarse 12 episodios más. Algo que se nota especialmente viéndose un bajón general de calidad en este último tramo con unos argumentos dispersos, repetitivos y con unos nuevos villanos de tercera. Los nuevos representantes de la Iron Alliance ahora no son más que un grupillo de masillas con máscaras de monstruo de Frankenstein pintadas de platino. Delirante. De este tramo se puede destacar un entretenido doble episodio, los num. 29 y 30, "3 Robot Brothers of the Iron Alliance / The Boy Who Controlled Red Baron" y que presenta un nuevo plan maquiavélico e inquietante. La Iron Alliance utiliza el cuerpo de un niño atropellado para crear un robot infante que utilizarán para entablar amistad con Ken y así manipularle para acceder al todopoderoso Red Baron. El verdadero mandamás tras Iron Alliance, Gen Q, se presentará además ante la SSI. Uno de los must de este par de capítulos es la batalla que mantiene Baron contra un trío de robots gigantes.

Ep. 39, A Clockwork Tomorrow

Y la serie desemboca en un trío final formado por los ep 37, 38 y 39, "Father’s Letter from Across Space / Red Baron: Disaster on Mars / A Clockwork Tomorrow", de carácter bastante entretenido, aunque no notable, pero que presenta varias perlas. Aquí, una carta llega a Ken: ¡su padre está vivo y atrapado en la base central de Iron Alliance en Marte! Aunque huele a una evidente trampa, Ken, dentro de Red Baron, inicia su viaje. Las diversas revelaciones tienen su miga. Que el padre de Ken sea el verdadero cabecilla de Iron Alliance, que pretendan utilizar una de las lunas de Marte para estrellarla contra la Tierra y un final donde diversas reflexiones se abren paso por entre la acción reflexionando sobre nuestra dependencia para con la tecnología y si eso nos hace perder parte de nuestra humanidad. Al final la persona es quien marca la diferencia.

Super Robot Red Baron es una serie por lo general entretenida y que se beneficia de su ritmo frenético y vehículo de acción musculado/cibernético. Su héroe protagonista, Ken, aún siendo algo sosete cumple como héroe a las mil maravillas, dejando un equipo militar, la SSI bastante indiferente, con unos personajes superficiales y poco interesantes a excepción del personaje de Kumano, un comic relief que acaba por resultar entrañable y útil en muchos episodios. Aún con tramos de episodios notables, la serie peca de una gran parte de capítulos algo repetitivos y simplemente correctos, siendo esta sensación mucho más evidente en la muy discreta última tanda de episodios de la serie. Aún con todo, Super Robot Red Baron, es una serie a recomendar y que saciará a los fans con sus frenéticas batallas entre colosos robóticos. Harina de otro costal es su brutal y muy pegadizo opening. ¡Escuchadlo!

Los inicios de la emisión de Red Baron fueron difíciles aunque progresivamente y a partir de su episodio número 9, las audiencias crecieron considerablemente. Aún gozando ésta de una aceptable popularidad la serie acabó cancelándose debido a que los sponsors implicados en su financiación estaban teniendo dificultades económicas y eran incapaces de realizar más aportaciones para la serie. Si bien, Red Baron marcó el inicio de una trilogía conocida como las Baron Series, estando todas ellas creadas y guionizadas por el tándem formado por Kazuhiko Watanabe y Hiroshi Saito y siendo emitidas por Nippon TV. Sería continuada por Super Robot Mach Baron (1974-1975) y Little Superman Ganbaron (1977).

Se realizó años después un reboot en forma de serie anime titulada Red Baron, la cual contó con 49 episodios y que fueron emitidos entre 1994 y 1995. En 2017 se realizó Brave Storm, un largometraje que no era sino una revisión de Super Robot Red Baron (con elementos de la serie de 1971, Silver Mask, otra de las series producidas por Senkosha). A pesar de sus limitaciones presupuestarias, el filme es una sorprendente puesta al día del personaje en una producción vibrante, de conseguido pulso narrativo, excelentes ideas y amor por el género.

YOUNG AND DANGEROUS 2 (1996)

Como se mencionó anteriormente, Young and Dangerous (1996) fue un fenómeno total a raíz de su estreno en Hong Kong. Envuelta en un halo de polémica por su glorificación y romantización del mundo de las tríadas, el filme catapultó de la noche a la mañana a sus jóvenes actores y generó un buen número de continuaciones y spin off. La secuela no se hizo de rogar y dos meses después del estreno de la primera, en marzo del 96, se estrenó Young and Dangerous 2 (1996). 

Dicha continuación se centra, en gran parte de la misma, en ese lapso de tiempo en el que Chicken estuvo desaparecido en la primera entrega, escapando hacia Taiwán e introduciéndose en la mafia del lugar. Más tarde dicha mafia taiwanesa volverá tratando de aliarse con las triadas y la Sociedad Hung Hing de Hong Kong.

Si la primera entrega resultaba más cruda, directa y algo más focalizada en la acción, esta secuela se torna más pausada y más preocupada en explorar y profundizar en el gran abanico de personajes de la saga. El resultado es de hondo calado y realmente efectivo. Ya vemos aquí y de forma evidente que el mejor y más carismático personaje de la saga es Chicken, en lugar del protagonista, Nam, algo más soso y predecible. 

Todo el periplo del “gallina” en su escapada a Taiwán, su acceso a la mafia del lugar y su enamoramiento con el personaje de Ting Siu-Yiu (una maravillosa y hermosa Chingmy Yau), resulta la mar de interesante. La otra línea argumental de la cinta, la del presente, cuenta la llegada de la mafia de Taiwán a la cual Chicken está vinculado así como su entrada en los negocios de la sociedad Hung Hing. Como digo, la película continua profundizando en el organigrama de dicha sociedad y las luchas de poder entre los clanes con Nam teniendo que ganarse el puesto de jefe compitiendo con nada más y nada menos que Anthony Wong, con un personaje hilarante a la par de desagradable, encargado de la venta masiva de material pornográfico. Una adhesión que hace aumentar aún más la calidad del cast.

Esta preocupación por la narración y la historia así como una menor pero más justificada presencia de escenas de acción hace que en algunos puntos esta secuela sea incluso más disfrutable que su antecesora, acabando por establecer las claves de la franquicia, envolverla de un aura trágico-violenta a sus personajes y focalizar la narración en las relaciones entre personajes. Una notable cinta.

YOUNG AND DANGEROUS (1996)

Regresando a los tiempos de gloria del cine de Hong Kong, abundaron durante los años 80 y 90 cine de acción o thrillers policiales centrados en el modo de vida de las tríadas. Un genero bien popular y que fue llevado desde la explosividad balística del cine de John Woo o similares, al nihilismo de Johnnie To. Sin duda, una de las sagas más míticas y exitosas de los 90 es la saga Young and Dangeruous. Polémicas y controvertidas por su romantización y glorificación del mundo de la mafia, tuvieron un éxito abrumador a finales de la década de los 90, generando una saga de 6 películas, varios spin-off y un remake realizado en 2010. Tanto fue el revuelo generado por la saga que fue calificada como CAT III para alejar así a lo jóvenes de los cines.

Basado en un cómic manhua creado por Cowman y Dickey Yau, Young and Dangerous sigue las vicisitudes de un grupo de amigos en sus inicios en las triadas. El filme resulta notable en su plasmación del funcionamiento de las tríadas en Hong Hong, la división en diversos grupos y familias, cada uno con su zona de control, tipos de negocios concretos y rencillas entre los mismos. Debido al carácter comercial de la propuesta dicho organigrama no resulta confuso teniendo cierta habilidad la película para ayudarte a no perderte en los diferentes personajes. 

Si bien, aunque en un inicio algunos de los carácteres tienen una pátina superficial, las siguientes continuaciones de la saga ayudan a explorar adecuadamente el trasfondo de cada uno de ellos. Personajes como Nam o Chicken  se convirtieron en leyendas de la noche a la mañana, catapultando a la fama a sus actores Ekin Cheng y Jordan Chan, respectivamente. Sin duda, el pulso que mantienen ambos personajes en la cinta, su relación de amistad la cual va teniendo muchas subidas y bajadas a la vez que ambos intentan ascender en su posición de las tríadas resulta ejemplar.

La cinta resulta muy acertada en su plasmación de los barrios más pobres y peligrosos de la ciudad, consiguiendo un nivel de suciedad y crudeza en diversos momentos sorprendente y conseguida. El grupo de personajes principales, amigos de la infancia y que les une un sentimiento de honor y unidad, resultan muy entrañables todos ellos. Jóvenes sin aspiraciones, abandonados a su suerte en unas circunstancias donde poco tienen que hacer salvo entregarse a la delincuencia para tratar de cumplir sus sueños de prosperidad. 

De estética elegante y sucia a la vez, el filme recoge sin pudor su herencia del cómic en el que está basado mostrando en determinados momentos viñetas para llevarte por los diferentes tramos de la historia. Por supuesto, siguiendo el carácter comercial de la propuesta el filme no abandona las adecuadas dosis de sentimentalismo, drama y romance además de canciones, que no empañan en absoluto el conjunto.

Así, Young and Dangerous, resulta un entretenimiento de lo más notable. Eficaz en su manera de plasmar la idiosincracia de la propia mafia y de sus relaciones de poder. Interesante en su narración de historia de ascenso de un grupo de personajes. Súmale la presencia de estrellas míticas del género como Simon Yam para hacer de su visionado una experiencia muy recomendable y quizás la más sólida entrega de una saga que por si misma es bien sólida. Ya la iremos comentando en un futuro en este blog. Si bien aprovecho la presente crítica para recomendar al lector Young & Dangerous 4 (1998) y especialmente los spin off realizados de personajes secundarios de la saga, la mayoría de ellos todavía más notables que la saga madre y dotados de un aura de fatalismo y melancolía muy conseguidos, caso de Young and Dangerous: The Prequel (1998), Portland St. Blues (1998) o These Were the Days (2000), centrada ésta última en la infancia y adolescencia de Chicken.

SÊRÂ-FUKU: YURIZOKU (1983)

Como se ha comentado hasta la saciedad en el presente blog, el estudio Nikkatsu deleitó al público nipón con su retahíla de exitosas producciones Roman Porno entre 1971 y 1988. Hasta 1.200 producciones se realizaron, todas ellas baratas, fáciles y rápidas de realizar y además rentables. El Roman Porno aglutinó decenas de subgéneros o etiquetas. Cintas que se adentraban en las mil y una parafilias y perversiones del ciudadano medio. 

Resulta interesante adentrarnos en una pequeña "sub-rama" del género centrada en producciones que abordaban la homosexualidad de sus protagonistas. Aunque por lo general el sexo de los personajes era femenino y la situación básicamente era explotada desde una visión masculina. Si bien se produjo una trilogía de cintas que, aun contando con dicha explotación, se abordaba la temática de una manera diferente, contando con buenos valores en general. Se trata de la trilogía Yurizoku.

En esta primera entrega se nos presenta a dos chicas de secundaria, Miwako y Naomi, quienes descubren el placer del sexo entre ellas, hasta que una de ellas decide comenzar a salir con un chico para así experimentar nuevos horizontes.

Sêrâ-Fuku: Yurizoku (1983) es otra de las muestras más interesantes que nos dejó el maravilloso y húmedo Roman Porno de la Nikkatsu. Es una cinta que se muestra natural y orgánica en su plasmación de su pareja protagonista y sus diversos avatares. Dos muchachas adolescentes y que dudosas de su propia relación, parece que inmersa en el tedio y conscientes de su propia inexperiencia vital se aventuran en un camino de autodescubrimiento personal y sexual. El carácter técnico de la propuesta resulta acertado, siendo íntimo, cercano y muy natural en las escenas de interior y momentos de cama. 

El clásico nerd pervertido que no puede faltar

Respecto a los exteriores, la fotografía aprovecha de manera notable las localizaciones playeras de la historia, creando momentos de fuerza con el uso del mar, al respecto la excelente escena final con la pareja corriendo por la playa, con un uso excelente de la cámara lenta y la música escogida para la ocasión. Nada mal, para una producción de bajo coste y rodada en 1 semana. Por supuesto, aunque pueda parecerlo por mis acaloradas palabras, el filme se aleja de toda seriedad y trascendencia convirtiéndose en una simpatiquísima comedia de clásico triángulo amoroso. Por supuesto, las locuras habituales e inherentes al género están presentes. 

Aquí cada uno con sus filias

Desde el chico con el que Miwako intenta mantener una relación, un pervertido con acné y que gusta de dejar mochilas (con una cámara en su interior) en medio de la calle para grabar y fotografiar la ropa interior de las adolescentes (Love Exposure style!), un momento en el que también una de las protagonistas es espiada mientras orina (cada uno con sus filias) a usos alucinantes en medio del sexo de un gnomo que parecía servir únicamente para la decoración (ese gorrito afilado...). El director de la cinta es Hiroyuki Nasu, que lejos de encasillarse en el cine erótico realizó diversas producciones en los 80 de lo más exitosas como la saga Bee Bop Highschool (1985-1988), para que se encargó de 6 entregas de la saga o The Shinjuku Love Story (1987). Filmes juveniles que enmarcaban el entorno adolescente con el mundo del crimen o la delincuencia y que gozaron del favor de la audiencia.

Ese gnomo no es solo para decoración...

La elección de la pareja de féminas protagonista resulta un acierto, habiendo química entre ellas y creando unos personajes bastante simpáticos. Al respecto destacar a Natsuko Yamamoto, muy apreciada para quien esto suscribe, presente durante un par de años en varios Roman Porno de la casa como Beautiful Wrestler: Down for the Count (1984), donde se la volvía a juntar con su compañera de reparto Kaoru Oda (Naomi en Yurizoku) o en Koichiro Uno's Wet and Swinging (1984) una de las primeras películas de Shusuke Kaneko.

Esta primera Sêrâ-Fuku: Yurizoku resulta un ejemplo notable del genero, explotando la temática lésbica con despreocupación y ligereza pero aprovechándolo para realizar una trama de autodescubrimiento sexual y personal aderezado con numerosas notes de humor y una naturalidad en la acción bastante de agradecer. Una producción erótica bastante recomendable. Las dos entregas restantes no se hicieron de rogar para las cuales contaron con la misma pareja de actrices. Para Yurizoku 3 (1985) la dirección corrió de parte de Shusuke Kaneko.

ULTRAMAN: THE NEXT (2004)

Como se apuntó en el extenso análisis de Ultraman Nexus (2004), dicha serie fue una oportunidad para abordar un Ultraman oscuro y adulto. El proyecto se preparó para la emisión de la serie viniera precedida de una película que preparara al espectador del mundo que vería en Nexus. Si bien, debido a las dificultades económicas de Tsuburaya Productions, la cinta no se estrenó en cines hasta diciembre de 2004, dos meses después del estreno de Nexus. Si analizamos Ultraman: The Next (2004) como un ente independiente, ésta se ve como una reactualización en toda regla del mito y que funciona a las mil maravillas como puerta de entrada al personaje para un público que nunca se ha acercado a él. Tsuburaya era consciente de ello, motivo que animó a titularla originalmente como Ultraman, para después cambiar a Ultraman: The Next en el mercado internacional.

El filme nos presenta al teniente Shunichi Maki, piloto perteneciente a las fuerzas aéreas de autodefensa. Desde niño, siempre había soñado con volar, pero debido a la grave enfermedad de su hijo Tsugumu, y que puede causarle la muerte en cualquier momento, Maki abandona su puesto en las fuerzas aéreas. En su última noche en el cuerpo, en una ronda nocturna, su avión colisiona contra una extraña luz roja, aun así no sufre ningún daño pero comienza a sentir en su cabeza imágenes extrañas y mensajes telepáticos de un ser. Mientras tanto, en un secreto complejo militar, Sara Mizuhara se encuentra tras la cacería de un monstruo apodado «El Primero», y que posee la capacidad de absorber toda vida terrestre. Mizuhara se enterará del incidente de Maki y lo mandará apresar.

The Next se erige como una de las mejores representaciones fílmicas del personaje gracias, por un lado, a su cuidadísimo empaque, lujosos efectos especiales y, en general, una cinematografía envidiable. Al respecto, su generoso presupuesto, para los estándares nipones, de unos 6,3 millones de dólares, tiene algo que ver. El filme se beneficia al eliminar cualquier atisbo de infantilismo inherente a la franquicia, ofreciendo en su lugar un tono adulto y violento, en el que se atreve incluso con algún momento de body horror o muertes en directo. El diseño creado para Ultraman resulta de lo más sugerente por esa idea de ofrecer un aspecto incompleto al héroe, creando un mix entre zonas metálicas y orgánicas muy innovador. El Ultra irá evolucionando a medida que su host humano va tomando conciencia de su propio poder como héroe. Su diseñador, Hiroshi Maruyama, recordaba lo estresante que fue para él reinventar la imagen de Ultraman para el filme. En su primer diseño propuso a un Ultra de piel transparente con líneas brillantes rojas, pero fue rechazado por el estudio por ir demasiado lejos. Maki, el host humano de Ultraman, interpretado para la ocasión por Tetsuya Bessho, es un personaje algo hierático, con un trasfondo familiar que, si bien, no es la panacea, funciona adecuadamente dentro de los parámetros del filme.

Por otro lado, The Next es capaz de crear un villano de lo más interesante, concretamente porque es un ser humano afectado por una luz maligna y extraterrestre. «El Primero» resulta una criatura amenazadora y, sanguinaria, y cuya habilidad de fusionarse con otros seres vivos resulta de lo más llamativa y peligrosa ya que le permitirá evolucionar y adaptarse a diferentes formas, como por ejemplo desarrollar alas, tal y como vemos en la catártica batalla final. La calidad de los efectos especiales, dirigidos por Yuichi Kikuchi, resulta en general realmente buena. En su combinación de técnicas tradicionales, con maquetas y hombres disfrazados a la vez de un uso extenso del CGI da lugar a momentos provistos de una estética espectacular. Prácticas como el uso de luz natural o combinar escenarios de edificios reales interactuando con los monstruos resultan tremendamente efectivas. Para el recuerdo queda ese momento en el que Ultraman salva a una madre y su hija de morir aplastadas por un edificio o planos donde la sensación de escala resulta extraordinaria, especialmente en la batalla en Shinjuku, donde el equipo de efectos se luce especialmente. Por el contrario, hay ciertas secuencias en las que el CGI no es tan atinado y resulta excesivo, como es el caso de la pelea aérea entre Ultraman y «El Primero».

Respecto al apartado musical, Tak Matsumoto realiza un score resultón que sigue la línea de la producción de dar un aire moderno y diferente al personaje. Con una gran presencia de temas con potentes guitarras, cercanas incluso, por momentos, al metal industrial pero aderezadas con ocasionales apuntes electrónicos, crean un soundtrack acertado. Siguiendo en esta línea rock, el tema principal del personaje de Maki es una pegadiza tonadilla de golpe heroico que, con una línea muy clara de guitarra, no evita, aumentar el tufillo a Top Gun (1986) de algunos momentos del filme. Si bien, dicha pieza es utilizada para engrandecer los momentos más épicos con una versión con instrumentación de cuerda deliciosa.

Si nos centramos en la dirección de The Next, sin duda os sonará, la labor recayó sobre Kazuya Konaka,  una de las voces más importantes y con más personalidad de la etapa Heisei de Ultraman. Ultraman Zearth 2 (1997) fue su estreno en la franquicia y su participación irá a más siendo el director principal de las series Ultraman Dyna (1997) y Nexus, además de dirigir filmes del personaje como Ultraman Tiga & Ultraman Dyna: Warriors of Star of Light (1998) o la futura Ultraman Mebius & The Ultra Brothers (2006), además del filme que nos ocupa. La importancia en la franquicia de Kazuya Konaka es inapelable y ha continuado dirigiendo hasta nuestros días, destacando la reciente Single8 (2023), en donde Konaka rememora sus años de adolescencia en una preciosa carta de amor al cine y en donde los guiños a Ultraman son abundantes.

Respecto a su condición de precuela, pocos elementos en común presenta The Next respecto a Ultraman Nexus, más allá de mostrar a una organización gubernamental a la sombra y de prácticas algo oscuras. Aun así, Las referencias de la película en Nexus serán abundantes, siendo los hechos que cuenta la película de vital importancia para desarrollar algunos elementos de la serie. Pero, salvo esto, la película funciona perfectamente por sí misma como entrega independiente del personaje.

Ultraman: The Next, se trata en general de un trabajo notable y una de las traslaciones cinematográficas más recomendables del personaje. Un filme que consigue un buen equilibrio entre una trama adulta con personajes de cierto trasfondo y un drama humano lo suficientemente bien narrado para ser interesante, siendo combinado con la espectacularidad que merece un filme de Ultraman. La película, por desgracia, quedó bastante por debajo de las previsiones que se tenían de ella en taquilla, no evitando que ésta tuviera cierta proyección internacional, siendo la puerta de entrada para muchos al universo de Ultraman, como un servidor allá en su época adolescente.